【人物访谈】颜峰 | 2026留声机国际音乐比赛管乐组评审、上海单簧管研究会秘书长

颜峰，上海音乐家协会管乐专业委员会理事，上海单簧管研究会秘书长

个人简介

颜峰，上海音乐家协会管乐专业委员会理事，上海单簧管研究会秘书长，单簧管硕士，现任职于上海音乐学院。先后师从周泰、赵曾茂两位教授研习单簧管演奏，曾长期受邀担任上海广播交响乐团（现为上海爱乐乐团）单簧管和低音单簧管演奏员，期间随团参加过2000年北京国际音乐节开幕式音乐会、上海大剧院跨世纪新年音乐会、多明戈上海独唱音乐会等重要演出，还应邀赴德国、奥地利、波兰、芬兰等国家参加音乐节演出。作为独奏演员在第十四届北京国际电子音乐节，第十九届、二十届上海国际艺术节首演过多部专为单簧管创作的独奏作品，是长期活跃于当今单簧管演奏舞台的青年艺术家。

访谈录

（以下内容根据访谈整理。组委会简称Q，颜峰简称A）

Q ：您曾长期任职上海广播交响乐团（上海爱乐乐团），担任单簧管、低音单簧管演奏员，参与过北京国际音乐节、多明戈音乐会等重大项目，还赴德、奥、波、芬兰多国音乐节巡演。职业交响乐团的工作经历，重塑了您对于管乐演奏怎样的认知？

A：我是1997年开始在上海广播交响乐团参加排练演出，这个期间参与过很多大型的国际艺术节演出，还参演过多明戈这类国际大师在上海的独唱音乐会，这对于一名管乐演奏者而言，拥有职业交响乐团的历练的经历十分宝贵。单簧管家族拥有多种规格的乐器，常规单簧管与低音单簧管在乐团当中承担着截然不同的职能。尤其是浪漫主义时期的作品，作曲家对音色有着极高的追求，两类乐器所要呈现的音乐效果与音乐形象也各有特色，例如像拉威尔、拉赫玛尼诺夫、柏辽兹等作曲家的作品中都十分重视单簧管声部的运用。传统交响乐作品和多明戈独唱音乐会这类声乐协奏的演出差异还是挺大的。我记得多明戈这场音乐会，他是专门从意大利带来了专属指挥，以及适配他演唱版本的乐谱，乐谱上标注着很多与演唱相关的细节记号。通过这次演出，学到了声乐协奏独有的标准与处理方式，这和演奏传统交响乐的要求完全不一样。不同时代的作品、不同演奏家与指挥家，对音乐都有着各自的理解。作为乐团演奏员，我们需要去适应各位艺术家的要求，以此完成作品的呈现。

Q ：作为演奏家，既在交响乐团从事合奏，又作为独奏家登台演出。乐团合奏视角和独奏视角，对于理解同一首作品，会带来哪些不一样的感悟？

A：乐团合奏、独奏，还有室内乐这三者的演奏逻辑有着很大区别。乐团演奏很重要的一方面是在于指挥，乐团、室内乐的演奏同时也更加看重各声部之间的协作，还有演奏者相互之间的配合与默契。独奏是演奏家可以展现更多个人的音乐表现，以及自己对音乐作品理解后的呈现方式，这也是与乐队和室内乐演奏最大的区别。

Q:您多次在北京国际电子音乐节、上海国际艺术节首演多部当代新作。是什么契机，让您持续去推广国内的单簧管新作品？

A：我曾在北京国际电子音乐节、上海国际艺术节的舞台上多次参演新作品，这些作品大多来自国内音乐学院作曲系教师的创作。这类独奏作品不是传统意义上的单簧管与钢琴搭配的古典独奏体裁，也并非协奏曲，而是单簧管与电子音乐、数字媒体相结合的融合类作品。例如其中的一部作品，是由我们学校音乐工程系秦诗乐教授创作的，他是将人声采样、单簧管与电子音效相互结合的方式来呈现的，该作品在北京国际电子音乐节首演，还有是我们学校数字媒体学院戴唯一教授创作的“多媒体数字声场”类型的一部作品，演出形式和传统古典音乐演出截然不同，演奏者置身多媒体环境当中完成表演，这些都是当代作曲家对新作品、新演绎形式的实践探索。如我们正今身处数字与AI 时代，传统乐器该如何向前发展，是摆在我们面前全新的课题。国内不少青年作曲家也正在这一领域做着大量探索尝试。作为演奏者，能够协助作曲家呈现他们的创作，同样也是推动单簧管这件传统乐器自身的发展。

Q ：在日常教学和评审当中，很多青少年选手一味追求速度、高音难度，但是音色单薄，缺少声音层次。在单簧管演奏当中，应当如何平衡技术难度与音色、音乐表达？

A ：我们经常遇到这样一类的学习者，他们会认为吐音速度越快、能演奏的超高音越多就是代表演奏水平更高、技术更出众，这其实是一个认知误区。学习乐器的核心是诠释音乐，而不只是炫耀演奏技巧。无论国内还是国外的老师，在乐器教学过程中都会反复强调慢练的重要性。对于管乐而言，慢练与基础训练，也就是长音、音阶的练习是学习中至关重要的环节。但很多学生忽视基础练习，觉得慢练无法展现自己的能力与技术。其实基础练习就如同建造房屋的地基，地基没有筑牢后续所有演奏能力的提升都无从谈起。气息是管乐演奏的根本，是演奏好乐器、演绎好作品的根基。如果气息掌握不到位，对学习者后续各类演奏技巧的掌握与发挥有很大的影响。曾经有多位国际上著名的教授来学校授课，几乎每一位都会专门给学生讲解气息的训练方法。不只是这些外国专家，国内音乐学院的众多知名演奏家，他们在教学里也都格外看重气息训练。说到吐音技术，很多人简单理解为就是舌头运动快慢，认为只要锻炼舌头肌肉耐力与反应能力，吐音水平就能提升。但大家常常忽略吐音技术的提升很大程度是要依托气息，只有气息与舌头良好配合，才能实现完美的吐音效果。无论是古典作品还是当代作品，艺术学习不能只停留在识读音符、吹出好听声音的层面。想要读懂作品，就要走进作曲家所处的时代，要去了解作品的时代背景、音乐史与艺术史之间的脉络，以及当时的社会环境，以此理解作品的创作特征，这是解读作品的一些基本方法。除此之外，我们还需要了解乐器本身的发展历史。单簧管这件乐器诞生至今不足三百年，起源于巴洛克晚期。它并非一经发明就是如今的形态，从巴洛克晚期开始，历经古典主义时期、浪漫主义时期，一直到20 世纪这件乐器本身一直在迭代演变。我们需要去了解不同时代的作曲家对这件乐器有着怎样的认知，在当时的乐器条件下能够实现怎样的音色、技巧，以及那个时候演奏家的演奏面貌。理解这些背景之后，我们才能明白该用何种方式去演绎不同时期的作品，例如莫扎特、韦伯、克罗塞尔、勃拉姆斯等不同时代的作品。不同年代的乐器存在硬件局限，能够实现的演奏能力各不相同，乐谱上除了可以读出作曲家各自的风格，更能看到乐器条件带来的客观约束。比如莫扎特就无法写出韦伯那般复杂的音乐内容，根源就在于当时的乐器并不具备对应的演奏条件。

Q ：很多国内原创管乐作品，演奏者接触较少，乐谱资源、演奏参考也有限。演奏一部全新的首演作品，您是如何完成作品解读，并与作曲家沟通磨合的？

A ：作曲家选择单簧管这类管乐器进行创作，本身就颇具挑战性。我接触过不少作曲家，他们大多更擅长创作钢琴作品，绝大多数作曲家本身就是钢琴演奏者，他们对钢琴这件乐器十分了解，钢琴也便于呈现他们的创作构思。在作曲学习阶段，作曲家们也常会练习弦乐四重奏写作，因此对弦乐器也会相对熟悉。但管乐对很多作曲家而言是比较陌生的，创作时容易遇到演奏法层面的问题：作曲家可以把音符写在谱面上，但乐器实际吹奏出来的效果未必能达到他预想的状态。每件管乐器都有自己擅长的音色与音区，同样也存在不擅长演奏的部分。当作曲家仅凭想象去追求某种音响效果时，就需要和演奏者进行充分沟通。我之前参与过好几部新作品的创作，整个过程都是一点点打磨、逐段推敲后完成的。作曲家先写出初稿乐谱，由我进行试奏，试奏之后我会向他提出诸多修改建议，比如指出哪些段落从乐器演奏角度是可行的，哪些音型、段落受演奏法限制，实际演奏难度极大。新作品的诞生本就是一个逐步磨合的过程，一部作品初稿完成就尽善尽美，这种情况几乎很难实现。一部作品最终定稿，往往要经过几十次甚至上百次的沟通打磨，才能呈现出理想的艺术效果。

Q ：国内大量青少年管乐学习者，平时只练习独奏曲目，重奏、室内乐、乐团排练经验比较匮乏。室内乐合奏训练，对于独奏演奏者有哪些能力提升？

A ：这其实是一个很值得探讨的话题。对于学习乐器的学生来说，无论学习管乐、弦乐，或是西洋乐器还是民族乐器，独奏往往是大家最先接触的演奏形式，日常练习也大多以个人练习为主。但我十分推崇参与集体合奏，只有置身于集体合作的环境当中，学习者才能获得更全面、更高层次的提升。合奏当中的学习和个人独奏练习是完全不同的。正如我之前提到的，乐队演奏与独奏表演是两回事。乐团看重的是协作，而非个人的过度张扬，追求的是演奏的共性，是集体表达。演奏者不再只是独立的个体，而是整个集体中的一员，所有作品都依靠团队共同完成。这对所有乐器学习者而言，都是极为重要的学习途径。如果暂时没有条件参与乐团排练，也可以参加室内乐或者重奏的训练。当然，倘若有机会加入乐团，无论是交响乐团、弦乐团、管乐团，还是民族乐团，只要是合奏形式，都会对学习者大有裨益。这种收获不仅仅作用于乐器演奏本身，其中蕴含的思维方式，对其各类学习同样具备借鉴意义。

Q ：您任职于上海音乐学院，同时也参与大量社会管乐推广工作。专业院校的学生，和社会广大琴童，在学习目标、能力培养上，核心区别在哪里？

A ：专业学习与非专业学习，在学习底层逻辑上本不该有本质差别。只要走专业路线，就理应严格按照专业标准来要求。专业院校学生与社会琴童二者培养上最大的差别在于训练强度，强度不同，对应的学习目标也会有所区分。以上海音乐学院为例，附小、附中以及本科阶段的专业学生，每天需要投入大量时间练习，夯实演奏基本功。只有具备扎实的技术支撑，才能够实现更好的艺术表达，这是学习器乐的基本逻辑。而广大社会琴童，很难投入大量时间在技术训练上，就可以适当降低学习目标，以培养兴趣为核心。结合自身能力，设定适配的学习目标，这样才有助于长久坚持乐器学习。无论哪一种学习，都会遭遇瓶颈，这并非音乐学习独有的现象。遇到瓶颈不应轻言放弃。抛开功利的想法，当学习陷入停滞，应当停下来分析问题根源：是练习时长不足，还是练习方法存在偏差。找准症结，逐一化解，才是正确的学习方式。一切进步都离不开持续练习与打磨，找对方法之后，便交给时间沉淀，切忌急于求成。练习当中，机械重复固然不可避免，但要厘清无效练习和有效练习。有效练习需要带有明确目标：哪怕只有十分钟练习时间，也要清楚本次要解决什么问题，带着目标反复打磨，才能取得成效。毫无标准、不加分辨的机械重复，属于无效练习，对学习没有帮助。此外，音乐学习本身是综合性的，绝非片面的技能训练。即便主攻单簧管，也需要去了解其他乐器，熟悉西方音乐史、西方艺术史，同时也要知晓中国音乐史、中国民歌与中国艺术史。乐器只是一个切入点，音乐只是浩瀚艺术海洋当中很小的一部分。我们借由音乐，去认识广阔的艺术世界，再进一步延伸到对广阔世界和社会的认知。学习的意义最终是落实为人的综合素养，而不只是掌握一门乐器。当下各类音乐比赛层出不穷，我们要厘清参加比赛的目的：获取奖项、给自己设立阶段性目标、和其他选手交流学习，这些都是参赛合理的期待。但比赛带给参赛者的价值，绝不只在于一纸奖项。更重要的是备赛过程中的付出与成长，这份努力与收获，才是选手参与比赛最宝贵的部分。