一条鲨鱼、一张床，为什么改写了英国当代艺术？

▲“冻结”（Freeze）展览开幕前夕，1988年8月

左起：伊恩·达文波特、达明安·赫斯特、安吉拉·布洛克

菲奥娜·雷、斯蒂芬·帕克、安雅·盖拉西奥、莎拉·卢卡斯和加里·休姆

图片来源：©Abigail Lane

当今，无论是文化挪用、性别议题，还是气候变化等问题，“争议”依然是吸引公众注意力的重要手段，也被艺术家广泛运用于创作。而 YBA 在 30 余年前就已证明：在媒体时代，艺术家的名字能像品牌一样被铭记，往往不是因为温和的赞美，而是因为激烈的讨论。

在20世纪80年代末到90年代初，一群年轻英国艺术家在伦敦崛起，以挑衅姿态搅动当代艺术的既有秩序。30多年过去，尽管市场和社会环境不断变化——“YBA”（Young British Artists）艺术家身上的某些特质却始终未变，而且至今仍在发挥作用。

1988年，伦敦东部一座废弃大楼里，就读于伦敦大学金匠学院的达明安·赫斯特与16位同学举办了主题为“冻结”（Freeze）的展览，这场展览在当时被视作是一场激进的学生实验，却意外成为一个时代的序幕。

▲“冻结”展览布展空间，伦敦，1988年

图中有达明安·赫斯特、安吉拉·布洛克和马克·科立肖的作品

4年后，萨奇画廊的“英国年轻艺术家”展，让这群成长于撒切尔时代的、多数来自工薪家庭的年轻艺术家，正式以“YBA”之名闯入主流视野。

展览中，翠西·艾敏（Tracey Emin）将满布个人性格的床榻转换为艺术装置；莎拉·卢卡斯（Sarah Lucas）则用生鲜食品、香烟或女性连裤袜构建雕塑；妮莉亚·帕克（Cornelia Parker）以蒸汽压路机碾轧现成物，瑞秋·怀特里德（Rachel Whiteread）则以负空间体现存在的痕迹。

▲达明安·赫斯特，《生者对死者无动于衷》，综合装置，1991年

而达明安·赫斯特以其极具争议性的浸泡在福尔马林中的虎鲨作品《生者对死者无动于衷》受到关注与争议，这些艺术家们的创作方式多元而大胆，犹如向伦敦平静如水的艺术界投入一枚重弹，激起层层巨浪。

赫斯特早年在停尸房的工作经历，为他的标志性创作奠定了独特基础。他的作品游走于医学标本与宗教圣像的边界，将科学与信仰、理性与神秘并置，以冷峻而直观的方式，叩问生命的本质。

▲达明安·赫斯特，《母与子（分离）》，综合装置，1993年

1995年，赫斯特凭借作品《母与子（分离）》（Mother and Child, Divided）赢得了英国当代艺术最高荣誉——特纳奖（Turner Prize），为YBA运动确立了其在当代艺术中的坐标。

这种对生死界限的戏剧化呈现，与20世纪90年代英国社会转型期的精神焦虑形成共振——当传统信仰体系松动而科技权威尚未完全建立之时，赫斯特用充满挑衅的视觉语言，将那些长期被回避的根本话题摆上了台面。

▲翠西·艾敏与莎拉·卢卡斯在她们的“商店”前，1993年

与此同时，YBA群体也展现出与新自由主义时代同频的“艺术企业家”特质：1993年，翠西·艾敏与莎拉·卢卡斯在伦敦创办的“商店”（shop）将创作现场转化为零售空间；1998年，赫斯特投资的“药房”（Pharmacy）餐厅则把艺术体验植入都市消费场景。这种将文化资本直接转化为商业实践的敏锐度，配合策展人查尔斯·萨奇（Charles Saatchi）擅长的媒体运作，共同催生了YBA的现象级传播，让艺术展览突破专业圈层，成为大众文化事件。

▲查尔斯·萨奇与达明安·赫斯特在活动上合影，1997年

在萨奇的推动下，这群年轻的艺术家开始在泰特现代美术馆举办展览，并广泛结交业内精英，随后更陆续与白立方（White Cube）、白教堂画廊（Whitechapel Gallery）、高古轩（Gagosian）等顶级画廊建立合作。

▲由查尔斯·萨奇策划的“感知”（Sensation)展览

1997年在皇家艺术研究院开幕，引发观众排队观展

即便如此，由YBA开创的当代艺术的语境并不局限于画廊与学术刊物，而是蔓延至报纸头条、电视辩论与街头巷议的公共领域。正是在哲学思辨与商业运作的双重驱动下，YBA艺术家实现了从艺术创作者到文化符号塑造者的蜕变。

在作品引发广泛争议的同时，作为YBA领军人物的赫斯特也顺势展开对艺术市场的突破性探索。借助金融危机前欧美经济良好的大环境，他不仅跻身在世最富有艺术家之列，更一举登顶当代艺术市场的巅峰。

▲达明安·赫斯特的“药房”餐厅外景

摄影：Peter Stone / Alamy Stock Photo

2003年，赫斯特与拍卖行联合打造了一个前所未有的专场——首次由在世艺术家直接委托作品上拍，他的“药房”餐厅的166件物品（包括胡椒罐、排队邀请卡、烟灰缸等等现成物件）最终斩获1110万英镑；2007年，《为了上帝的爱》（For the Love of God）——一件镶嵌了8601颗无瑕级钻石的铂金头骨铸件，以5000万英镑私洽成交。

▲达明安·赫斯特,《为了上帝的爱》，综合雕塑，2007年

而二级市场的价格高潮，则戏剧性地发生在2008年，赫斯特绕过他的画廊代理人，直接委托苏富比举行“美丽永驻我心”（Beautiful Inside My Head Forever）专场拍卖，此专场共斩获超1亿英镑的超高成交额。而就在前一天，金融危机的导火索——雷曼兄弟申请破产。赫斯特的这次拍卖，犹如黑夜降临前的最后一场烟火，极致绚烂，却也映照出随后漫长的余烬。

2008年金融危机后，全球艺术市场持续低迷，收藏家与投资者变得格外谨慎，艺术交易也大幅萎缩。然而，即便市场自2010年起逐渐复苏，直至2015年，赫斯特的作品在二级市场依然表现平平，曾创下高价纪录的作品价格明显回落：多件曾上拍于2008年“美丽永驻我心”专场中的作品，在二次上拍时皆遭遇价格缩水，多件成交价较原始售价暴跌逾40%，跌幅极高。

▲达明安·赫斯特,《美丽的米德尔·强烈宣泄之作（更添内在之美）》

布面高光漆，2008年

以《美丽的米德尔·强烈宣泄之作（更添内在之美）》（Beautiful Mider Intense Cathartic Painting [with Extra Inner Beauty]）为例，该作2008年9月以120万美元成交，2017年3月在伦敦富艺斯仅拍得54.6万美元，另一件作品《年轻的达米恩》（Young Damien）在2008年以100万英镑成交，而在2021年苏富比纽约拍卖中却惨遭流拍。

▲达明安·赫斯特,《难以置信的沉船宝藏》

综合材质雕塑、影像，2017年

2017年，赫斯特在收藏家弗朗索瓦· 皮诺（François Pinault）的资助下，于威尼斯双年展期间推出《难以置信的沉船宝藏》（Treasures from the Wreck of the Unbelievable）。这件耗资巨大的作品收获了褒贬不一的评价，包括审美的繁杂、创意的枯竭，甚至动物保护者的抗议，种种争议纷至沓来。

然而，这种“冒险”精神，正是他从“YBA时期”至今未变的底色。改变的是舞台和规模：从废弃仓库搬到威尼斯双年展，从挑衅艺术体制到建构自己的神话体系。经历市场起伏，赫斯特始终是自己艺术世界的总指挥：定义规则，制造事件，掌控叙事。

▲“达明安·赫斯特：闪耀之光”展览现场，2024年

图片来源：Château La Coste

2024年， 他在法国南部普罗旺 斯地区的拉科斯特酒庄（Château La Coste），推出个展“达明安·赫斯特：闪耀之光”（Damien Hirst: The Light That Shines），展出了包括过往各个时期的代表作品，以及其近年颇为关注的花卉及自然主题架上作品。

▲达明安·赫斯特,《身体》

综合装置，1989年

2020年伦敦的富艺斯拍卖会，收藏家罗伯特·蒂布尔斯（Robert Tibbles）在30年前以600英镑向赫斯特购藏的作品《身体》（Bodies），以140万英镑成交，涨幅高达数千倍。

但这个看似完美的投资案例，也足以引起另一层次的思考：蒂布尔斯当初买下那件药柜，是因为认同其中的颠覆性，还是预见了YBA的未来？或许最成功的收藏恰恰居于两者之间——因“爱”而买入，却意外收获了“投机”的回报。收藏家的真正洞见在于：当艺术价值尚未被大众认知时，能看见其中凝结的时代精神与创作能量。

▲翠西·艾敏，《我的床》，1998年

这件作品在1999年被特纳奖提名

与赫斯特市场轨迹迥异，翠西·艾敏的艺术价值在时间沉淀中显现出独特的韧性。她的二级市场高峰出现在金融危机后的2014年——当赫斯特作品价格震荡回落之际，翠西·艾敏那件混杂着体液痕迹与生活碎片的《我的床》（My Bed）以254万英镑刷新其个人拍卖纪录。

这种市场时序的错位，揭示出两者艺术内核的本质差异：达明安·赫斯特作品的市场起落与轰动事件紧密绑定，而翠西·艾敏的价值则随着其生命叙事与情感厚度的累积而缓慢发酵。

▲翠西·艾敏，《母亲》，青铜雕塑，2022年

近年来，当全球艺术市场面临周期性收缩时，艾敏的作品却逆势于2022年与2023年多次创下次高价纪录。从早期的刺绣、霓虹文字到近年的大型青铜雕塑，她以多元媒介将私密记忆铸造成可触碰的公共纪念碑。

奥斯陆海滨那座9米高的《母亲》铜像，以作品背对博物馆的跪姿形成温柔屏障，恰似她对艺术史的独特介入方式——并非正面交锋，而是以身体重构对话。展览中，艾敏的作品与蒙克、席勒等表现主义大师的共同展出，将她深刻的个体痛苦提炼为跨越时代的共鸣。

▲翠西·艾敏，《犹如一团血云》，布面亚克力，2022年

自2020年被确认膀胱癌并经历多次手术后，艾敏最近已重新回归创作事业，并催生出“第二人生”般的创作爆发。她在家乡马盖特创立艺术学院，并为其进行拍卖筹款。2022年，她的作品《犹如一团血云》（Like a Cloud of Blood）在伦敦佳士得以232万英镑成交。

这种持续的市场信心，或许源于艺术家将肉身创伤转化为创作能量的惊人生命力。在艺术市场普遍追逐短期获利的现实中，翠西 ·艾敏对创伤、治愈与传承的持续表达所承载的深层价值，是市场数据无法衡量的。

近年来，赫斯特的创作依然积极拥抱市场，他大量转向架上绘画，并发布了包括数字艺术作品在内的限量作品，以吸引年轻藏家。他也依然在不断尝试多样的创作形式，持续探讨艺术价值、数字艺术的崛起以及艺术品所有权等议题。

▲皇家艺术研究院夏季展现场，2025年

而艾敏的艺术生涯也进入了一个充满象征意义的全新阶段。2025年，在皇家艺术研究院（Royal Academy of Arts）2025年夏季展览中亮相的大尺幅新作《受难像》（Crucifixion），她用标志性的粗粝笔触重构了宗教意象，将私密的痛苦体验提升至近乎殉道式的普世高度。

▲艺术家翠西·艾敏在展览现场，2026年

图片来源：泰特现代美术馆

摄影：Yili Liu

2026年2月末，她在泰特现代美术馆举办迄今最大型回顾展“翠西·艾敏：第二人生”（Tracey Emin: A Second Life），涵盖其40年创作生涯的90余件作品，包括绘画、霓虹灯、雕塑、视频和最具标志性的装置作品《我的床》等。将呈现她从“第一人生”到经历重病康复后的“第二人生”的艺术转变。

▲“翠西·艾敏：第二人生”展览现场，2026年

雕塑：《我不会孤单》，2025年

装置：《在天堂与我相见，我会等你》，2004年

图片来源：泰特现代美术馆

摄影：Sonal Bakrania

翠西·艾敏曾说：“女性往往会持续不断地创作，一直到老。”作为例子，她提到了法国出生的艺术家露易丝·布尔乔亚（Louise Bourgeois），这位艺术家在2010年已98岁高龄，在去世前夕也在坚持创作。翠西曾这样说：“成为一名成功的艺术家本就是极小概率的事情，对于女性来说如此，对于像我这样出身普通的人更是如此。我曾面临重重阻力。我认为，那些没有从事艺术，或从未尝试成为艺术家的人，很难理解这种信念、自信，以及一路走来的艰难。”

▲“冻结”展览的布展手稿，1988年

翠西·艾敏的艺术从来不只是关于美学，更是一种存在的证明——证明创伤能够转化为力量，私密可以撼动公共，而女性的创作生命如同藤蔓，足以穿透时间的壁垒。时代不断向前，YBA艺术家们早已不再年轻。曾经的叛逆学生，如今已成为当代艺术界的中坚力量：有的由顶级画廊代理，有的在艺术学院担任要职，他们无疑在艺术史上占据了不可磨灭的位置。

▲年轻的YBA艺术家们在为“冻结”展览作准备，伦敦，1988年

当今，无论是文化挪用、两性议题，还是气候变化等问题，“争议”依然是吸引公众注意力的重要手段，也被艺术家广泛运用于创作。而YBA在30余年前就已证明：在媒体时代，艺术家的名字能像品牌一样被铭记，往往不是因为温和的赞美，而是因为激烈的讨论。然而，在记住这个品牌神话的同时，人们也不应忘记，YBA的起点，源于创作的冲动与表达的需求。

以上仅代表个人观点

原标题：《争议的力量：YBA艺术家的崛起、洗牌与回响》

收录于《收藏/拍卖》杂志2026年春季刊

作者：Cecilia Tong

香港中文大学艺术哲学硕士

艺术行业从业者

拥有超10年行业经验

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