【人物访谈】李鑫 | 2026留声机国际音乐比赛弦乐组评审、哈尔滨音乐学院管弦系大提琴教授

李鑫大提琴家、哈尔滨音乐学院管弦系大提琴教授、弦乐教研室主任、博士生导师

个人简介：

李鑫

艺术学博士，毕业于荷兰ArtEZ艺术大学。大提琴演奏家，哈尔滨音乐学院管弦系大提琴教授，弦乐教研室主任，大提琴博士生导师，学硕、艺硕双硕士生导师，在站博士后。黑龙江省大提琴专业委员会主任（会长），中国音乐家协会会员，黑龙江省音乐家协会理事，2022年荣获黑龙江省教育厅“师德先进个人”荣誉称号。李鑫留荷旅游近十载，曾多年担任荷兰纳梅亨交响乐团大提琴首席，留学期间演出足迹遍布欧洲诸多国家地区，曾获第21届意大利“巴莱特国际青年音乐家比赛”弦乐组一等奖；美国“金古典音乐比赛”一等奖，并受邀于卡内基音乐厅演出。在第32、34届哈尔滨之夏音乐会以独奏演奏家身份与多位中外著名音乐家合作。

李鑫是首届“黑龙江省文学艺术英华奖”获得者，参加省级多项专业演奏比赛均获得一等奖，培养的学生在省级比赛中屡获佳绩，2026年指导学生斩获普罗科菲耶夫国际比赛专业组金奖。李鑫主持多项省部级重大项目，多次获得省级科研成果奖项，同时，负责本、硕多项省级精品课程及课程思政项目，其主讲的《弦乐室内乐》课程被评为省级“课程思政优秀案例”，此外，在国家核心期刊发表学术论文多篇，2024年学术专著《19世纪欧洲大提琴演奏学派研究》由上海音乐出版社出版，2019年获批主持黑龙江省人社厅“留学归国人员择优资助项目”，2020年获批中央支持地方高校改革创新人才培养项目，同年获黑龙江省本科高校“青年创新人才培养计划”创新人才称号。作为项目主持人主持完成两项省级教改项目，以及黑龙江省“十四五教育科学规划重点课题”。

访谈录

（以下内容根据访谈整理。组委会简称Q，李鑫简称A）

Q ：您曾旅欧多年，留荷期间还曾担任奈梅亨交响乐团大提琴首席，欧洲的演奏学习环境，带给您最大的收获是什么？

A：留学荷兰近十载的学习与职业演奏经历，为我构建了演奏实践—教学传承—“理论研究”三位一体的完整专业体系，要说最核心的收获，主要体现在几个层面。首先是建立了体系化的演奏学术视野，荷兰的音乐教育开放包容，惬意的环境保障了能够专注于音乐艺术的纯粹，博士阶段的研究让我完成了对19世纪欧洲大提琴演奏学派的系统性考据，跳出了单纯的技艺打磨，形成了有史论支撑的演奏认知。再有就是职业乐团的历练，夯实了全方位的演奏能力，担任奈梅亨交响乐团大提琴首席期间，深度参与欧洲职业乐团的排演体系，积累了从独奏、声部首席到室内乐协作的完整经验，对音响平衡、声部融合的理解从抽象概念变为具象的演奏直觉。还有一点，多元的文化语境大大拓展了我的审美边界，在欧洲多国巡演与交流的过程中，接触到不同流派的诠释风格，打破了单一的审美范式，形成了更包容、更多元的演奏美学观。

Q ：您深耕19世纪欧洲大提琴演奏学派研究，演奏学派对于当代大提琴学习者有怎样借鉴意义？

A：19世纪是大提琴演奏艺术的体系成型期，德奥、法比、俄国学派在此阶段形成了成熟的技术体系与审美范式，这一领域的研究对当代学习者的价值，我觉得主要有几个层面。首先是能帮大家实现技术溯源，理解动作的底层逻辑。当代主流演奏技术是19世纪各学派演变融合的结果，了解不同学派的技术特质——比如法比学派左手的轻盈灵动、德奥学派运弓的厚重严谨，能帮助学习者跳出机械模仿动作的层面，理解技术动作的底层原理，从而更灵活地运用技术解决不同的音乐问题。再就是能校准风格坐标，避免诠释的同质化。当代演奏普遍存在风格趋同的问题，很多学习者对不同时期、不同流派的作品处理方式高度相似。通过研究19世纪各学派的演奏美学，能建立清晰的风格坐标系，演奏不同流派作品时能准确把握其审美特质，让诠释更精准、更有依据。最后也能帮大家筑牢创新的根基，实现有深度的个性化表达。所有的个性化表达都建立在对传统的深度理解之上，了解演奏学派的传承与流变，才能在尊重原作的基础上，形成有逻辑、有深度的个人诠释，而非无本之木的标新立异。

Q:您作为哈尔滨音乐学院弦乐教研室主任，同时是博士生导师、学硕艺硕双硕导，并与圣彼得堡音乐学院院长瓦西里耶夫深度合作培养人才，在本科、硕士不同阶段，对大提琴学生培养侧重点分别是什么？

A：不同学段的培养目标有清晰的层级差异，核心是遵循人才成长规律，循序渐进地构建能力体系。本科阶段是“筑基塑形期”，核心目标是建立规范、扎实的演奏体系与专业认知，侧重点主要有几个方面。首先是系统性打磨基本功，解决音准、运弓、节奏等基础技术问题，建立科学的演奏发力体系，纠正不良演奏习惯；再有就是拓宽曲目视野，覆盖巴洛克、古典、浪漫、近现代等不同时期、不同风格的作品，建立基本的风格认知与作品分析能力；另外还要培养基本的舞台素养与教学能力，完成从“业余学习者”到“专业演奏者”的身份转变。到了硕士阶段就是“深化分化期”了，学硕和艺硕的定位不一样，侧重也不同。艺术硕士更侧重演奏实践深化，强化大型作品的诠释能力与舞台表现力，积累独奏、室内乐、乐团等多场景演奏经验，培养职业演奏能力；学术硕士则侧重学术研究能力培养，围绕大提琴演奏、教学、音乐史等方向开展系统性研究，掌握学术研究的方法与规范，能独立完成高质量学术论文与研究课题。博士阶段则是“创新引领期”，要求在演奏实践与学术研究上都达到较高水准，形成独立的学术观点与演奏风格，具备开展高水平教学、科研与艺术实践的综合能力。

Q ：您主讲的《弦乐室内乐》获评省级课程思政优秀案例，在弦乐教学当中，如何把美育、课程思政自然融入专业课，而不是形式化？

A ：课程思政的核心是“润物无声”，不能在专业课中生硬植入思政内容，必须坚持“专业为体、思政为魂”，让思政元素服务于专业能力提升与艺术品格塑造。我们的课程主要从四个方向去做自然融入，都不是生硬的说教。首先是以作品为载体，去挖掘里面的精神内涵。讲解作品时，同步梳理作品的创作背景与精神内核：讲解中国大提琴与室内乐作品时，结合创作语境传递民族文化自信；讲解现实主义题材作品时，引导学生理解其中的家国情怀与人文精神，让思政内涵成为作品理解的一部分。再有是以实践为抓手，在排练里培育学生的综合素养。在室内乐排练与乐团教学中，培养学生的协作精神、集体意识与责任担当，声部间的默契配合、彼此包容，本质就是集体主义精神的具象体现。另外就是以师德为引领，靠言传身教去影响学生。教师自身的治学态度、艺术追求、职业操守就是最鲜活的思政教材。日常教学中严谨对待每一堂课、每一个学生，用自身的言行传递正确的价值观与职业操守，比说教更有力量。最后是以文化为根基，增强学生的文化认同。将中国传统音乐文化、黑龙江本土音乐资源融入弦乐教学，改编民间音乐素材的室内乐作品，让学生在演奏中感受民族音乐的魅力，增强文化认同感与文化自信。

Q ：现在很多琴童走上专业道路，很多家长很纠结，什么样的孩子更加适合走大提琴专业路线，除天赋之外哪些品质更加重要？

A ：基本的音乐天赋是入门门槛，包括音准感、节奏感、音乐记忆力与肢体协调能力，但真要决定专业道路能走多远，更关键的是综合品质，有几点我觉得比天赋还重要。首先是专注力和韧性。大提琴学习是长期枯燥的基本功打磨过程，没有捷径可走，能长时间专注练习、遇到瓶颈不轻易放弃的孩子，才能穿越漫长的平台期，走得更长远。再有就是感知力与共情力。音乐是情感的艺术，能敏锐感知音乐中的情绪变化，共情作品中的情感内涵，才能演奏出有感染力的音乐。这种音乐感知力，比单纯的手指灵活度更能决定演奏的上限。另外还有自主思考的能力。专业学习不是被动接受老师的指令，而是能主动发现问题、调整方法、形成判断。具备自主学习能力的孩子，进入高阶学习后会展现出更强的潜力。最核心的，还是发自内心的热爱与内驱力。靠家长逼迫、功利目标驱动的孩子，很容易在遇到困难时退缩；而真正的热爱能抵御长期的枯燥与挫败，是支撑人走下去的核心动力。对于琴童家长，我建议不要过早定义专业道路，先保护孩子的兴趣与热爱，再逐步观察其综合品质。

Q ：对于大提琴演奏，慢练是大家经常提到的概念，到底应该如何科学慢练，避免无效重复？

A ：慢练的核心不是“速度慢”，而是“注意力高密度”，是拆解问题、修正动作、建立精准肌肉记忆的过程。要做到科学慢练，其实核心是把握住几个关键点。首先得目标前置，单次慢练就盯着一个核心问题解决。比如本次慢练只关注换把的音准，下次只关注运弓的力度均匀，不要试图一次慢练解决所有问题，注意力分散是无效慢练的核心原因。再有就是要把颗粒度拆细，针对技术难点拆解到最小的动作单元。比如一个换把动作、一个重音弓法，单独打磨动作路径与发力方式，确认动作完全正确后，再拼接成乐句、乐段，避免带着错误重复。另外一定要坚持听觉优先，用耳朵全程监控演奏质量。慢练时不能靠手指惯性演奏，要主动监听每一个音的音色、音准、共鸣，发现问题立即停下修正，不要将错就错地完整演奏。最后还要做好变速衔接，把慢练的成果真正迁移到正常演奏里。慢练到一定程度后，通过“慢—中—快”的变速练习，将慢练建立的正确动作迁移到正常演奏速度中，避免慢练与实际演奏脱节。

Q:您过往评审各类弦乐赛事的时候，您在打分的时候，最看重选手哪几个维度，是技术完成度、音乐理解，还是舞台感染力？

A ：几个维度其实是递进的关系，打分的时候会综合评估，但权重不太一样。技术完成度是基础门槛，音乐理解是核心的区分度，舞台感染力更多是升华项。先说基础层面，就是技术完成度，包括音准、节奏、技巧的准确性与完成质量，这是参赛的基本前提。如果技术层面存在大量硬伤，音乐表达就无从谈起，这是所有评审的基础判断标准。核心的维度，还是音乐理解与诠释能力，这是区分选手层次的关键。具体包括对作品风格的把握、分句的逻辑、音色的处理、结构的掌控，能体现选手对作品的思考深度与审美水准。技术完美但音乐表达缺乏深度与个人思考的演奏，很难拿到高分。至于加分项，就是舞台感染力，是选手音乐表达的外化呈现，包括舞台气质、音乐的共情能力、演奏的个人魅力。好的舞台感染力，能让演奏超越“完成作品”的层面，传递出更强的艺术张力，与听众形成情感共鸣。我个人打分更看重选手的音乐理解力与艺术表达的真诚度，因为技术可以通过训练快速提升，而音乐审美与思想深度，才是演奏者的核心竞争力。

Q ：很多选手备赛，一味追求难度大曲目，选择超出自己驾驭能力的作品，对于参赛选手曲目选择，您有什么建议？

A ：曲目选择的核心原则是“适配性优先”，盲目追求超出驾驭能力的高难度作品，反而会暴露更多问题，得不偿失。关于曲目选择，我有几个具体的建议。最基础的一点，能力匹配是底线。选择自己能完整、流畅、有音乐性完成的作品，而非勉强够到的高难度作品。评委评判的核心是完成质量与诠释水平，而非曲目难度本身，高质量完成的中等难度作品，远胜于漏洞百出的高难度作品。再有就是风格要适配，尽量放大自己的优势。选择与自身演奏特质、音色特点相契合的作品，放大自身优势，避开短板。比如擅长歌唱性演奏的选手，可以侧重浪漫主义抒情作品，而非强行挑战炫技性作品，用自己的长板打动评委。另外曲目搭配上要注意互补。一套完整的参赛曲目，要覆盖不同时期、不同风格，全面展示自身的演奏能力。比如一首古典主义作品搭配一首浪漫主义作品，一首技术性作品搭配一首抒情性作品，形成能力展示的互补。最后可以适度进阶，给自己留一点提升空间。可以选择略高于当前水平的作品，通过备赛实现能力提升，但跨度不能过大，要确保在备赛周期内能达到高质量完成的程度，实现“以赛促练”的效果。

Q ：您指导学生在2026普罗科菲耶夫国际比赛（北美）拿到专业组一等奖，回顾指导备赛过程，有哪些经验可以分享给其他参赛选手？

A ：这次备赛的核心经验，总结下来大概是几个关键词：系统化规划、精细化打磨、场景化模拟。首先是做了精准的曲目体系规划。结合学生的演奏特质与赛事的评审偏好，选定了既能展示技术能力、又能体现音乐深度的曲目搭配，同时针对每首作品做了深度的版本考据与风格梳理，确保演奏的风格准确性与学术严谨性，从选曲阶段就建立竞争优势。然后是分层打磨的训练模式。技术层面拆解所有难点、逐个攻克，确保零硬伤；音乐层面逐句打磨分句、音色与力度层次，同时全程贯穿总谱分析，让学生理解作品的结构逻辑与和声走向，让每一处处理都有清晰的逻辑支撑，而非凭感觉演奏。再有就是高强度的全真模拟。备赛后期每周安排2-3次完整的模拟演奏，邀请业内专家旁听点评，从评委视角发现问题、提出建议；同时通过多次模拟，训练学生的舞台心态与临场应变能力，让舞台演奏成为常态。最后也很重要的，是平和的心态引导。备赛过程中不刻意强调获奖目标，而是聚焦于每一次练习的提升，让学生专注于音乐本身，而非比赛结果。事实证明，当准备足够充分、心态足够平和时，好的结果是水到渠成的。

Q ：不少选手平时练习很好，但是比赛现场失误频发，从评委角度，选手备赛除练好乐曲之外，还需要做好哪些赛场准备？

A ：现场发挥不稳定，本质是“琴房练习场景”与“比赛现场场景”的差异导致的，备赛不能只停留在琴房练琴，全场景、全流程的准备都要跟上。首先可以多开展全真的舞台模拟。完全复刻比赛场景：固定演奏时间、穿演出服、设置听众与评委视角，完整演奏全套参赛曲目，包括上台、鞠躬、调弦、谢幕的全流程。多次模拟能大幅降低陌生环境带来的应激反应。再有要做容错应变的训练。日常练习中刻意设置“不中断演奏”的要求，即使出现小失误也要继续往下演，训练临场应变能力与失误后的心态调整，避免一个小失误导致全盘崩溃。另外还要提前调整生理和作息节律。提前调整作息，让自己的身体状态与比赛时间同频，比如比赛在上午，就提前把核心练习时间调整到上午，让身体在对应时段保持最佳状态。还有就是提前做好赛场预案。提前了解赛场的声学环境、琴凳高度、舞台布局，有条件的话提前走台适应场地；同时做好突发情况预案，比如琴弦断裂、琴码移位的应对方案，有预案就不会临场慌乱。最后心态建设也不能少。降低心理预期，不要抱着“必须拿奖”的心态参赛，把比赛当成一次演出与学习的机会，心态越放松，发挥越稳定。

Q ：对比您留学时期到现在，国内大提琴事业发展日新月异，您对于国内弦乐事业未来发展，有怎样观察和期待？想对本届留声机国际比赛所有弦乐参赛选手，以及广大大提琴学习者，送上怎样的寄语？

A ：对比我留学时期，国内大提琴事业实现了跨越式发展，核心的变化体现在几个方面。首先是教育体系日趋完善，从启蒙教育到专业院校的人才培养体系更加系统，大批海外归国的优秀演奏家加入教学队伍，带来了多元的教学理念，师资力量与教学水平大幅提升。再有就是演奏生态更加活跃，各类国际赛事、音乐节、艺术交流活动日益增多，为青年演奏家提供了更多展示与交流的平台，听众的审美水平与市场接受度也在不断提升。还有本土化创作也在不断推进，越来越多的中国作曲家为大提琴创作作品，民族化的演奏风格逐渐形成，大提琴艺术不再是纯粹的舶来品，开始扎根中国文化土壤。对于未来发展，我有很多期待。首先是希望能深化学术研究，加强对演奏学派、演奏历史的系统性研究，提升中国大提琴学科的学术厚度，补齐学术研究的短板。再有是推动普及下沉，让大提琴艺术走进更多普通大众，扩大受众基础，让弦乐艺术不仅存在于专业院校与音乐厅，更成为大众美育的重要组成部分。最后也期待能逐步打造出我们自己的中国学派，鼓励更多本土化创作与演奏创新，深度挖掘中国音乐文化资源，打造具有中国文化底蕴的大提琴演奏学派，让中国的大提琴演奏家在国际舞台上形成独特的艺术标识。

音乐之路是一场漫长的修行，没有捷径，也没有终点。对于本届参赛选手，我想说，请珍惜舞台、享受音乐，把每一次比赛都当作成长的契机，而非输赢的较量。不必纠结于一时的名次，更重要的是在这个过程中打磨技艺、拓宽视野、遇见更好的自己。对于广大大提琴学习者，我想说，请保持对音乐的热爱与敬畏，沉下心来打磨技术、沉淀内涵，不必急于求成。技术的提升可以靠勤奋，但音乐的深度需要阅历、需要思考、需要文化的积淀。愿你们在琴弦之间，既能收获技艺的成长，也能收获内心的丰盈，让音乐成为照亮人生的光。最后，预祝本届留声机国际比赛圆满成功，期待听到更多精彩的演奏，见证更多青年演奏家的成长与绽放。