艺术讲堂开讲！名家共话爆款秘诀，湾区文艺出海路径

11月1日，作为第六届粤港澳大湾区文化艺术节的重磅板块，艺术讲堂在深圳开讲。主讲堂以“从湾区到国际——东方叙事，全球回响”为主题，探讨湾区文艺从本土走向国际舞台的新成果、新路径、新机遇

活动集结来自全国的艺术名家、业界大咖，通过主旨演讲与圆桌对话，分享实践经验，激荡艺术新思。来自主承办方、广东及全国各省市宣传、文化、文旅、文联、广电等部门领导嘉宾、省内外文艺院团及剧场负责人，文艺业界专家学者、高校师生、文艺爱好者、媒体等近300名嘉宾和观众出席活动。

艺术名家、业界大咖齐聚。

第六届粤港澳大湾区文化艺术节由文化和旅游部、广东省人民政府、香港特别行政区政府、澳门特别行政区政府联合主办。

全球回响交流融合、坚持个性、汇聚资源形成鲜明创作特色

近年来，湾区文艺作品出海渐成声势，但本土创作如何跨文化获得共鸣与认可，政策、机制如何构建生态以托举更多作品迈向国际舞台，仍是创作者与行业需要持续探索的命题。

在此背景下，主讲堂特邀三位重磅嘉宾，他们的创作扎根中国土地，最终抵达不同国度，是东方叙事全球回响的代表性创作者。活动现场，他们以数十年深耕艺坛的思考与积淀，展开主旨演讲。

陈家泠以《还看今朝》为题发表主旨演讲。

著名画家、上海大学美术学院教授陈家泠以《还看今朝》为题发表主旨演讲。年近九旬，他依然保持着旺盛的创作热情，笑称退休后的自己成了“野生动物”，仿佛卸下了种种束缚，创作也随之进入“大爆发”阶段。从70岁至今，他已举办18场个人展览，而目前他在广东美术馆的个人大展，更是这一创作历程中的重要高潮。

对于文化艺术如何走向更广阔的天地，陈家泠用“湖、江、海”三个意象作了形象的比喻：湖代表地区性，江代表全国性，海则代表国际性。在他看来，文化的发展有其生长的次序：先在一方水土中扎根，形成鲜明的地域特色；继而汇聚不同地区的资源与力量，在更广阔的范围内交流融合；最终走向世界。

谈及广东与大湾区，在他看来，岭南文化历来具有先锋气质，敢于创新、勇于开拓，也始终保持着面向世界的开放姿态；海派文化则如海纳百川，善于吸收、汇聚来自不同地域的艺术资源。两种传统在交流与碰撞中相遇，既能彼此滋养，也有望催生新的艺术表达。

何冀平现场分享。

著名剧作家、中国文联全国委员、香港艺术发展局文学艺术顾问何冀平以《心随境转，情自心生》为题，分享自己的编剧创作生涯如何在两地文化之间找到融合，坚持个性。她提起“广州城、香港地、澳门街”，说大湾区语言文化一脉相承，中西文化很早就在这里融合。从北京人艺《天下第一楼》到定居香港，37年里，她靠中国传统文化打底，也接纳香港的商业化与快节奏。语言不通、文化差异，反而让两地文化滋养出她独有的风格，并打造了“何冀平现象”。

写历史剧，她主张“把握历史精神，不是写历史”。越剧《苏东坡》用十二个梦串起人物一生，落在“一点浩然气，千里快哉风”；《德龄与慈禧》把视角给两个差异极大的女人，以家事写国事，从人性角度重新演绎历史人物。她说：“文学为历史更新，笔下的人物突破局限，在遐想中飞越，才是笔者舒展之时。”

面对AI，她并不排斥，称“AI可以提醒，但不能替代”。舞台可以变幻多端，但不能用人工智能炫技，因为再大的投入和场面也掩盖不了剧本的硬伤。她还表示，写作是孤独的，原创是艰难的，剧本需要合作与支持，自己身在香港、身在大湾区，“在地、在场、在线”，愿与同行一起打造有长久生命力的作品，让大湾区成为文化盛事之都。

沈伟现场回顾了自己三十余年来在国内外的创作与探索。

“广东是我生命的最开始，也是我文化艺术的起点。”国际著名舞蹈家、编舞家、画家、导演沈伟以“从广东出发，回到广东”的个人艺术经历为切入点，回顾了自己三十余年来在国内外的创作与探索。他的艺术经历始终伴随着一个核心命题：如何在国际艺术语境中建立具有中国文化精神的当代表达？在他看来，大湾区不仅拥有成为国际文化艺术中心的条件，也需要在艺术创作、人才环境、教育体系和观众培育等方面建立长期而稳定的文化生态。

“什么是中国文化的精神？它的思想性在哪里？中国的魂在哪里？东方真正的韵律和审美在哪里？”沈伟认为，文化传播不能止步于让外国观众辨认出某些中国元素，而应当进一步呈现中国文化独特的思想方式、审美观念与生命价值观。只有深入理解这些内在精神，才能避免文化表达停留在表面化、符号化的层面。

沈伟指出，文化艺术的国际影响力不能依靠短期项目和单向输出，而要依托长期积累形成的创作能力、人才资源、审美体系与社会支持。只有建立完整而持续的生态，才能让优秀作品不断产生，让“作品出海”走向更深层次的“生态出海”、文化共创。

爆款秘诀语言是创作者的“玩具”追求“打死都不跟别人一样”

圆桌对谈现场。

圆桌对话环节，五位来自不同艺术领域的大咖创作者——音乐剧编剧、作词岑伟宗，舞台剧《繁花》三部曲导演马俊丰，广州市杂技艺术剧院艺术总监、肩上芭蕾创始人、《天鹅》故事原型吴正丹，中国青年舞蹈艺术家、编导、深圳当代舞团创始人兼艺术总监胡沈员，导演、编剧、《给阿嬷的情书》主演郑润奇，从各自创作经验出发，就跨文化表达、文艺出海建议等话题展开对谈。

五位嘉宾都拥有丰富的跨文化实践经验，他们的出圈代表作都带着鲜明的地方印记，而恰恰是这些地方印记鲜明的作品，能够跨越不同地域、不同文化背景获得广泛共鸣。

岑伟宗。

现象级粤语音乐剧《大状王》内地巡演票房火爆，特别是今年在上海连演20场，开票就售罄。许多观众表示已复刷多场，甚至为了该剧开始学习粤语。作为《大状王》作词人，岑伟宗笑着感慨，用粤语创作的音乐剧能够打动不说粤语的人，这件事于他而言十分奇妙。由此他体会到，以往创作者总想“走出去”，把作品送到别人面前。如今他有了不一样的理解，应跳脱地域概念，在“语言圈”内做好自己的创作，反而能吸引“语言圈”之外的观众主动“走进来”。谈及粤语歌词的创作秘诀，他形容语言是创作者的“玩具”，把语言特点“玩到最极端”，就会让观众忘记文化差异，全情投入作品当中。

马俊丰。

马俊丰是山西人，从深圳大学毕业后就读上海戏剧学院，最终成为“最懂上海的导演” 之一。此次马俊丰携其执导的舞台剧《繁花》三部曲参加第六届粤港澳大湾区艺术节，新设置香港商人的角色，让粤语与沪语同台碰撞。对戏剧创作持续多年探索与创新，马俊丰认为，创作者其实很简单，就是想做到其老师曾说过的“打死都不跟别人一样”。他如此比喻创新给观众带来的剧场体验，“就像吃到一样美食，你知道你是喜欢的，但你说不出来为什么，这就是创作的魅力。总有这样的人，引领大家往前走。”

从艺数十年来，吴正丹在全球30多个国家共计演出3000余场，让“肩上芭蕾”绽放国际舞台，以她为原型的杂技剧《天鹅》在海外巡演收获热烈反响。在她看来，立足杂技本体技艺来讲好故事，是作品打动海外观众的关键。东西方观众能够找到价值观的共鸣点，剧目无需额外文字介绍，观众就能读懂故事里中国人的励志精神与创造力量。她希望持续将中国审美、观点与独有的创意融入杂技本体，向世界传递不一样的中国文化表达。

吴正丹。

胡沈员长期致力于现代舞在中国的探索和发展，曾斩获美国Bessies（贝西奖）杰出演员奖、英国国家舞蹈奖双项提名等国际荣誉。他的作品《流浪》今年在圣彼得堡完成海外首演，胡沈员介绍，《流浪》脱胎于自己辗转不同城市生活、从舞者转型编导的“流浪”体验。他的生活和专业背景，让作品呈现出独特的质感，国内观众能从传统肢体看到富有当代性的表达，海外观众则能在当代表达中看见中国的文化元素。他也在国际交流中感受到，海外艺术界期待看见的，不是照搬西方体系的现代舞，“其实大家都是希望在彼此的作品中看见你的文化、你的土壤”。

潮汕方言电影《给阿嬷的情书》是今年国产电影的话题之作，全球总票房目前已突破21亿元，陆续登陆新加坡、马来西亚、澳大利亚等多个海外院线市场，掀起观影热潮。郑润奇介绍，《给阿嬷的情书》的灵感扎根于扎实的田野调研，团队采访了近300位华侨，收集到大量潮汕先辈下南洋的真实史料与口述故事。正是在海量素材的基础上，“阿嬷”这一故事雏形才浮现并打动了团队。在他看来，当作品的故事舞台足够大，方言就不会是创作的限制。

持续出海作品打磨、成本控制、平台助推慢慢成长，“没有那么多横空出世的天才”

除了分享各自爆款作品的成功经验之外，五位嘉宾也对如何保持创作力以及湾区文艺出海提出了自己的看法和建议。

胡沈员。

胡沈员表示，自己维持独特创作力的秘诀是“回到生活”。“我觉得艺术工作者就是舞台和生活中间的那座桥梁，我会觉得自己不能只生活在舞台，也不能只生活在原本的生活里面。”他提到，当下很多年轻编导喜欢开发身体技术，包括以前的他自己，但朋友提醒他，在观众的眼里可能差不太多，“因为他还是没有从你身体上看到与生活相关，与他的生命相关的连接”。

因此，胡沈员也更注重找到创作和生活、和观众的连接，会去做那些和舞蹈本身看似不相关的事情，“比如会到菜市场买菜，会到路边去看一看真正的生活在城市里是什么样子”。

郑润奇。

从自媒体短视频拍到票房破20亿的《给阿嬷的情书》，郑润奇也坦言，团队的整个班底是一点点累积成长的。他从更切实的角度给年轻人建议，要知道自己的优势在哪里，知道自己擅长做什么，控制成本，保证一个项目起码不亏损，才有后续的可能。“我觉得没有那么多横空出世的天才。其实我们也是一部一部拍，第一部拍完拍第二部，再拍第三部，才说运气好，第三部火了。”郑润奇说，“如果对电影有兴趣、想要拍电影的话，我一个真诚的建议就是从小成本做起，拍拍拍，然后慢慢成长学习。”

马俊丰则用一句他很喜欢的台词寄语当代年轻的创作者们：“出发是我的还乡，漂泊是我的家园。”“我觉得真诚地面对自己的困惑、自己的需求，面对自己对艺术的质感，不要去伪装，不要去盲目跟随，这样就能成为一个独特的艺术家。”

岑伟宗也从行业发展的角度提醒创作者，虽然创作是对自己负责，但是每一个演出其实都有一个公共的后果。“公共后果的意思是什么呢？就是观众看完了以后就会成为他人生的经验。可能影响到未来他对演出题材或者形式的期待。”他提醒，创作者不但要做自己热爱的事，把它做到极致，也要记住每个作品都会有影响同行的公共后果，观众对于艺术的期待需要大家共同维持。“要让观众相信每一次来都能看到好戏是一个过程，需要大家都要做最好的作品。”岑伟宗说。

从幕前转到幕后，吴正丹的身份也经常在演员与制作人以及艺术总监中进行切换。在她看来，自己的天花板还需要提高，她希望创作的作品更加有思想性、观赏性，同时也要有它的商业性。“因为一个作品无论走到国际还是在哪个舞台上，都需要有票房和市场，这样才更加有生命力。”她认为杂技剧种并非是舞台艺术的主流，所以要更考虑市场性。

吴正丹感慨，正是因为广东的开放和包容，《肩上芭蕾》才能够在这里诞生。她也希望粤港澳大湾区艺术节能成为一个帮助湾区文艺作品走向世界的平台，院团则更注重培养人才和打造作品。

统筹：贺蓓

执行统筹：钟欣 林经武 宋爽

采写：南都N视频记者 钟欣 朱蓉婷 余晓宇 许晓蕾 李行 汪雅云

视频：南都N视频记者 朱俊毅 林经武 杨杰 张驰

摄影：南都N视频记者 胡可