非遗不再只是“元素”，刘雨昕正探索流行乐的新表达

新音乐产业观察原创文章，未经授权谢绝转载

作者 | 朱力克

第四届浪潮音乐大赏上，刘雨昕同时出现在舞台和展览空间。一个是现场的《圆》特别合作舞台，一个是“XANADU·仙那度”主题快闪。

在大赏新增的“特别策展”单元里，她把自己的“XANADU·仙那度”搬进了一座真实的展览空间。专辑视觉、舞台影像、民族文化元素、装置艺术以及不同作品背后的创作故事，被重新组织在一起，让原本存在于歌曲和演唱会中的“仙那度”，第一次以一种更完整的方式出现在观众面前。

在展览正式开放前，刘雨昕一直忙到了凌晨。为了布展，她亲自参与现场工作，直到第二天早上8点才睡下。展览开放当天，她又来到现场，亲自向到场嘉宾和媒体讲解自己的音乐经历，以及展览里每一个细节背后的创作思路。

这很能说明“仙那度”对于刘雨昕意味着什么。它并不是一个可以完全交给团队运营的艺人标签，而是她持续参与其中、不断往里添加新内容的创作世界。

“仙那度”世界观从2016年开始构建。对刘雨昕来说，多年来，“仙那度”早已从单纯的作品、舞台表达，做成一套持续生长的音乐IP。

从文化符号到创作语言，刘雨昕的非遗实践

刘雨昕做非遗，并不是这两年才开始。

要理解“XANADU·仙那度”，首先要把“非遗”从一个当下的宣传关键词，拉回刘雨昕个人创作的长期轨迹。

“仙那度”源自刘雨昕首张个人专辑，《XANADU》的六个字母，对应西南少数民族文化元素。自此连接音乐、舞蹈、艺术跨界、时尚等领域，核心是“非遗民族×先锋潮流美学”。本届浪潮音乐大赏第一次将其从舞台搬到实体空间。

多年来，她还与家乡苗绣非遗传承人合作，在实体专辑中加入手工刺绣手环，并将部分收益用于支持非遗传承。同时，她把贵州黔东南的原生态箐苗吟唱带上国际舞台。

非遗之于刘雨昕，首先是一种文化身份，其次才是一种舞台元素。她没有简单地把苗绣、木鼓、芦笙等元素放到流行音乐里“装饰”舞台，而是在尝试重新理解它们。

过去几年的“仙那度”巡演中：苗族原生态吟唱、彝族史诗念白、反排木鼓舞、锦鸡舞板凳舞、彝族铃铛舞、芦笙舞、芒筒、芦笙、铜鼓、口弦等民族乐器。同时对应：EDM、Afro 、Gospel 、Hip-Hop、Funk 、电子摇滚等国际音乐语汇。

她真正想做的不是“民族音乐+流行音乐”，而是让两套音乐语言发生新的关系。

深圳站的演出是一个具体案例。今年8月1日的深圳站，《圆》开场便加入贵州非遗板凳舞。舞者通过凳击形成的质朴节奏，与歌曲原本的旋律以及现代电子音乐连接起来。二十余首歌曲全程采用全开麦唱跳，传统舞蹈与现代唱跳舞台在同一套现场结构里并行。

板凳不再只是“贵州文化”的视觉符号，它首先成为节奏，成为流行音乐最基本的组织方式。

这或许才是非遗民族文化进入流行音乐更有效的路径：不是先问“我要加入什么中国元素”，而是先问非遗民族文化中究竟有什么声音、节奏、身体语言或者审美结构，可以真正进入现代音乐。

“仙那度2.0”这些年的巡演变化，都在不断验证这一点。

上海站把贵州非遗银饰的造型与反排木鼓舞融入舞台设计，同时加入Talkbox等现代音乐、舞蹈语言。广州站加入锦鸡舞和电吹管，再把粤语金曲放进城市文化叙事中。北京站中，刘雨昕妈妈作为嘉宾在安可登场，演绎黔剧，融合电音，共同重新演绎刘雨昕父亲20年前作曲的苗族作品《想你来》。17年前家人支持刘雨昕北京追梦，那份鼓励如今刘雨昕也当作一份回馈给到家人。苏州站的亮点则是把非遗彝族铃铛舞带进演唱会现场，演唱会上，刘雨昕还与人形机器人舞团、机械臂同台共舞，整场演出非遗文化与现代科技碰撞，创造出了全新的舞台想象。

一方面，刘雨昕把非遗民族文化带进EDM、电子摇滚、Funk、街舞等当代流行语境；另一方面，她也让自己的音乐不断接受不同文化和音乐类型的影响。

“非遗”对于她而言，不是一个需要被贴在作品外面的标签，而更像一套可以不断调用、拆解、重组的创作资源。它不是一次完成的概念，而是一套仍在生长的音乐实验。

从演唱会到大众空间，“仙那度”正在扩张

如果说演唱会证明了非遗可以进入音乐，那么这次浪潮音乐大赏的“XANADU·仙那度”主题展，则把这个问题继续往前推进了一步。

这个展览真正有意思的地方，是它没有按照传统商业快闪的逻辑去设计。免费开放、无需预约、无商品售卖、面向音乐人、艺术从业者和乐迷， 展示专辑插画、舞台视觉、民族非遗元素、先锋装置，将专辑歌曲对应的故事意象进行视觉化呈现。

官方也明确把它定位成一次音乐艺术实验，而不是商业售卖型快闪。它更像是一次“音乐创作公开课”，只不过这堂课没有发生在课堂里，而发生在一个展览空间。

刘雨昕她一直参与现场工作，直到第二天早上8点才睡。几个小时之后，她又出现在展览现场。

面对到场的嘉宾和媒体，她没有只是简单介绍“这里有什么”，而是从自己的音乐经历讲起，解释为什么会有“XANADU”，为什么使用这些民族文化元素，以及展览中的视觉、装置和舞台内容分别对应了什么创作思考。

她把自己当成一个完整内容项目的创作者，而不仅仅是表演者。

这次“XANADU·仙那度”被放在第四届浪潮音乐大赏的“特别策展”单元中，与“守住现场”音乐文化与品牌历史特展、宝丽金55周年/披头士相关策展以及浪潮影音馆一起构成大赏新的文化内容。更重要的是，第四届浪潮首次向公众开放，包括特别策展在内的多个内容都不再只是行业内部的闭门活动。

这给“仙那度”提供了一个非常特别的场景。过去，观众认识一个音乐人的方式通常是听歌、看MV、买票，然后进入演唱会现场。但当一张专辑开始拥有完整的视觉系统，一场演唱会开始拥有自己的文化叙事，一个艺人的作品又进一步进入展览空间时，音乐人的“作品”其实已经发生了变化。

从最初的音乐概念，到“仙那度2.0”巡演，再到今天的主题展，它逐渐从一个作品名称变成了一套可以不断延展的内容体系。甚至连演唱会里的非遗，也开始拥有自己的叙事。

深圳站的城市主题短片，没有简单地拍一组城市风光，而是记录刘雨昕体验深圳非遗美食云片糕制作，以及传统中医非遗针灸、正骨的过程，再把这些内容嵌入演唱会转场。安可部分，她又首次演唱尚未公开发行的英文歌曲《Strange》，把复古Funk与英式电子摇滚放在一起。

一个向地方文化深入，一个向国际流行音乐打开。它们其实共同构成了“仙那度”的两条路径：向自己的文化根系寻找素材，同时向更大的音乐世界寻找语言。

过去的艺人IP更多依赖“人”的认知，那么今天更有生命力的IP，可能需要逐渐形成属于自己的内容世界。一个好的音乐IP，应该能够容纳新的歌曲、新的舞台、新的视觉，甚至容纳不同领域创作者的加入。

“仙那度”目前正在尝试做的，正是这件事。

从元素融合到音乐交汇，《圆》带来的另一种可能

如果说展览让“仙那度”变得可观看，那么浪潮音乐大赏的《圆》，则是这套理念在音乐本身的集中展示。

刘雨昕与蒙古族音乐家乌仁娜、舞乐蝉歌乐团以及原野上的声音共同完成《圆》的特别版本。一个舞台里，同时出现了蒙古族长调、侗族大歌的多声部和声，以及彝族吟诵。

乍看之下，这似乎是一个非常容易“堆元素”的组合：不同民族、不同地域、不同声音传统全部集中到一首歌里，很容易变成一场文化元素的展示。

但《圆》最终有意思的地方，恰恰在于它没有停留在“展示”。乐评人王击凡将这一舞台称为令人印象深刻的“音乐交点”。这个词很准确，因为《圆》真正发生的，并不是几种民族音乐依次登场，而是不同音乐体系在同一首作品中寻找彼此的关系。

不同的声音传统，如何在同一个作品里共存？王击凡所说的“多而不杂、化繁为简”，其实并不只是对舞台视觉的评价，更可以理解成对这次音乐编排的判断。

最终呈现出来的“圆熟的东方智慧”，也并非因为舞台上出现了多少民族元素，而是因为这些元素最终被组织成了一个完整的音乐叙事。

甚至连刘雨昕自己的造型，都在回应这一逻辑。水墨感的服装、刺绣细节，以及舞台整体相对克制的视觉处理，没有再增加过多的视觉符号，而是让声音本身拥有更多空间。

这次合作并非临时拼接。“原野上的声音”曾获得第二届浪潮音乐大赏最佳世界音乐专辑荣誉，而刘雨昕与团队也早已相识多年。这一次合作更像一次长期音乐关系的重新连接，而不是为了大赏而制造的一次“民族音乐特别舞台”。

如果把《圆》放回刘雨昕过去几年的现场实践，会发现它其实是“仙那度”一路走来的自然延伸。

从苗族吟唱到反排木鼓舞，从锦鸡舞到板凳舞，从芦笙、芒筒等传统乐器到电子音乐、街舞，再到今天《圆》中不同民族声音真正发生关系，非遗已经越来越深入到她的舞台生产之中。

12月26日南京演唱会，也将继续成为这一探索的一部分。刘雨昕在群访中透露，演唱会本身也将继续承担非遗文化表达与传承的功能。

这意味着非遗对于“仙那度”而言，正在变成一种贯穿专辑、歌曲、舞台和现场的长期叙事。

多年的探索与沉淀，刘雨昕的音乐作品不仅收获了大众的认可，更在业内赢得了口碑，成为品质与流行兼具的典范——这也正是浪潮音乐大赏邀请刘雨昕作为特别表演嘉宾的重要原因。

正如腾讯音乐娱乐集团市场品牌公关、艺人经纪及榜单业务副总裁陈默在本届浪潮音乐大赏OPENING环节所言：“流量不是品质的反义词，平庸才是。真正值得期待的未来，不是品质音乐拒绝大众，而是越来越多真正优秀的音乐，同样可以走向大众”。

今天的流行音乐里，“非遗”并不陌生，但刘雨昕正在尝试把问题向前推一步。不再仅探讨“如何把非遗带上舞台”，而是实验“非遗能够为今天的流行音乐带来什么”。

它最终能走多远，仍然需要更多作品来回答。但至少，刘雨昕正在尝试让非遗民族文化成为流行音乐的一部分，让它重新参与当代音乐的创作、现场和审美。

这或许才是“仙那度”真正想寻找的那个交点：不是传统与流行谁改变谁，而是两种文化在新的音乐里共同长出第三种语言。

-全文完-