百老汇主创揭秘经典的生命力：演了30年的《芝加哥》为何依然迷人？｜有艺思

封面新闻记者 边雪

舞台灯光亮起，演员踩着爵士节奏登场。黑色、金色与红色交织，舞步、音乐和台词将观众带入一个关于欲望、名利与犯罪的故事。10月29日晚，百老汇英文原版音乐剧《芝加哥》三十周年纪念版在中演·成都大剧院首演。

这部诞生于1996年的音乐剧，已经走过30年。它讲述的是20世纪20年代美国芝加哥，两个身陷囹圄的女性罗克西与维尔玛，如何借助律师比利·弗林和媒体炒作，将谋杀案件变成一场争夺公众注意力的表演。

在成都演出前，封面新闻记者采访了《芝加哥》主创团队。珍妮·菲茨帕特里克饰演妈妈莫顿，卢克·贾维斯是剧中群演，詹娜·罗宾逊则承担群演及舞蹈队长职责。三人从角色塑造、舞台训练聊到成都的美食与文化，也谈到一部音乐剧如何在不同国家、不同观众之间建立连接。

《芝加哥》主创团队在成都接受采访。

采访中，一个反复出现的关键词是“变化”。对于演员而言，重复演出并不意味着重复体验。对于《芝加哥》而言，30年也不是一个终点。经典音乐、标志性编舞和鲜明的人物之外，那些关于人性与名利的讽刺，仍在不断寻找新的观众。

一个强势的“妈妈”，如何掌控全场？

在《芝加哥》中，妈妈莫顿不是最早登场的人物，却是一个极具存在感的角色。

珍妮·菲茨帕特里克。

珍妮·菲茨帕特里克告诉封面新闻记者，妈妈莫顿大约在开场10分钟后登场。她的出现，意味着舞台气氛发生变化。“她是一个非常强大、有魅力的角色。”珍妮说。妈妈莫顿不仅拥有强势的气场，也能在其他女性角色之间建立自己的影响力。她掌控着场面，却并非始终严肃。“她有一点俏皮，这让角色变得非常有趣。”

这种反差，也是珍妮理解妈妈莫顿的重要入口。采访当天，珍妮身着融合中国传统元素的服装。主持人形容她像一位古代中国皇后，珍妮则笑着回应，自己在这套服装里也感受到了一种俏皮感。

舞台上的妈妈莫顿，同样不是一个单一的强势女性。在经典唱段《When You’re Good to Mama》中，宏大的现场音乐为角色建立起强烈的气场。珍妮认为，这首歌不仅让观众感受到欢乐，也让妈妈莫顿的自信与掌控力更加鲜明。

“观众会从这首歌中感受到她的力量，也会注意到她强大的性格。”不过，珍妮并不认为这首歌可以代表整部《芝加哥》。在她看来，每个角色都有自己的经典唱段。罗克西、维尔玛、阿莫斯，以及其他人物，都有各自的登场时刻。正是这些独立的人物与歌曲，共同构成了音乐剧的整体。

“每个角色都有自己的出场，也有自己的退场时刻。”珍妮说，在舞台上演绎妈妈莫顿，也在剧本创作中积累经验。作为编剧与演员，珍妮认为两种身份并不冲突，反而能够相互补充。

写作时，她需要关注人物、场景、情节结构，以及每一场戏希望传达的内容。进入舞台后，这些积累帮助她理解角色与其他人物之间的关系。

“成为一名编剧，让我成为更好的演员。”这种感悟，也延伸到她对妈妈莫顿的塑造。珍妮会尽可能掌握角色的背景，以及她与剧中其他人物的关系。她认为，妈妈莫顿可能是剧中与其他人物都有过交流的角色，因此在演唱《When You’re Good to Mama》时，需要把这些信息带入表演。

对她而言，角色并不是孤立存在的。一首歌、一段舞蹈，背后都需要人物关系与情节支撑。只有掌握更多背景，才能让舞台上的角色更加完整。

演了10年，舞台为什么仍然会发生变化？

詹娜·罗宾逊参与《芝加哥》已经近10年，她最初以替补演员身份加入剧组，需要学习剧中不同的表演技巧，包括群演舞段以及多个女性角色。后来，她逐渐承担更多角色覆盖工作，并担任舞蹈队长。

詹娜·罗宾逊。

这意味着，詹娜不仅要熟悉自己的舞蹈动作，还需要掌握整部剧的编舞，了解每一个动作、每一次转换，并确保舞台呈现保持完整。“作为舞蹈队长，需要学习剧中所有的舞蹈、每一个动作，并确保它们保持原有的完整性。”詹娜说。

但在她看来，《芝加哥》并不是一台只需要精准运行的机器。每次演出，演员组合可能发生变化。不同的演员带来不同的表演状态，也会让熟悉的舞段产生新的感受。“每一次演出，你都会学到新的东西。”詹娜告诉封面新闻记者，这部剧已经成为她生活的一部分。尤其是在成为母亲之后，她对剧中内容的理解发生了变化。

过去，詹娜可能更多关注技巧、动作与舞台呈现。如今，随着人生经历增加，她会从不同角度理解人物，也会对一些情节产生新的感受。

“在成为母亲之前和之后，演这部剧的感受是不一样的。”詹娜说。这种变化并不意味着作品本身发生了改变。詹娜认为，《芝加哥》之所以能够持续吸引演员回到舞台，恰恰在于它具有一种有机的生命力。每次演出，演员都在与不同的搭档、不同的舞台状态共同完成故事。

导演塔尼娅也会在每次重新排演时分享新的理解，让演员不断发现作品中尚未被充分挖掘的部分。对于卢克·贾维斯而言，舞台上的变化则更多来自临场应变。作为群演及替补演员，他需要熟悉不同角色的表演内容。在现场演出中，演员不仅要完成既定动作，也要保持对舞台变化的敏感。

“现场戏剧最有趣的地方，就是每一场演出都一样，但又不完全一样。”卢克说，音乐剧演员需要保持良好的身体和心理状态。舞台表演对体能、声音和专注度都有要求，演员需要通过训练、休息和日常调整，确保每晚都能以相对稳定的状态完成演出。

卢克·贾维斯。

卢克把《芝加哥》的舞台形容为一座不断运转的时钟，每个演员都是其中的一个齿轮，舞蹈、音乐与剧情需要持续推进。即使出现临时变化，也要尽可能保证故事完整。

这种对现场的要求，也让音乐剧与单纯的重复表演有所不同。在卢克看来，演员需要在保持整体节奏的同时，拥有一定的即兴发挥空间。正是这种变化，让每一场演出都具有独特性。

30年后，《芝加哥》为什么让观众共鸣？

记者注意到，《芝加哥》并不是一部只依靠音乐和舞蹈吸引观众的作品。它的故事线也极具张力：在20世纪20年代美国芝加哥，围绕谋杀案件、媒体炒作、名利追逐与司法审判等情景展开。

在珍妮看来，这些主题并没有随着时间流逝而失去意义。人性、欲望，以及人们如何面对公众关注，仍然是能够跨越文化背景的内容。詹娜则从音乐、舞蹈与舞台设计解释这部剧的全球吸引力，她曾随剧组在中国、欧洲、新西兰、南非和英国等地演出。不同国家的观众，能够从这部作品中找到各自的理解。

“它有一个非常有趣的故事，音乐也经得起时间考验。”詹娜说，即使在后台，她也不会对剧中的音乐感到厌倦。鲍勃·福斯标志性的编舞同样如此，这些舞蹈虽然经过设计，却并非完全静止。演员在演出中不断赋予它新的变化，让经典动作保持鲜活。

舞台上的现场乐队，也是《芝加哥》区别于许多音乐剧的重要特点。詹娜认为，乐队直接出现在舞台上，为观众带来了独特的观看体验。与此同时，剧中每个角色都有鲜明的个性，观众能够逐渐认识他们，而不是面对一个难以区分的群体。“每个角色都是独立的，有自己的特点。”詹娜说，这种人物设计，也让观众更容易建立情感连接。

不过，《芝加哥》并不是一部以沉浸式互动为主要特点的音乐剧。卢克告诉记者，演出主要在舞台上完成，演员不会大规模穿越观众席。部分角色会通过眼神、台词和舞台动作与前排观众建立联系，但真正的一对一交流，更多发生在演出结束之后。

10月29日，《芝加哥》演出团队与观众合照。

在剧院后台门口，演员与观众见面、交流，成为演出之外的一部分。“我们很喜欢在演出结束后与观众交流。”卢克说，自己也特别感谢成都观众的支持。在他看来，观众不仅在舞台上给予演员回应，也会在演出结束后分享自己的感受。

对于一部已经演出30年的音乐剧而言，这种连接同样重要。采访结束前，三位主创还体验了成都特色小吃。珍妮品尝钟水饺后评价“美味”，卢克尝试油茶，觉得味道有趣，詹娜则在蛋烘糕中发现了惊喜。采访现场，三位主创还学习了成都话“巴适”。从成都美食到舞台表演，这场采访也呈现了国际音乐剧与本地文化之间的另一种连接方式。

10月29日至11月1日，6场《芝加哥》三十周年纪念版正在成都上演。对于首次走进剧场的观众而言，它是一部关于音乐、舞蹈与人物的经典作品；对于熟悉它的剧迷而言，30年后的再次演绎，也可能带来新的理解。