将秀场变成厕所！是疯了还是封神了

又逢时装周，作为全球性的“时尚&社交大熔炉”，这里不仅有创意纷呈的时装演绎，还有“活久见”的明星世纪大同框。

这不，本次 Valentino 2025 秋冬大秀就实现了蔡依林和林志玲的罕见同框——两位姐现身说法，不要年龄焦虑，女人永远都是花（你能看出来她们的年龄加起来已经奔百了吗）。

作为代言人的蔡依林如今已经能完美消化 Michele 式的 Valentino 美学，一袭带有中式韵味的裙装，搭配绿黄撞色的配饰，瞬时化身宫廷复古名伶。

许久不见的林志玲则选了一身黑色薄纱裙装，颜色低调，但选材和剪裁都颇有心思，衬出了志玲姐姐的窈窕优雅。

亚洲代表还有泰国组的 Freen 以及日本组的道枝骏佑。同样选了黑白套装，穿出了贵气逼人的青春感。

Michele 老友莱托少爷 Jared Leto 当然也没有缺席，花边衬衫+珍珠项链的标配，长款大衣负责打造气场——少爷也是全场穿得最“大方”的一位。

当红炸子鸡 Chappell Roan 前脚刚拿完格莱美，后脚又独享 Valentino 2025 春夏高定荣耀登场。

在接手 Valentino 后的不到一年时间里，Alessandro Michele 便为品牌注入了鲜明的风格图景。从度假系列、春夏、早秋，到春夏高定，再到这次的秋冬大秀，我们似乎已经迅速适应了他对 Valentino 的全新诠释。本次作为 2025 季节系列的收官之作，注定会是一场不容错过的精彩好戏。

从卫生间到元剧场，时尚异托邦

在这场名为“Le Méta-Théâtre Des Intimités” 的大秀中，Alessandro Michele 如此大胆选取“公共卫生间”为灵感作为秀场，将这私密禁止的场所，转化为一处关于自我和权利的时尚圣所，其中的跨度实属有些颠覆。

整个空间设计就特别别出心裁，猩红色的灯光结合红色马赛克瓷砖，眼前的一切渲染成一片红海，时不时弥漫的蒸汽和潮湿水渍，模糊了洗手台的镜面的反射。

那一扇扇再不断开启、闯入、管壁、离开的隔间门，则似在诉说着公共与私密之间不断摇摆的边界。

这个空间不仅让人想到 Stanley Kubrick 电影《闪灵》中那个血红的盥洗室——同样也让想到《某种物质》里不停出现的厕所场景。

而 Alessandro Michele 将这一切作为他对已故电影导演 David Lynch 的一次致敬，后者作品中不仅对“红色”进行了大范围的使用，并且也在不断去解构梦境，去打造一个个悬浮抽离，半梦半醒的超现实主义空间。

这显然也是 Alessandro Michele 每次在秀场中试图去描绘捕捉的场景。

与此同时，秀场音乐的安排同样也是试图在冲突结合中，找到虚构的神性和疯狂，进一步深化整场大秀的氛围。

在 Lana Del Rey 歌曲《Gods & Monsters》以纯人声的清唱形式空灵开启后，灯光闪烁，伴随着强劲的电子节拍，在这片红中，带来潮湿混乱如同地下锐舞派对的即视感。

这首由瑞士电子音乐人 Liquid Soul 与巴西制作人 Victor Ruiz 联袂打造的《Crazy People (Victor Ruiz Remix)》，不仅是一首前卫的迷幻舞曲（Psytrance），更是一场关于现代性焦虑的声学实验。

在原曲基础上注入了工业 Techno 的冷硬质感，与迷幻旋律形成强烈对冲。高频段的空间音效模拟了数字时代的信号干扰，低频的脉冲式节拍则暗喻社会规训的强压节奏。让听众在狂欢电子音浪中，感受到既被解放又被规训对复杂情绪。

通过声音设计与自我意识的双重解构，揭示当代精神困境的深层问题，同样也交付了一个解题逻辑，唯有通过主动拥抱“疯狂”，对标准化的彻底叛离，个体才可能在现代性牢笼中重获主体性。

这就是为什么，在这一季中你可以看到大量出其不意，甚至有些冲突的设计选择，去打破原本整体性，从而变得更为戏剧化和独特。

或是刻意保留的未完成细节、让暴露出的缝线、以及剪裁上那种近乎解构主义的随性，去向观众传达穿着不仅仅是遮体的工具，更是一种自我表达与内在冲突的外化表演。

这样的热烈激情并没有持续进行，来自 Julia Kent 《Ailanthus》、《Tourbillon》两首室内乐的突然介入，让原本充满锐利节奏的场景，瞬间转为一种既古典又肃杀的氛围。

从自然界的植物 Ailanthus（臭椿）到以钟表精密机械装置 Tourbillon（陀飞轮），或是在大提琴的层叠循环与电子音效构建了充满张力的声场里，或是以拨弦节奏模仿擒纵装置的滴答声和运动轨迹，

两种截然不同的事物，都成为这位加拿大实验大提琴家 Julia Kent 的灵感来源。

这前后颠倒的听觉剧烈对比，也在模糊了现实与梦境的界限，与空间中那种半虚半实的设计理念遥相呼应。

正如模特们或从卫生间隔断后走出，在洗手台前整理自己的容貌，凝视镜中到自己，这一切都仿佛一场私密而又公开的表演，是被审视，也是自我凝视。

在传统观念中，卫生间是人们卸下伪装、接触最原始自我的地方。而在本次大秀中，这一空间成为一种多重身份交织、既充满禁忌又极具美学张力的展示平台。

通过这种方式，Alessandro Michele 不仅在挑战社会对隐私的固有认知，更在探讨当我们的私密行为被迫公开展演时，我们又该如何理解真实自我与社会身份之间的界限？

“Le Méta-Théâtre Des Intimités” 这一主题正是本季大秀的灵魂所在。Michele 将服装、空间和“彼此”三者有机融合，所构建出一个元戏剧式的表演场景。

在这个场景里，每一件服饰都是演员的道具，每一次身姿调整都是一段无声的对白。借助公共卫生间这一特殊语境，在这场“表演”中，每个人既是被观察者，也是观察者，身份的边界因此变得模糊。

所谓的 “méta-théâtre元戏剧” 强调的是一种自我省察与自我指涉的戏剧美学，通过打破第四堵墙、嵌入式叙事等手法，使各个元素彼此交融互动。与此同时，“intimités 亲密关系”不仅指涉对私生活的外在屏障，更触及到不同个体间的差异与共存。

在 Valentino 2025 秋冬系列中，既在对传统美学进行了颠覆，也在理念上挑战了私密与公共、真实与表演之间固有的边界。

因此对于 Alessandro Michele 来说，以“公共厕所”为灵感构建秀场空间，不仅意在带来视觉上的震撼，更是对当前社会身份政治的一种深刻反思。

就像那些不被戏剧或日常所界定的成衣设计，它们所打破的高级时装间的传统界限，让其成为一个既真实又虚幻，同时又复杂多元的文化载体。

这其实也呼应了 Alessandro Michele 经常引用的哲学家福柯的“异托邦”的概念，这是一个在社会主流秩序之外存在，却能够映射出集体身份与内在冲突的边缘空间。

当这个概念同时装秀所接壤，很明显正是他所追求的那种模糊界限、具有反叛性且极富诗意的时尚愿景。

在拆解传统、颠覆常规的过程中，展现出一个全新的剧场身份，在一个既真实又梦幻的现代异托邦里，找到至高的自由。

从肌肤到华服，寻找“我”的答案

当我们已知公共卫生间是一个暂时远离各种本质束缚的绝佳场域后，我们回到那个最终的问题：我们是谁？

米开理继续遵循着哲学家们的理念，在这一鲜红、充满张力的空间里，让极繁遇上极简、礼服遇上 New Wave，还有戏剧舞台演员的装束、Valentino 经典元素。

一个庞大复杂、兼容并包的自我表演正式开始。

好戏正要开始

从第一套 look 开始，你便能看到这种真实的呈现。女式紧身衣裤裆部没有系扣，仿佛随着大秀的开始，她们才刚从厕所冲出来一样。

类肤色的丝质面料贴身单品，从头到脚运用到极致，以一种艺术化、抽象化的形式。与此同时，男模特们也穿着肤色紧身短裤走在 T 台上。

这样贴身的设计，让人不免想起旧时戏剧表演者们的底衫。与刻意的裸露无关，而是戏剧开始前自我审视的时刻。

将这些单品化作身体的一部分，让我们审视设计的同时，也能审视我们的身体与肌肤。

正如保尔·瓦雷里的那句诗：“人最深刻的本真，恰恰显露于那层薄薄的皮肤。”

头罩，则更像是戏剧女演员们的造型好物，只不过在这场大秀中，这个造型辅助道具，难得一见地成为了舞台中央的主角。

这种戏剧效果，更有表演的成分存在。

设计师采用透明裸色上衣搭配毛皮饰边拖尾长裙和长袍，让模特们看起来仿佛处于动态的脱衣状态。在秀场装置的映衬下，代入感十足。

而随后而来的造型则是黑色造型，廓形夹克、黑长裤到包袋、帽饰皆呈现严肃之姿态。

以此点明大秀主题：私密与公共、暴露与隐藏，看似对立，或许根本就是相辅相成。

我们无需从一开始便参透问题的答案，只要以此随同品牌开始自我审视的仪式，答案或许也就在来的路上。

礼服上的多元精彩

设计师将过去的经典设计，在本季以更自由自我的形式进行重申。来自 40 年代的日间礼服，带上了蝴蝶结装饰，更显轻盈优雅。同时期的夜间礼服，亦以同样的手法获得当代新生。

或是加入轻盈但大量感的荷叶边，在腰间绽放，赋予其独特的戏剧效果。在这些礼服中，一件深 V 领和高开叉晚礼服，吸引了众人目光，与此前的黑色裙装共同强调极简风格。当然，与之相对的是，作为我们熟悉的设计师，他也将礼服也化作自己驰骋创意的疆域。丝绸和蕾丝、混合多种柔和色调，点缀水晶和蝴蝶结，展现出他一贯对于极繁主义的驾驭力。大墨镜和兜帽的搭配，也增加了戏剧冲突。

新浪潮装点摩登

在典雅的气息当中，来自于 70、80 年代的 New Wave 朋克摇滚因子不断出现，吸引着人们眼球，也与 40 年代的礼服形成强烈对比。

比如新浪潮里拥有巨大吸引力的牛仔布，在这一季中似乎也化身了舞台上的表演者，获得了新鲜的搭配演绎。

打结雪纺紧身胸衣和高腰牛仔裤，张弛有度，也带来更符合现代审美的穿着搭配。

有时，打结雪纺元素，也会出现在内搭之中，与略带复古风的西装外套形成对比，完全可以融入当代人的日常穿着。

与此同时，动物印花也被视作新浪潮的一大特色。大胆的印花出现在多种纺织品中，成为彼时年轻人们个性的表达。

在这一季中，你能轻松看到那些吸睛的动物纹理，时刻讲述着灵感的来源。尤其是在各式裙装上的运用，为女性着装增添了气场，但却并不过分张扬。你还会发现外套、连衣裙等单品上增加了毛皮饰边，再堆叠出纹理层次，打造出大量感却不显厚重的作品。

或是选择将粗花呢裤一路放松到鞋跟、V 领毛衣和人造毛皮夹克可以轻松融入街头风格中，在奢华休闲中找到了复古摩登的绝佳平衡，尽显设计师功力。

当然，这些动物纹理中，最吸睛的还是那只出现在礼服上的猫咪，如同上一季的猫咪手包，展示着设计师的意趣。

新浪潮的第三处，是以标语 T 恤进行最直接的自我表达。设计师将其运用的更为年轻化，通过与不同风格单品进行叠搭，从飞行员墨镜、手包到皮带，均独有一番设计，创造出自成一派的时尚语言。

当然，如果这些单品相互拆开，你亦能快速融入进自己的平日穿着中。如果各位仔细观察，应该能看到有些模特脚上这双 VANS。

Valentino 本次大秀，特别与 VANS 合作，带了多款经典鞋履设计。而诞生于上世纪60 年代的 VANS 本身就是对于复古摩登的回溯。上面亦有象征着个性和自我的各式图案，想必不久之后又将成为大卖爆款。

唤醒ValentinoDNA

在经过第一次成衣秀后，本次设计师更显对于品牌传统的深刻体现，更将其与他的现代性设计语言相结合。

正如设计师所言：“It’s complicated here: You have to find a balance between contemporary maximalism and making it relevant because otherwise you risk the brand being frozen. So I’m trying to manipulate the past to make it now.”

除了前面随处可见的蝴蝶结外，还有那一抹红。

过去，Valentino 红对品牌有着至关重要的地位，但在这里，它以不同方式变得柔和了许多。比如加入绸缎、仿动物皮草、蝴蝶结等；这样的呈现让穿着者感受到亲密舒适，也让观赏者多能读出一份神秘色彩。

设计师这次特别借鉴了创始人在上世纪 60-80 年代的“黄金时代”设计，与当代设计语言相融。

Valentino 2005 秋冬大秀

Valentino 1967 年

Valentino 1977 年的搭配，在今天得到新呈现。同样的薄纱上衣，进行了更简约的设计，裤装却换作裙装，更显晚间礼服的韵味。

精致的蕾丝、扭结细节、蝴蝶结，为薄纱连衣裙装增添了活力。

Valentino 1972 春夏系列（右）

堆叠的纱裙与蕾丝刺绣相辅相成，同时被设计成更垂顺轻盈的款式。

Valentino1977（右）

华丽的礼服裙，更多搭配上了巴拉克拉瓦帽，这种最初用于御寒的饰品，在近年来成为流行单品。如今出现在大秀当中，成为复古主题下又符合当下文化的妙笔。

更有体现品牌顶级制衣工艺的刺绣，勾勒出一件件华丽单品。

每当谈及时尚，我们常常会提及它的“身份建构性”。在 Michele 构筑的这场大秀里，它还多了一层定语，即“亲密关系”。

看秀前，我下意识地将其理解为是人与人之间的联系，然而，当我看完整场秀，尤其是看到模特们在镜子前审视自我时，我才意识到，Michele 所提及的亲密关系更像是在指“我与我”的关系。

卫生间的选择，更是带有强烈的象征意义。在生活中，卫生间常常是个体私密的“隐秘角落”。在Michele 秀前手记里提到的“异托邦”理论中，这样的空间与现实世界并行，它既与常规的社会结构对立，又能映射出现实中权力的运作，福柯更用镜子来解释这一构想，也使人自然地联想到这一秀场设计。

个体的“自我”是否能够逃脱社会规范与权力关系的束缚？时装到底是映射身份，还是承载表演？当每一个模特站在镜子前，似乎也在反问自己这些问题。

而 Michele 的设计便像是对问题的解构与回应，在他的作品中，我们始终能看到对身份与性别流动性的挑战，而这何尝不像在架构一种“不断变动的自我”。

每次我们在线上观看大秀，结尾时总能看到宾客们纷纷起身，而紧接着，社交媒体上就会涌现出那些“世纪同框”的瞬间。秀场上的明星与名流，既是秀场里的观察者，也是秀场里的被观察者。他们通过服饰和姿态展现自我和品牌，而在网络上，不同的声音和评论又在“重构”着这些形象——正如我的文章开头——每个人何尝不是在这场生活的“剧院”中上演着自己的不同角色。

现在，不妨你也站起身，面对镜子，问问自己，“我是谁？”

本文图片来自网络，版权归所有者，文字为博主原创。

本期文字助理：Quinn