上海
总有一个时刻，
一切都会消散，
回到尘土，回到星尘。
最近，深圳一颗“会发光的大球”火了。
它由不锈钢铸成，光线穿过表面的一处处孔洞，如同流动的星辰一般璀璨明亮，让人感受到强烈的生命力。
社交媒体上，许多人晒出打卡照，并配文“你我皆是世间星辰”。还有人说，这是他今年看过最震撼的展览。
这是72岁的艺术家 Lindy Lee的作品《世间星辰》。
在超过四十年的艺术生涯里，她使用青铜、不锈钢、影像和光，从传统文化、禅宗、自然环境以及自己的家族历史中取材，试图探讨“我们究竟如何与这个世界发生关系？”
今年8月，《Lindy Lee：世间星辰》来到深圳海上世界文化艺术中心，展览由鹦鹉艺术文化设计发展基金支持。
这也是Lindy 在华南的首次大型个展——从成都A4美术馆巡展而来，精选50件作品，并加入为深圳特别创作的新作。
策展人沈奇岚这样形容：“在Lindy Lee创造的浩瀚星河里，她邀请我们触摸宇宙，看见我们的本来面目。”
在沈奇岚眼里，Lindy的作品如同一条道路，使人“明心见性”。
对Lindy来说，这次来到深圳还有一层特别的意义。
她的母亲金兰出生于广东。2025年11月，母亲以102岁的高龄离世。于是，这场展览也成为一次迟到了很多年的返乡。
她带着家族的过往，也带着一路收集的世间星辰，回到母亲出生的地方。
我和她聊了聊。她告诉我，这一次最让她难忘的，是开幕当天，有观众在她家人的照片前停下了脚步。
“那一刻，我真正有了归家的感觉。”
1200℃的青铜
被重新塑造
Lindy Lee的作品常常从一场看似简单的实验开始。
比如走进展厅，最先看到的《清泉之下》，就是她把青铜加热到1200℃，让它变成液体，再把它泼出去。
青铜从熔炉中出来，在空气里流动，落下，凝固，因为温度、重力、地面的状态以及落下时的速度，形成完全不同的形状。
艺术家可以决定什么时候加热、从哪里倾倒、让材料进入怎样的空间，却无法提前知道最后会留下什么。
在她看来，这与中国传统书法相通：“笔触是即时的，没法真正修改，你必须完全在场，回应材料的流动。火、重力、温度、表面，都成了作品的一部分。” 过程看上去惊险，对她却“其实是关于放手”。
而这次最出圈的《世间星辰》系列，则把她对光、物质与生命关系的探索推向了另一个方向。
不同于她过去置于户外空间的大型雕塑，这组作品创造了一处更私密的空间。
不锈钢构成的球体表面布满细小孔洞，坚硬的金属因此变得轻盈通透，光线穿过其中，在空间里不断变化。
当观众走近、穿行，自己的身影也被映入其中，人与作品、光与影共同完成了一场持续变化的相遇。
对Lindy而言，形式并不是最终目的，真正重要的是物质背后流动的能量，以及那些无法被固定的瞬间。
在《龙珠吐焰》系列中，她更是故意把实验推向不可预测的方向。
她曾考虑把熔化的青铜直接倒入水中，但1200℃的金属遇到冷水会产生危险的爆炸。于是她换成铅，再把熔化后的铅滴入水中。铅很快沉入水底，冷却后形成细长的金属线。
后来，她甚至尝试了卡仕达酱。
柔软、黏稠的酱汁在滚动、缠绕的过程中形成奇怪的形态。它们没有预设的答案，却让她看见了某种意料之外的美。她从这些实验里挑出自己喜欢的形态，再将它们放大成雕塑。
她将其称为“相遇”。
雨水落在材料上，留下无法人为设计的痕迹；金属遇到水，产生未被计划过的形状；火焰烧过纸面，留下黑色的边缘。
“那些时刻像一扇扇门，通向安静的房间，更深的问题就住在那里。关于归属，关于变化，关于是什么托住了我们。”
也因此，她不会断定何为“失败”。
“看似错误的过程，可能会变成通往我从未想象过的地方的入口。”在她眼里，材料、元素、时间与重力都是合作者，“我从来不是一个人在创作”。
澳洲长大
把展览办到母亲故乡
1954年，Lindy Lee出生于澳大利亚布里斯班。
她的父母来自中国广东，父亲早年赴澳谋生，母亲金兰则在中国独自抚养孩子。
由于当时澳大利亚实行严格的移民限制政策，一家人曾经分隔两地长达八年。对Lindy而言，中国最初是藏在父母的记忆、家庭的讲述，以及那些旧照片里的遥远故乡。
她在澳大利亚长大，却很早就意识到自己与周围环境的不同。
上世纪50至60年代，白澳政策仍然深刻影响着澳大利亚社会。作为华裔孩子，她既难以完全融入白人为主流的社会，也需要花时间理解父母带来的中国文化。很长一段时间里，她都在追问自己是谁，又该属于哪里。
这种身份上的困惑伴随她走过年轻时代。
成为艺术家后，她曾经通过西方艺术史中的图像探索文化与身份，也逐渐把注意力转向更个人的经验。
到了上世纪90年代，禅修进入她的生活，改变了她看待这些问题的方式。
她开始从反复追问“我是谁”，转向思考“存在是什么”。有些问题未必需要立刻找到答案，她也慢慢学会与未知共处。
与此同时，她开始重新回望自己的家族历史。
父母辈曾经经历的迁徙、分离与团聚，过去只是家庭记忆的一部分，随着时间推移，却逐渐显露出更深的意义。她开始意识到，个人身份并非一个需要独自解答的问题，它也来自上一代人的选择与牺牲。
母亲金兰是这段历史的中心。1947年，父亲Phillip Lee Kam Chee启程前往澳大利亚之前，夫妻俩拍下了一张照片，照片中的金兰已经怀孕六个月。
此后，受移民政策限制，她和孩子们迟迟无法与丈夫团聚。直到长大后，Lindy才更深地意识到，母亲曾经独自承担了多少生活的重量。
2025年11月，金兰以102岁的高龄离世。如今，Lindy以展览《世间星辰》向她致意。
对她而言，献给母亲，是在致敬母亲独一无二的一生。“我们每个人，都托起属于自己的那一角天空。和我们所有人的一样，编织进了某种无法衡量的更大的事物里”。
展览来到广东，也让这次回望有了另一层意义。
她告诉我，自己最早的中国记忆其实是上世纪60年代的香港：嘈杂、热闹，还有食物。那可能是她第一次吃早茶，她特别爱中式甜食，尤其是咸话梅。
但最难忘的，是身边的母亲。“站在她身边，站在那个世界里，我有一种奇怪的熟悉感，尽管我出生在他乡。”
“那时我还说不出来，但总觉得自己触碰到了她来处的一部分，也是我自己的一部分。”
也是在那一刻，她第一次感到，家不一定是一个地方。有时候，它是你通过另一个人认出来的东西，然后，它就成了你的一部分。
光与影
重新定义雕塑
在海外，许多人了解Lindy Lee，是从澳大利亚国家美术馆入口处的《衔尾蛇》（Ouroboros）开始。
这件作品高约4米、重约13吨，表面布满数万个手工切割的孔洞。
白天，镜面不锈钢会不断接收周围的天空、云、鸟、人群和车辆；到了夜晚，光线从内部透出，穿过密集的孔洞，像一盏巨大的灯。观众甚至可以走进它内部。
它的名字来自古老的“衔尾蛇”意象，一条蛇咬住自己的尾巴，形成一个没有终点的圆环，象征循环、更新和生命的往复。
这件作品耗时多年完成，超过200人参与制作，最终成为澳大利亚国家美术馆最昂贵的单件委托作品之一。
但如果只把它理解成一件巨大的公共雕塑，就会错过Lindy的本意。
她并不迷恋物体本身。她更在意光如何穿过它，人在其中如何移动，以及当观众进入作品之后，作品的边界如何开始变得模糊。
背后的想法来自她对宇宙的认识，我们能够看见的物质，只占宇宙很小的一部分，还有大量不可见的存在支撑着我们所看到的世界。
比如一块金属，不只是金属。
光让它变得可见，影子让它产生新的空间，而观众的身体又让这个空间继续变化。“没有一处表面是静止的。”她说。
这句话不仅关于作品，也是她对世界的理解。
在她看来，坚韧与消亡从来并非对立。“总有一个时刻，一切都会消散，回到尘土，回到星尘”。
而当人站在作品面前，“坚固似乎消失在光与影里，消失在它自身的光亮中，那是作品最有生命的时刻”。
“物质与精神并不真正分开。”她说，“我不是想做出永恒的东西，而是创造条件，让材料显露它自己的无常，它自己的光亮。”
作品越来越宏大，她想说的却越来越接近“无”。但在她这里，虚无并不是消极的，“它更像是开放，是一切得以生发的可能”。
所谓消失，不是失去，“而是回到一种开放的、无法抓住的归属”。
文 、编辑 /外滩君
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