策展关键词｜手工艺还能怎么玩？31位当代艺术家交出反套路答卷

手的触碰，是所有手工艺创作的起点。捏泥、刨木、捻线、锻银、编竹，这些身体的、触觉的技艺知识无法被完全言语化，只能通过手与物的直接触碰来传递。手的触碰也因此成为一种认知世界的方式：所触之物不同，感知自然相异；而手的主人不同，体悟亦各有别。

这场展览以手工艺为题，进行了一场艺术叩问。当31位专业领域不一的艺术家，被邀请来与中法手工坊携手共创，刺绣、织物、鞋履、金银饰等等不同的手工材料，催生出了迥然各异的灵感遐想。

刺绣工艺的艺术再生

丝线的丝光肌理与针迹堆叠出来的触摸层次，共同构成了刺绣独一份的质感语言。当刺绣跳出传统装饰的框架，它不再只是描摹纹样的手艺，而成为承载观念、刻录记忆、转译图像的多元表达媒介，在不同艺术家的实践里生发出迥异的面貌。

丁乙将自己持续数十年的十字符号，交给Montex刺绣坊，共同完成了《十示绣画》。原本木板上以颜料堆叠、刻划生成的绘画秩序，转译为一针一线的织物肌理。丝线、珠片甚至丁乙工作室中干涸的颜料碎片，一同被织入黑白网格之中。厚重肃穆的架上绘画堆积感，也变成了一张轻薄通透的织物，拥有了别样的呼吸感与光影感。

图中左侧为丁乙与刺绣坊合作的《十示绣画》，右侧为丁乙的架上作品《十示2023-3》

刺绣技法在这里不再服务于装饰纹样，而成为承载抽象观念的媒介。

黛博拉·费舍尔的创作，进一步拓展了刺绣的图像转译能力。她在浦东古镇驻地采风，关注到了老城墙面并拍摄下来。那些受潮剥落、反复修补、层层粉刷的旧墙，墙面上布满裂缝、侵蚀斑驳的痕迹，是正在被城市化抹除的日常痕迹。她将墙面影像转印在织物基底之上，交由湘绣工坊以丝线刺绣。

不同于传统湘绣追求工整华丽的纹样，这次合作把湘绣从装饰性技艺里解放出来。刺绣不再复刻花鸟，而是记录城市空间里正在消逝的痕迹。湘绣的针脚沿着裂纹、风化的肌理生长延伸，用细密丝线放大这些本会被抹平的伤痕，把墙面的时间侵蚀转化为刺绣的触感纹理。

同样探讨快速城市化、全球化与集体记忆等议题，尹秀珍则以运用回收的日常物件，尤其是旧衣物进行创作而闻名。她的展品《无题》也延续了这一方式，与刺绣坊和织物坊进行合作，大量使用工坊剩余的废弃面料。

尹秀珍2018年作品《行思》以500双宁夏本地人的旧鞋子和织物为材料

尹秀珍展览作品《无题》

整件装置是被分割成19个中空环状切片的女神像，一长串挂在空中、水平延展的分段式躯体，如同一座轻盈又肃穆的悬浮纪念碑。废弃的面料包裹着每段边缘，是名为时间与记忆的皮肤。每个切片的横截面覆盖着透明纱料，上面蓝绿色的刺绣图案如同新生的苔藓，象征生命会在材料缝隙、废弃之物上持续生长，也恰恰暗示了历史记忆本就不是凝固不变的实体，而是空隙，是留白，是供生命持续滋生的容器。

一个鞋履坊，两个方向

往常更多的与丝线打交道的林天苗，在这次展览中却没有继续以其为核心创作工具，转而和Massaro鞋履坊进行合作。

林天苗1998年作品《没什么好玩的》以棉线反复缠绕形成一个直径2.5米的巨型球体

林天苗展览作品《再生的壳》局部

林天苗向工坊定制了特殊的肤色皮革，其质感近似真实的肌肤，又将五百个药盒放在皮革上。药盒也被覆盖上一层薄薄的、深浅不一的肤色颜料，自然指向人的身体。而每个药盒上又手工印制了中、英、法文的生活思考絮语，讲述着生命个体的渴求与困惑。Massaro工坊本来是制鞋的，讲究的是怎么让皮革包住脚。林天苗把这种手艺从制鞋里拿出来，让它去包住身体、疗愈和记忆这些更私人的东西。

同样与Massaro鞋履坊合作的沈远，其作品《轻步》并没从材质本身进行展开，而是从鞋履联想到了“轻盈穿行于世、不着痕迹”的道家意象。在象征水面的层叠玻璃上，荷茎莲叶错落，21只鞋垫次第排开，示意着穿行其间的脚步轨迹。

鞋垫本是鞋子内部紧贴脚底的、被隐藏起来的触感，现在被翻到水泽之上，变成看不见的、支撑渡越的基底。每只鞋垫上还绣了各种渡水生灵，青蛙、鸳鸯、昆虫、水蛇等等，鞋垫也仿佛成了它们的一方家园。

作为一名旅居法国的华裔当代艺术家，沈远的创作始终扎根身体经验、迁徙与流动、跨文化的夹缝体验。她把抽象的漂泊转换为被剥去了鞋履外形的鞋垫，身体内部的脆弱似乎也被翻了出来。踏在一层透明、易碎的玻璃之上的审慎与小心翼翼，以及一只鞋履自成岛屿的独立，也包含了关于其人生经验的深刻感悟。

以竹为材的中西视角

艺术创作常常来自艺术家的生活体验，在地的风物与生活经验，常常是艺术最本真的源头。

出身乌镇竹编世家的钱利淮也将自己对于家乡的印象融入创作之中。他选用了自己最为熟悉的竹作为材料，黑竹篾编织成数十个平行四边形的框格，让人不自觉联想到江南水乡的花窗。观者行经作品，最先落入视线的往往是地面浮动的竹影：错落排布的框体、疏密变化的篾条，铺展出富有韵律的画面，投落的光影恰似水乡河面摇曳的桥影。

竹编也在此挣脱了日用器物的固有属性，化作召回水乡空间、承载江南地域记忆的媒介。

擅长转化日常物品成为雕塑作品的玛蒂尔德・阿尔布伊，则以鸟笼为灵感。她在苏杭两地的驻留期间，观察到了当地人的遛鸟传统，进而选用鸟笼作为主元素。不过，她没有复刻传统鸟笼，而是以其擅长的解构、放大、扭曲的手法，剥离鸟笼原本的实用功能，使其成为艺术装置。

玛蒂尔德・阿尔布伊展览作品《雅聚》

玛蒂尔德・阿尔布伊2024年作品 From Mother to Daughter to Mother to Daughter

鸟笼本是一种矛盾之物，它既是庇护、照料的容器，也是一种界限、禁锢的结构。她提取这一结构逻辑，以竹榫卯作为核心工艺，将大漆处理过的竹材架构起一个镂空的雕塑空间，借法国当代雕塑视角解读江南民间手艺。它是被围合的，也是可穿透的；它带着中国传统的底味，也透出西方当代的思考。这件“放大的笼子”所展示出的被框定、又被容纳的复杂体感，也呈现出艺术家一直探讨的关于权利与边界的问题。

从工艺的独立审美，到材料触发的不同感知，中外艺术家在这场关于手工艺的跨界命题，产生了一系列的多样回答。

展览从不想简单地展示工艺技术，而是进一步挖掘真正支撑手工艺能够长远发展的内核。工艺是载体，多维的感知、个体的经验、跨文化的理解才是活水。当手艺跳出复刻与装饰的局限，在不同思想的碰撞中容纳记忆、叩问边界、安放情感，古老的手工传统便获得了不断生长的力量。

展览： A Sense of Touch触碰

（la Galerie du 19M SHANGHAI）

时间：即日起至11月15日

地点：浦东美术馆

票价：80-150元