光影之下：数字艺术展馆生存考

从“打卡装置”到“文化基础设施”，数字艺术展馆的价值等待被重估。

7月的成都，白天气温逼近40摄氏度，东郊记忆却从早到晚人群熙攘。音乐演出、潮牌首店、街头咖啡与霓虹光影交织，这个由老工业遗址改造而来的非标商业项目，近两年已俨然成为成都的城市客厅，预计今年接待游客量将突破2000万人次。

然而，位于园区核心游览动线中段的ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆（原浪美术馆），却未必能同等分享这份喧嚣。

ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆场景之一：花园

这座5000多平方米的独立空间，是目前全国规模最大的沉浸式数字艺术美术馆，也是韩国数字设计公司d'strict帝视特在中国内地的首家常设展馆。今年6月推出了“PINK MOON”粉月主题展，同时，11个展区超过2/3的场景被替换，并首次引入韩国江原、丽水以及阿联酋迪拜三个海外展馆的作品。

但如此大动作的背后，是场馆进入第四个经营年度后不断加大的客流压力，场馆内原本用于丰富二次消费的美术商店，也因市场反馈未达预期暂时关闭重调。

一家占据天时地利、拥有顶尖技术装备的沉浸式数字艺术展馆，为何仍要向市场低头？这并非孤例，而是整个行业从“热启动”走向“冷思考”的缩影。

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中国数字艺术展馆生存掠影

从宏观数据看，中国美术馆事业仍在扩张。

文化和旅游部统计公报显示，2024年末全国共有公共美术馆723个，全年举办展览1.1万场，参观人次达7209.1万，同比增长15.9%；2025年末公共美术馆增至740个，参观人次达7886万，同比增长9.4%。这意味着，场馆数量的增长已经放缓，但单馆吸引观众的能力仍在提升，文化消费的人潮并未散去。

然而，热潮之下亦有分化。

公共美术馆依托财政拨款、藏品资源和标准化运营体系，具有稳定的生存基础；民营美术馆则要自负盈亏，灵活有余而根基脆弱。

截至2025年1月，全国民营美术馆约983家，2020年后新增221家，但据公开报道，其中仅3%—5%能够实现收支平衡，上海东一美术馆、深圳木星美术馆、青岛西海美术馆等知名机构相继停运或缩编便是一个缩影。

数字艺术展馆作为一种独立业态，本身还很年轻。

这一形态的先驱是日本的teamLab，一个于2001年在东京创立的跨学科艺术团队。2018年其与森大厦合作，在东京台场建立了世界首座专门的数字艺术美术馆，开馆首年即接待约230万人次，创下单一艺术家美术馆年度参观人数世界纪录。此后2019年进入中国，在上海、澳门、北京落地数字艺术展馆，并成为亚洲该领域的标杆。

ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆场景之一：巨鲸

成立于2004年的韩国d'strict于2020年在济州岛开设了其首家ARTE MUSEUM，并在之后的5年里迅速扩张，已经在韩国、中国、阿联酋、美国等地共落地了9家场馆，累计接待观众超过1000万人次。其中包括2023年在成都落地的中国唯一一家。

然而，作为行业标杆的teamLab，在中国市场已经走到了全线退场的境地。我们此前报道过【查看文章】，2019年11月开幕的上海无界美术馆于2024年2月闭馆，2022年底亮相的北京无相艺术空间在2025年3月闭馆，至此，teamLab在中国大陆已无常设项目在运营。

面对高昂的版权费和场地租金等硬成本支出，仅靠门票单一来源收入难以为继，同时，被当作“打卡项目”的定位导致的低复购率，成为teamLab在中国退场的主要原因。

这也折射出整个数字艺术展馆行业在中国面临的共性问题：商业模式和消费心智的鸿沟。

02

大众艺术消费的尴尬

ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆馆长刘君回忆起一个场景印象很深刻，一位成都当地的年轻妈妈带着孩子走到展馆外的检票口，出于好奇询问这是个什么空间。得知是数字美术展后，妈妈觉得“应该没什么意思，孩子估计不会感兴趣”，再看到一大一小168元的票价，便转身离开。

这让刘君感到很可惜。这168元，在成都可能连一顿火锅钱都不够，却成为很多人的一道心理门槛，在她看来，能有这样的机会让孩子感受数字艺术是非常值得的。

据了解，2025年全年，成都东郊记忆接待游客量超过1800万人次，超过一半为外地游客，人均消费为100元左右，ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆在2025年接待游客量为超40万人次，仅占到园区年客流的2.3%左右。

考虑到东郊记忆的消费高峰在夜间，ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆曾经尝试尽量延长闭馆时间，但当与酒吧、火锅、音乐现场等业态争夺游客的时间时，数字艺术展馆并不占优势。

根据中国社会状况综合调查（CSS）数据，在中国家庭消费中，文娱旅游类消费是各类消费中占比最小的，从2006年以来，该占比一直在1%-2%之间，2019年占比最高达到1.89%，2023年又回落到1.33%。而且以2023年的数据为例，中国有76.43%的家庭文化娱乐旅游支出为0。

更值得关注的是，与美国、英国、德国、日本几个国家相比，中国家庭在文娱消费上的支出占比是明显处于较低水平的，而与此形成鲜明对比的是，中国家庭的教育类支出占比明显高于以上这些国家。

所以，对于家庭客群来讲，数字美术馆到底是娱乐属性更强一些，还是教育属性更多一些，或许将直接影响他们的消费选择。这也是业界曾深入探讨过的一个本源性问题：美术馆数字化的目的，究竟是更深刻的文化体验，还是制造一次性的视觉消费？

一个残酷的事实是，数字艺术在大众认知中尚未被充分定义为“美育”：它不像钢琴课、美术培训班那样具有明确的“技能产出”，也不像博物馆文物那样具有“知识权威”。因此，即便家长愿意为孩子投入，也常常优先选择“看得见的收获”。

而如果将其更多地归类于文娱体验，对于多数家庭而言，168元的数字艺术展仍属于“非刚需”的精神消费。在替代选择极其丰富的今天，公园绿道、商圈乐园、短视频、游乐场、儿童绘本馆等都在分流家庭的文娱预算。

03

破界求变

值得期待的是，中国高校的数字艺术专业近几年迎来了扩张潮。

2024年，全国新增艺术类专业中“数字媒体艺术”13个、“艺术与科技”12个。全国开设数字媒体艺术本科专业的院校已有约412所，每年约有2.8万至3万人毕业；开设数字媒体艺术设计高职专科的院校有605所，年毕业生规模约3.6万至3.8万人。

这些毕业生主要流向数字文旅、沉浸式展览、影视动画、游戏、广告、交互设计、虚拟现实、AIGC内容生成、数字文创等领域。合理的推测是，中国下一步的发展中，这些行业有更多的机会，同时，专业人才供给的增加也将带动市场对相关消费业态更广泛的认知。

面对日益庞大的数字艺术专业学生群体，ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆也将目光投向了高校。目前，场馆已推出面向全日制在校生的学生票68元（成人票98元），今年毕业季期间，他们还推出39.9元的毕业生专属票，覆盖初高中、职高、中专、大专及本科毕业生。

这一策略背后，是ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆对“行业认知前置”的考量。刘君认为，这些学生正是数字艺术展馆最核心的潜在从业者和消费群体。“让他们走进场馆，不只是培养一位观众，更是让他们直观感受市场的水温，包括技术标准、空间叙事、观众反馈、运营逻辑等，这些是课堂里难以获得的现场感。”

一位数字媒体艺术专业的学生在课堂上能学习投影映射和沉浸式设计的原理，但只有站在5000多平米的真实展厅里，才能理解工程投影的色彩校准如何在巨幕上还原一片花瓣的渐变，才能感知声光协同如何影响观众的情绪节奏。

刘君也坦言，即便之前曾经打造过现象级的传播效果，但运营三年以来，已经出现严重的水土不服，亟需突破传统美术馆运营思维，他们将通过全方位创新尝试优化经营策略。

ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆场景之一：太阳

在场馆客群的定位上，他们也会逐步从聚焦艺术爱好者，转向覆盖全域游客群体，兼顾不同受众的审美与消费需求。“本次呈现的粉月盛典已是全新升级作品，未来场馆将积极拥抱各类优质IP，开展多品牌跨界联动，丰富内容业态与商业形态。”

左：杰作之光 右：色彩中国

其实，在2023年4月28日，ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆开馆时就做了一次有趣的尝试。他们将场馆的“花园”流动单元开放为联展平台，先后呈现《杰作之光》与《色彩中国》，一个是通过数字艺术诠释西方美术，一个是对中国传统经典文化的光影演绎，他们尝试打通“国际技术+本土文化”的在地化叙事。同时也是希望用IP流量和技术叙事降低数字艺术的“理解门槛”，让不熟悉数字艺术的观众也能因为一个已知的IP走进来。

一边着眼未来，培养未来的长期用户，一边面对当下，破圈跨界保业绩，对ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆来讲，这注定是一场长跑。

04

高品质与低成本之间寻找最优解

非常难得的是，面对压力，ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆没有选择在技术呈现上妥协。

据ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆技术总监蹇有才介绍，其核心投影设备来自巴可（Barco），因其产品的持久性、耐用性、色彩精准还原以及稳定运行无可替代，他们从展馆设计之初就坚定地选择了巴可。

ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆场景之一：浪漫闪电

据了解，大量沉浸式项目在开业初光鲜亮丽，半年后就会出现画面偏色、设备故障、维护断档，最终沦为一次性装置。而巴可能够确保项目全周期视觉表现一致。

成立于1934年的巴可，1985年进入中国市场，服务中国客户至今已有40余年。面对“十五五”规划明确提出大力发展服务业、培育文化旅游新增长点的政策窗口，巴可中国提出了“在中国，为中国，与中国共发展”的战略。如今，在中国无锡、苏州、北京昌平的三大生产研发基地面向全球提供服务，其中无锡生产研发中心年产能超2万台专业投影机，目标是建成巴可全球最大的专业投影机工厂。

同时，更值得关注的是巴可角色的转变。

巴可正从设备供应商转向文旅产业链的价值共创者。今年6月，巴可联合主办了“无界·共创——2026跨界设计生态大会”，将舞美、灯光、照明、室内设计、数字艺术、声学、智能化七大领域的专家汇聚一堂，围绕艺术、技术与设计的融合共生展开探讨。这种搭台而非营销的姿态，在硬件企业中并不多见。

对于一家技术设备服务商而言，愿意站到行业的高度去推动和探索，是难能可贵的。巴可在尝试打破“卖方—买方”的单一关系，转而与场馆运营方、艺术家、设计师共建一个可持续的沉浸式内容生态。

对于ARTE MUSEUM来讲，不仅要与巴可这样的技术伙伴共建硬件标准，更要在内容运营上持续迭代。然而，每一次内容迭代，对他们来讲，都是一笔不小的投入，为了有效降低成本，他们也在尝试跨界联动。

去年6月，场馆与BBC EARTH联合推出了《BBC EARTH极地生灵数字影像大展》，以《地球脉动II》《蓝色星球II》为创作蓝本，将极地生态、深海奇观与无垠草原搬进展厅。今年，ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆还与2026成都国际数字光影艺术大赛绑定，试图通过赛事、IP交流、国际艺术资源导入，实现场馆运营与赛事发展的双向赋能。

以巴可的顶级设备筑牢品质底线、让运营无后顾之忧，以跨界联动打破内容成本的线性增长、给用户常来常新的体验，在高品质与低成本之间，ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆在探索一条用长期主义铺出来的可持续路径。

05

美育的未来

从“光影打卡”到“价值认同”

ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆场景之一：动感写生簿

在ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆，有一个“动感写生簿”区域，人们可以将涂完色彩的动物扫描到屏幕上，这个动物会立刻跑进数字山谷中，孩子们那一双双盯着屏幕既惊喜又有成就感的眼神，让我印象深刻。这种体验强调的是想象力、即时反馈和沉浸感，恰恰是传统美术课堂难以提供的。

问题在于，如何把这份价值传递给家长。数字艺术展馆要做的，不仅是把画面做得更炫、更粉、更出片，更要建立清晰的美育叙事：它能为孩子带来什么？它与游戏、动画、短视频有什么本质不同？它的票价对应的是怎样的时间密度和情感体验？

数字艺术展馆的下一阶段竞争，将是“内容运营+社群运营+教育产品”的综合竞争。谁能把一次性游客变成会员、把打卡人群变成复购人群、把观展行为变成家庭美育习惯，谁才有可能在这个赛道活下来。

而这个过程中，技术伙伴的角色也在被重新定义。巴可这家拥有近百年技术积淀的企业愿意沉下心来，与行业共同探索标准、共建生态，本身就是对“高质量”最好的注解。

成都东郊记忆仍将继续热闹。ARTE MUSEUM成都国际数字艺术馆的焕新，是城市文化消费升级的一次勇敢尝试，也是数字艺术展馆在中国本土化过程中必须经历的阵痛。

当技术供应商不再只是卖设备，而是愿意与场馆、艺术家、教育者站在一起，共同回答“数字艺术如何真正融入中国人的文化生活”这道命题时，这个行业的未来才值得期待。

同时，只有当“168元”不再被拿来与一顿火锅比较，而是被视为一次值得的家庭美育投资时，数字艺术展馆才能真正开出属于这个市场的花。

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