声音演出，从“圈内热”到“大众看”还有多远

新京报记者 吴龙珍 编辑 吴龙珍 校对 赵琳

8月6日晚，北京保利剧院。一束光落在饰演律师的演员身上。他拿起台词本，说着台词，然后在长桌旁走动。与他演对手戏的演员坐在长桌另一侧，面前同样摆着台词本。

▲朗读剧《回声：审判》中《不可儿戏》单元剧照。演出方供图

这是由729声工场与八排一座联合出品的朗读剧《回声：审判》中的一幕，全剧由《最佳损友》和《不可儿戏》两个悬疑故事组成。8月6日至9日，这部作品连演六场。

▲朗读剧《回声：审判》中《最佳损友》单元剧照。演出方供图

作为国内知名声优经纪公司729成立十周年的特别演出。剧场外摆放着观众给不同演员的应援花篮和展板，不少人从外地赶来。配音演员们平时多在录音棚里完成配音工作，这一次，他们的声音、表情和身体同时出现在大家面前，前排观众甚至能看清演员的细微表情。

《回声：审判》首演第二天，配音演员赵岭导演并主演的话剧《来信》在开心麻花景山剧场开演。8月29日至30日，配音演员赵乾景在中间剧场出演了实验戏剧《白兔子，红兔子》和《南星》……这些作品并不属于同一类型，但都呈现出一个值得注意的现象：过去主要在录音棚工作的声音从业者，正在以不同身份走上舞台。新京报记者进一步梳理发现，除了出演话剧和实验戏剧，近十余年还陆续出现了一批像《回声：审判》一样，将声音表演放在更突出位置的作品。

从公开资料来看，较早案例至少可以追溯到2014年。那一年，现场广播剧《谋杀正在直播》在上海话剧艺术中心上演，此后，《仙剑奇侠传五》声优剧《前尘一梦》（2015），声优剧《吴江锦时书》（2017）、现场广播剧《声临阿加莎》（2018）、“为爱而声”四维全息声声优剧（2018）以及声音剧场《云鲸记》（2022）等作品陆续出现。

声优剧、现场广播剧、声音剧场、朗读剧，不同名称会给观众带来怎样的预期？配音演员站到台前后，声音、身体和舞台配合会有什么亟待解决的问题？为什么有些作品只演几场便告结束，有些作品却能够复排？

带着这些问题，新京报记者采访了729声工场、八排一座、上海捕鼠器戏剧工作室，以及配音演员赵岭、赵乾景，试图从近十余年的演出实践中，观察以声音为主的线下演出的变化，以及这类演出走向长期生产仍需面对的问题。

台词本、话筒和身体：声音演员需要自己的舞台语法

看《回声：审判》时，记者最先注意到的是台词本。此前的各种剧场演出中，很难在台前看到它，脱稿演出几乎是其他舞台剧种的基本要求。不过，台词本对于配音演员而言，是工作的必需，大多数以声音为主的线下演出也都延续了这一设计。

▲《回声：审判》剧照。台词本对于配音演员而言，是工作的必需。演出方供图

《回声：审判》导演清蓝告诉新京报记者，他们在作品改编阶段就有意识地对剧本进行了剧情化设计，让台词本在剧目中可以作为“道具”存在，演员与其的互动行为也被合理化。台词本不仅是实用工具，也象征着“朗读剧”这种形式的独特美学，观众可以看到“读”与“演”之间的张力。导演举例：“比如角色在‘翻阅档案’或‘阅读证据’时看本子，就自然融入叙事。”不过演出中记者也看到部分台词较少的演员直接选择脱稿演出，清蓝解释，具体的节奏和习惯是在排练中结合演员各自的特点逐渐形成的。

▲《回声：审判》中台词本可以作为“道具”存在。演出方供图

类似的情况也出现在《声临阿加莎》中，《声临阿加莎》是上海捕鼠器戏剧工作室（以下简称捕鼠器戏剧）与上海领声文化传媒有限公司（以下简称领声）合作推出的现场广播剧系列，围绕阿加莎·克里斯蒂的悬疑广播剧作品展开。据主演之一，领声联合创始人、配音演员赵乾景介绍，经过多轮演出，演员已经熟悉台词，所以便脱稿出演。但他们仍然围绕着话筒演出。在2024年的新创作剧目里，他们设计了从天而降的吊麦，给舞台更多设计感。

▲赵乾景在现场广播剧《声临阿加莎》的《病人》单元演出的剧照。舞台设计了吊麦，演员脱稿出演。受访者供图

而对于身兼话剧演员和配音演员双重身份的赵岭而言，他认为立麦和台词本不只是帮助演员完成演出的工具，它们还负责向观众说明演出规则。“我们常年的工作，就是在（录音）棚里面拿着稿子创作。你突然让我走上舞台，扔掉稿子，就相当于把我的盔甲给卸掉了一部分。”他形容“话筒就是声音演员的演奏工具。”在他的设想中，立麦很重要。演员可以通过靠近、远离和转动身体改变声音状态，也可以站在同一个位置迅速切换多个角色。

▲赵岭的学员排演的教学实践声演剧《心墙》剧照，在赵岭的设想中，立麦和台词本都很重要。受访者供图

虽然保留台词本或麦克风，但对于演出中身体表演的介入程度，不同团队有不同看法。对于《回声：审判》，729声工场负责人介绍，配音演员在棚内进行声音表演时，需要声音向外、动作向内，“但是到了舞台上，形体、表情、声音都是演员表演的一部分，大家除了兼顾声音和情绪表演，还要学会调动自己的四肢和收敛自己的表情。”为此，所有演员都下了很大功夫。“比如在家反复读本、对着镜子‘驯化’自己的表情，用专业的解放天性和表演、形体课和自己的四肢躯干‘交朋友’。”

赵乾景分享了《声临阿加莎》的排练心得。他表示，配音演员很多时候都是台词在先，行为在后，但生活当中有一些表演是行为在前，台词在后。“比如说‘请出去’这一句台词，有的时候我们是先抬手，然后看着你说‘请出去吧’，这是我们日常生活中常见的一种表演形式，但对配音演员来讲，经常会先说‘请出去吧’，然后再抬手。可能你会觉得这是没那么重要的细节，但如果思维或行为方式没有调整，后面大量的表演都会存在类似行为，看起来就会很奇怪。”

▲《声临阿加莎》剧照，早期版本的演出接近广播剧录制现场，演员手持台词本，面对固定话筒。受访者供图

之所以重视身体表演与声音的配合，《声临阿加莎》的制作方之一上海捕鼠器戏剧工作室导演林奕解释，早期版本的演出接近广播剧录制现场，演员手持台词本，面对固定话筒，现场拟音师在一旁制造声音。而2024年新创作的剧目加入的《病人》《老鼠》原本是两部独幕剧，人物间有更直接的冲突。林奕觉得，仅靠演员对着固定话筒说话已经不够，团队于是增加了走位、动作和舞台交流，也让话筒可以在一定范围内移动。“我们的创作是完全按照一部话剧作品的创作方式和创作规律来完成的。”林奕说。

增加的身体表演也有观众反馈的影响。《声临阿加莎》主演之一赵乾景表示，在线下演出时，从观众的反馈中，以及从自己的感受上，他们觉得有必要增加表演的成分。“大家来到剧院，它还是叫视听艺术嘛，其实是你的视觉加上听觉，完成了对整部剧目的欣赏。一个纯的广播剧，我们在家听或者在线上就可以完成。作为一个线下呈现的表演，有时候我们就去讨论这个尺度，我们在人物的服装、舞美，包括声光电上的造型，要做到什么程度，包括作为表演者，我们的肢体要演到什么程度，包括舞台上面的话筒，它作为我们的最根基的一个支点，如果我们完全抛开话筒，它可能就变成一部话剧了，所以实际上我们在形式的探讨上面，是不断发展变化的。”

▲赵乾景认为，舞台上的话筒，是配音演员最根基的一个支点。受访者供图

在赵岭看来，多余的身体动作是不必要的，配音演员在舞台上无需像话剧演员一样行动，声音演员做出动作的唯一理由是帮助发声。“声演剧不是拿身体跑，而是拿气息在跑。”赵岭举例，话剧演员在舞台表现跑步，身体需要真的跑起来；声演剧演员则通过呼吸和声音使观众听见角色正在跑。演员也会产生表情和动作，但注意力仍放在声音塑造上。

在查阅早前一些演出报道时记者发现，“为爱而声”四维全息声声优剧的演员手持台词本但没有立麦，出演声音剧场《云鲸记》的配音演员们则全场脱稿，虽然都是以配音演员为主演，以声音为主要表现形式的演出，但对于台词本、话筒和身体表演的取舍各不相同。

声音剧场《云鲸记》的配音演员们全场脱稿演出。演出方供图

声演剧、朗读剧还是现场广播剧：名字可以并存，观众预期必须兑现

如果你是一个不了解配音的普通观众，当面对购票App上声优剧、声音剧场、现场广播剧、声演剧和朗读剧等诸多类型名时，内心会有演出形式的预期吗？而当你因对某个剧情感兴趣走进剧场，却发现设想的和呈现的形式反差较大时，又会作何感想？

此次受访的几位主创，恰好采用了不同的类型名称。而每一种选择背后，都有对作品内容、舞台形式和观众认知的考虑。

《回声：审判》最终被称为“朗读剧”。八排一座表示，团队内部此前进行过较为深入的讨论：“‘声优剧’听起来更侧重于演员本身，而我们希望观众首先关注内容；‘现场广播剧’又担心会让观众觉得形式单薄、缺乏剧场性；‘声演剧’则感觉概念有些模糊，不易让观众快速理解。”经过几轮讨论，他们最终选择了“朗读剧”。团队起初也担心，“朗读剧”容易与戏剧界常见的“剧本朗读”混淆。后者通常被视为剧目孵化阶段的呈现，距离完整演出还有一定距离。不过，考虑到朗读剧在国外已有较多成熟实践，他们认为这一名称具备被观众理解和接受的基础，决定以此展开尝试。

▲《回声：审判》剧照。受访者供图

《声临阿加莎》的类型命名路径则来自更明确的形式来源。这里的“现场”，指演员、话筒和拟音师在观众面前共同完成演出；“广播剧”意味着作品仍以语言和声音推进叙事，并保留录音棚、话筒和现场拟音等创作机制。2019年的一次采访中，林奕回忆，她在英国看到这类演出时感到新鲜，随后尝试将其引入国内，由此产生了《谋杀正在直播》，并进一步发展出《声临阿加莎》。近年来，这一系列逐渐增加动作、走位和视觉呈现，但声音依然是表演的主要部分，因此继续沿用“现场广播剧”的名称。

▲《声临阿加莎》-《老鼠》《病人》剧照。受访者供图

在具体项目之外，赵岭希望为声音演员的舞台创作建立一套更清楚的概念。从声音演员竞技节目《我是特优声》《我是特优声·剧团季》开始，他持续参与声音演员的舞台实践，此后又将声演剧带入教学课程，并参与北京大学燕语配音社的工作坊，与学生和创作者讨论声音与舞台的边界。2025年底，他公开发表文章，将声演剧归入“听觉想象艺术”；随后又与团队撰写《声演剧的艺术形式及创作重点随想》，从演员表演、话筒使用、舞台调度和声音设计等方面梳理创作方法。

▲赵岭参与北京大学燕语配音社的工作坊，与学生和创作者进行讨论。受访者供图

在赵岭的区分中，“现场广播剧”延续了录音棚的制作逻辑，“声优剧”产生于配音演员粉丝文化逐渐兴起的阶段，而“声演剧”需要形成一套以听觉和想象为中心的表演规则。话筒和台词本在其中不是需要隐藏的辅助工具，而是声音演员完成创作的一部分。他希望用“声演剧”整理目前名称各异的声音舞台实践，同时也强调，这仍是他在多年实践中形成的个人观点，相关边界还需要继续讨论。

赵乾景则从作品积累和市场形成的角度补充了这一讨论。他认为，目前各地的声音从业者和创作团队都在尝试不同的舞台形式，每个团队可以定义自己的作品，但很难据此为整个行业确定统一标准。“我们不用那么着急去定义它是什么，或者说它是什么也没有那么重要。”在他看来，一种演出形式需要先经历多轮制作和市场检验，在观众反馈中不断调整，逐渐产生稳定的作品和持续的需求。等到类似演出积累到一定数量，观众对其形成较为普遍的认识，再讨论共性的命名会更加自然。

这些讨论表面上围绕名称类型，实际涉及声音、身体和舞台在一部作品中各自承担什么作用，也关系到演出以怎样的方式向观众进行说明。现阶段，不同名称应该仍会继续并存。对观众而言，更重要的或许是宣传能否说清作品的主要表达方式，实际演出能否兑现由名称形成的预期。

谁进剧场看声音演出：粉丝带来首轮，剧本关乎作品能走多远

对制作方来说，更现实的问题是，有多少人愿意买票走进剧场观看配音演员的线下演出？他们是来观看喜欢的配音演员本人？还是会被此引入剧场，持续观看这一类型的剧目？

《回声：审判》汇集了729声工场多位知名配音演员，又是工作室成立十周年的特别演出。谈到这一轮的市场表现，制作方八排一座负责人坦言，729声工场的演员拥有大量粉丝，这么多声音演员同时出现在一台演出中十分难得，“市场表现我们是不担心的”。

▲《回声：审判》舞台照。受访者供图

729声工场没有回避演员对于观众的吸引力。在新京报采访中，他们将观众走进剧场的原因形容为“好奇的冲动”或“喜爱的力量”，同时希望观众看完以后，能够对声音表演的舞台魅力产生新的兴趣。好的现场体验如果能够变成对下一部作品的期待，才会有更多声音演出获得市场支持。

当记者向受访的各方提问，怎样才能把观众对演员的关注延长为对演出的兴趣时，几位受访者都谈到了剧本。八排一座判断一个声音项目是否适合进入剧场，首先会看故事是否具有足够的戏剧张力和情感厚度，其次会评估该项目在声音展现层面是否有发挥空间，包括场景构建、对话层次、音效设计等是否能够充分利用声音来推动叙事、营造氛围。729声工场也表示，经过《回声：审判》的尝试，未来选择文本时会更看重故事的剧场性，包括人物关系能否通过独白和对白建立，文本中是否存在适合舞台转化的空间。

赵岭也把故事排在配音演员的表演能力之前。在他看来，成熟IP可以帮助观众跨过对一种新形式的陌生感，但真正让人留在剧场的仍是一个好听的故事。赵乾景认为，如果剧本存在严重的逻辑问题，作品很难长久。林奕选择现场广播剧文本时，则会判断它能否以语言完成叙事，人物数量和人物关系是否能在有限时间内被观众听懂。虽然几位受访者对声音演出的形式有不同理解，但在市场问题上，他们都把文本放在了重要位置。

▲《云鲸记》剧照。演出方供图

有了适合反复演出的剧本，作品能否真正进入下一轮，还要看演员档期和制作条件。中间剧场制作的《云鲸记》在2022年因疫情只完成四场，2023年恢复演出后，剧场很快安排复排。中间剧场负责人说，“首轮的票房和观众反馈给了我们信心”，第一轮积累的排练方法、声场调试和演员配合经验，也为再次制作提供了基础。但两轮之后，《云鲸记》没有继续演下去，最直接的原因是配音演员录音工作密集，很难协调长期档期。

在受访项目中，《声临阿加莎》提供了一个时间更长的样本。林奕回忆，《谋杀正在直播》时期，观众更多来自熟悉经典译制片和老一代配音演员的人群。捕鼠器戏剧与领声合作后，年轻配音演员通过影视、游戏和网络内容被更多人认识，演出也接触到了一批新的观众。捕鼠器戏剧原有的阿加莎话剧观众、原著读者和配音演员的听众，由此在同一部作品中相遇。

对于一部作品是否再次演出，上海捕鼠器戏剧工作室创始人、《声临阿加莎》制作人童歆主要考虑两点：“主创的档期”和“是否还有观众喜欢看”。进入新的城市后，团队还需要重新调试音响，调整舞台调度和演员的表演尺度，并承担增加的运输及制作成本。林奕认为，这些问题与普通话剧的复排没有太大区别：制作方需要找到合适的演员，维持原有的戏剧质量，同时判断当地是否存在足够的观众。

《声临阿加莎》的多轮演出也离不开阿加莎·克里斯蒂的文本和读者基础。成熟IP让更多观众在购票前就对故事有所了解，配音演员则带来新的关注。演员更换后，制作方还要保留人物和叙事的基本框架，让新演员在其中形成自己的表达。文本、演员和制作方法共同稳定下来，一部作品才有可能在不同时间、不同城市重新回到舞台。

▲《声临阿加莎》-《老鼠》《病人》单元剧照。受访者供图

赵岭希望声音演出能够从百余人至三百人左右的小剧场开始，不必一开始就追求更大的场地。只要有观众持续购票，小规模演出也可能为声音演员提供一份收入。但他也承认，目前许多人仍将这类演出理解为配音演员粉丝内部的活动，声音演员尚未把它视为能够维持生计的主要工作。对于个人或小型工作室来说，从开发剧本、组织演员到联系剧场和宣传售票，也很难全部依靠自身完成。

赵乾景对此保持谨慎。“重要的是我们做的东西是不是大家想看的。”他说。即使一场演出最初能够找到两百名观众，随着这批人看过一次甚至多次，购票需求可能会逐渐减少。作品必须依靠口碑不断找到新的观众，后面的场次才不会只剩下反复观看的少数人。何况真正扎实的剧本本来就是少数，声音演出进入剧场后，还要与话剧、音乐剧等成熟剧场演出竞争。

他认为，《声临阿加莎》能够持续，既有阿加莎作品的群众基础，也与项目进入市场较早、多位业内演员参与有关。团队起初没有预先决定演出多少轮，而是先把作品排出来，根据观众是否买票决定下一步。可以理解为，演员和IP促成第一次购票，文本决定作品能否形成口碑并继续吸引新人，制作团队则负责把它稳定地带回舞台。到了第二轮、第三轮，仍有没看过这部作品的观众愿意买票进场，声音演出才真正拥有了持续生产的可能。

《回声：审判》出品方八排一座向新京报记者透露，因为此次纪念演出反馈较好，网上对巡演的呼声很高，所以团队目前正在筹备明年上半年的巡演，最快可能在3月至4月成行。

领声联合创始人、配音演员赵乾景也在采访中表示，他们也会继续优化舞台和声音表现。

赵岭的专为线下声音演出打造的小剧场目前正在走各种报批手续，团队编剧刘方吟竹告诉新京报记者，他们目前正在孵化更多适合声音演出的剧本和演出。

2015年，一篇声优剧的现场报道在结尾写道：“这场声优剧带给我们的不仅有短暂的享受，更是对配音业新发展的试探，可以想见，多年后声优剧演出更加丰富的事，回看2015年的这个夏天，依然是配音人记忆中最闪耀的一点。”

十多年过去，当年的期待已经部分成为现实。配音演员带着台词本和话筒一次次走进剧场，演出的形式更加丰富，声音与舞台结合的方式也在不断变化。虽然还没有形成统一的名称和稳定的演出规则，市场也尚未成熟。但相信通过一部部作品、一次次演出和走进剧场的观众，或许下个十年的实践会解答我们如今的疑问。

值班编辑 古丽 实习生 刘文娜

星标“新京报”

及时接收最新最热的推文

点击“在看”，分享热点