与游戏IP跨界融合，原创粤剧《决战之燎原》开启全国巡演

日前，由中共深圳市委宣传部、深圳市文化广电旅游体育局出品，深圳市粤剧团制作演出的深圳原创首部跨界融合新粤剧《决战之燎原》，正式拉开全国巡演大幕。继珠海站圆满落幕之后，该剧登陆深圳鹭湖艺术中心完成主场收官，随后将于9月25日—26日登陆上海保利云间剧院，把岭南粤剧的侠气风骨带到长三角舞台，后续还将奔赴更多城市，为全国戏迷、游戏爱好者献上一台打破次元壁垒的戏曲盛宴。

粤剧《决战之燎原》剧照。深圳市粤剧团团长、中国戏剧梅花奖得主彭庆华饰演天策府统领李承恩。

IP跨界融合，打造粤剧创新标杆

作为国内少有的传统粤剧与数字IP深度融合的创新作品，《决战之燎原》取材武侠网游《剑网3》，以安史之乱为时代背景，讲述天策府统领李承恩，于乱世之中率领将士对抗狼牙叛军，坚守“长枪独守大唐魂”的家国信念，感召江湖十大门派侠士同心赴义、共护山河的悲壮故事。剧目扎根粤剧“唱念做打”的艺术根本，将南派粤剧硬桥硬马的武戏身段，与游戏IP的武侠世界观相互融合，在传统戏曲的外壳之下，讲述属于当代人的侠义故事，实现中华优秀传统文化创造性转化、创新性发展的全新探索。

该剧2025年于深圳完成首演，收获票房口碑双丰收，斩获“2025演艺广东年度Top演出”等荣誉。首演落幕之后，主创团队收集观众反馈，沉下心打磨迭代，本次全国巡演呈现全面升级的2.0版本。新版本精简叙事结构，优化故事节奏，剧情推进更加紧凑明快；舞美灯光系统全面迭代升级，以光影为笔构建恢宏江湖场景，多媒体视觉与演员表演深度咬合，强化舞台沉浸感；同时优化剧场互动设计，剧中十大门派角色从观众席两侧登台亮相，拉近舞台与观众的距离，让台下的老戏迷、游戏粉丝、年轻古风爱好者都能沉浸式走入故事之中。

粤剧《决战之燎原》剧照。

“双梅花”联袂，武戏唱腔尽显粤剧风骨

本次演出集结“双梅花”主演阵容，深圳市粤剧团团长、中国戏剧梅花奖得主彭庆华饰演天策府统领李承恩，另一位中国戏剧梅花奖获得者李嘉宜出演七秀坊侠女小七，两位实力名家同台飙戏，唱、做、念、打全方位展现粤剧艺术魅力。剧中慷慨激昂的粤曲唱段《战八方》，把侠之大者为国为民的精神内核抒发得淋漓尽致；南派武打场面干净利落，群武场面气势恢宏，少林、丐帮、唐门、五毒等十大门派轮番亮相，绝活迭出，每每引爆剧场满堂喝彩。

粤剧《决战之燎原》剧照。中国戏剧梅花奖获得者李嘉宜饰演小七。

巡演现场，剧场配套打造主题创意集市，设置打卡盖章、角色合影、周边文创体验等多元互动环节，不少观众身着汉服、游戏cos服前来观演，老戏迷与Z世代年轻人同场看戏成为常态。有资深粤剧观众评价：“武打身段地道，唱腔醇厚，改编没有丢掉粤剧的根，看得十分过瘾。”许多《剑网3》玩家则表示，原本对粤剧比较陌生，这部作品打破固有刻板印象，真切感受到传统戏曲的独特感染力。演出结束后的主创见面会上，观众排起长队签名合影，热度经久不衰。

以戏为媒，打造传统文化创新表达的“深圳样本”

深圳市粤剧团团长、本剧主演彭庆华在接受南都记者采访时表示，《决战之燎原》的全国巡演，既是把深圳原创文艺成果向外输出，也是希望探索一条传统戏曲面向青年群体传播的可行路径，打造传统文化创新表达的“深圳样本”。粤剧本身自带兼容并蓄的基因，不是封存于博物馆的古老艺术，应当不断与当代观众对话。希望借着巡演的脚步，让更多不同圈层的观众看见粤剧、爱上粤剧，让古老粤剧在新时代焕发全新生命力。

据了解，结束上海站演出后，《决战之燎原》还将持续推进全国巡演计划，把属于岭南的粤韵江湖，带到更多城市的剧场舞台。

独家专访——

彭庆华：让粤剧在时代里自然生长

粤剧《决战之燎原》剧照。

跨界改编，找准作品面向的观众

南都：《决战之燎原》取材于网络游戏《剑网3》，在把游戏IP转化为粤剧舞台作品的时候，你们如何平衡原作IP设定和粤剧艺术本体？

彭庆华：在创作的时候，我们刻意避开一种简单的“配比思维”，不会机械划定传统粤剧占多少比重、游戏流行元素占多少份额，艺术创作不能提前给自己设置条条框框。粤剧本身200年来一直在生长变化，它不是定格在某一个年代的标本，每一个时代都会有属于这个时代的演绎方式。所以我们创作的第一步，不是纠结元素分配，而是先想清楚，这部戏演给谁看，我们的目标观众是谁。

这部戏的受众是多元的。第一类，就是《剑网3》的游戏玩家，这是我们破圈最重要的群体；其次是古风、二次元圈层的年轻爱好者，这部分群体平时很少走进戏曲剧场；当然我们绝对不能忽略陪伴剧团一路走来的老粤剧戏迷。我们希望一台戏，可以同时容纳这几类观众的审美期待。

确定了受众画像之后，我们再打磨故事、舞台节奏、音乐唱腔、视觉呈现。粤剧很多传统表达韵味醇厚，但部分表达对年轻新观众来说接受门槛偏高，我们要做的，是守住粤剧内核基因，再做艺术性转化，让年轻人第一眼愿意接纳，看得进去。

我们团队里面，既有本身就是游戏老玩家的主创，也有完全不玩网游的导演。但不管主创是否熟悉原作，接手这个题材，就要沉下心做足功课，吃透游戏世界观、人物性格，这就相当于戏曲行当里面的“体验生活”。

南都：在您看来，《决战之燎原》的创作初心是什么？

彭庆华：《决战之燎原》的“初心”不单是让平时不太有机会接触粤剧的年轻观众第一次认识粤剧，也不是单纯依靠新奇舞台特效博眼球，而是更多回归戏剧本身，回归粤剧本体，用粤剧自己的语言来讲武侠故事。剧本、唱腔、身段表演都经过漫长反复打磨。我们希望这部作品通过不断的打磨锤炼，能够不只让新观众“入门”、老观众喜欢，更能逐渐达到相对成熟的“大学生的水准”。我们在剧中投入的资源、思考的深度、对艺术的理解和热忱，也希望能通过艺术的方式传达到观众心里。这部戏，也承载着打造深圳粤剧文化名片的使命。

南都：李承恩是整部戏的灵魂人物，剧中“长枪独守大唐魂”深入人心，您是如何理解并且在粤剧舞台上塑造这个人物？

彭庆华：李承恩这个角色，和传统武侠故事主角有很大不同。传统武侠主角往往历经挫败，完成自我蜕变，拥有清晰的人物成长弧光。但李承恩不是这样，故事开篇，他的人格、信念已经完全成形，他要面对的，不是自我的成长，而是理想能不能实现的现实困境。

天策府覆灭，不是他个人的失败。他的坚守，会感召江湖各方人士。故事的重点，不是写一个人的蜕变，而是写一群人，在乱世变局之下的抉择。当李承恩个人力量走到尽头，他身上那份道义与信念，被江湖众人看见，于是大家主动聚拢到一起，为共同的家国大义并肩作战。变化的不是李承恩本人，而是被他感召而来的芸芸侠士。

剧中屋顶月下抒怀的段落，是我个人非常偏爱。夜深人静，四下无人，统帅卸下战场上坚硬外壳，独自面对长枪与月色，袒露内心的挣扎与牺牲的决心。作为军队统帅，他平时不能流露脆弱，只有这一刻，他得以和自我对话。这是粤剧很经典的“月下抒怀”的范式。这一段的打磨耗费巨大，导演即便身体不适，也陪着我一点点抠情绪停顿、身段幅度。高台之上既要完成表演，又不能单纯炫技，所有技巧全部服务人物心境，分寸很难拿捏。

粤剧《决战之燎原》剧照。

南都：剧中大量南派粤剧武戏，武打戏份很重，你们如何避免武打沦为单纯炫技？

彭庆华：武打编排的出发点永远是人物处境、人物情绪，而不是为了展示演员功夫有多厉害。我们不会硬性规定这里要多少南派招式，那里要用多少影视化打斗。动作编排完成之后，我们会反复回头打磨，让身段、招式贴合人物当下的心境。

李承恩的兵器气质，定位是内敛、游刃有余，不是张扬外放。譬如之前提到的“论战”段落，讲述李承恩在求援还是死守之间的内心挣扎，外部没有激烈搏杀，但整套身段全部化用剑术套路，边唱边舞，把内心的矛盾冲突外化出来。很多普通观众未必看得出来身段的来源，但可以感受到角色内心翻涌的情绪，这就是我们想要达成的效果。

整部戏排练最大的难点，反而不是主演的单人武戏，而是群戏。群武场面要兼顾每个人物性格，又要保持整体调度整齐统一。不少参演的青年演员来自粤剧院校，课堂学习是标准化训练，但本剧很多段落需要跟随新创旋律完成动作，需要重新训练，让年轻演员学会根据剧情情境，生成属于角色的表演。

另外，本剧戏服大量还原游戏原作铠甲，和传统粤剧戏服差别很大。厚重甲胄会限制关节活动，靴子重量也远大于传统戏曲高靴。为了兼顾游戏角色还原度和舞台动作可行性，每一套铠甲、披风，都经过无数次调试。我们不会简单直接舍弃传统技巧，而是把技巧内化进人物情绪之中，情绪到位，动作自然而然完成，而不是刻意准备好展示绝活。

粤剧《决战之燎原》剧照。

以戏为桥，探索戏曲破圈的真实路径

南都：这部戏大量使用多媒体、灯光、舞台特效，在科技赋能的同时，团队如何守住粤剧的根，避免技术盖过戏曲本体？

彭庆华：项目启动之初，我就和全体主创明确底线：这是一部粤剧，不是音乐剧，不是话剧，不是游戏影像秀。灯光、多媒体团队当中有不少是其他领域的顶尖专家，未必熟悉粤剧，但是所有人创作的核心，都要围绕粤剧本体展开。

我们的唱腔设计、剧本编剧，都是深耕粤剧新编创作的资深行家。音乐创作以中国五声音阶为基底，严格贴合粤语咬字。哪怕配器上融入游戏配乐、国风编曲思路，加入电声乐器丰富声场，把伴奏剥离之后，核心旋律、板腔、曲牌依旧是地道粤剧。屋顶《长枪独守》唱段中就部分化用传统粤曲《骂玉郎》，老戏迷一听就能识别曲牌，年轻观众只会觉得旋律优美，传统元素就这样自然融入新编故事，而不是生硬贴上去。

舞美、灯光、视频的整体方案，在排练之前就已经完成大体构思。进入排练场之后，再根据演员实际表演的情绪节奏，反过来调整视觉素材，是多部门协同的工业化创作。技术是烘托人物、渲染情绪的工具，而不是舞台的主角。演员的唱腔、表演、身段，才是舞台的核心。

南都：您和李嘉宜老师搭档多年，这次合作舞台上有什么难忘的火花？

彭庆华：我和嘉宜是同门，很早就在一起共事，现在两个人又都承担剧团管理工作，很多想法高度同频，舞台上很多调度，一个眼神就能够彼此领会，很有默契。去年广州演出的时候，屋顶段落临上场，我们临时构思了一个细节：她从高台上脚滑跌落，我上前搀扶并抱住她的腰，增加这样一个舞台动作，用来放大情绪，我们直接上台完成，现场反响非常好。舞台上这种临场的互相调整，是多年合作积累下来的难得默契。嘉宜唱做俱佳，舞台表现力很强，和她搭戏，总是不断会有新的期待。

南都：如今《决战之燎原》开启全国巡演，对于这部作品的破圈，您有哪些思考？

彭庆华：过去大家谈论戏曲破圈，更多停留在概念层面。《决战之燎原》提供了一种现实样本：戏曲破圈，不是简单蹭热点，而是要真正研究新观众的审美，用他们能够接纳的语言，讲好我们自己的故事。我们的目标，不是让游戏玩家彻底变成资深戏迷，也不是让老戏迷全盘接受流行文化，而是搭建一座桥梁，让不同圈层的人，愿意先坐下来，共同看完一台粤剧。

戏曲作品，艺术质量固然重要，但传播、平台、资源同样决定作品能够走多远。早年《决战天策府》取得很好票房，但当年并没有抓住时代机遇，把这种可能性延续扩大。到今天，我们希望借助全国巡演，抓住时代机遇，把这份可能性落地，把深圳原创粤剧带到更多城市。

我现在的身份，除舞台演员之外，还要承担剧团运营管理。从前我更多只需专注舞台表演；现在舞台上前进一步，脑子里同时要考量预算、落地可行性。这份现实阅历，反过来也滋养我的表演。李承恩作为统帅，不只是上阵冲锋，还要操心军备、后勤。现实当中的经历，让我更能够读懂统帅角色身上的负重，人物塑造也因此更加立体。

南都：对于粤剧未来的发展，您有什么样的期许？

彭庆华：粤剧的生命力，来自持续和观众双向交流，不断迭代生长。一部创新剧目，创作者只是完成一半，最终完整的舞台效果，是创作者和台下观众共同完成、彼此成就的。我们就像射箭的人，尽力打磨技术，瞄准目标，但是箭射出去之后，最终的回响，交给现场的观众。

全国巡演，对我们既是考验也是机遇。我们不奢求一部作品改变整个行业，但希望借着《决战之燎原》的脚步，让更多人看见：传统戏曲不是尘封的老古董，它可以讲述当代人共情的家国侠义。未来我们会继续坚持守正创新，扎根粤剧本体，面向广阔市场，让岭南粤韵，传遍大江南北。

采写：南都N视频记者 周佩文

图片由深圳粤剧团提供