上美影厂老厂区：更新后故事如何永流传？

城市更新走到今天，早已不是随便改改就能突围的赛道。按照规定动作进行物理空间改造，再辅以所谓的创新、活动、主理人，已经很难真正打动人、吸引人。除了开业时有限的引流，许多项目几乎是在市场上冒了个泡，便石沉大海。仅仅以城市更新之名，靠着新鲜感来营业，本质上是走进了一轮又一轮的死循环。比起按部就班的改造，更考验人的是提前谋划的眼光、随机应变的能力，还有引领市场的底气。

不久前完成厂区改造、重新对外开放的上美影厂，正处在这样的十字路口。

笔者实地走访时，开业初期的热闹早已散去。整个园区只有一条主路贯通，一眼望到底的直线路径，少了移步换景的趣味。园区的内容展示基本以墙绘、小型雕塑为主，以浪浪山小妖怪为线索串联起大闹天宫、黑猫警长、葫芦娃等经典角色，沿动线排布缺少叙事的灵动性；主建筑通体是干净的白色调，整洁有余却鲜活不足，和动画本该有的斑斓色彩、天马行空的想象力之间，仿佛隔着一堵无形的墙。

图源：Poinkos在旅行

从现有市场的角度来看，动画行业竞争始终激烈。如果在同赛道的横向比拼里难有新的突破，不妨换个思路，跳出同质化竞争的惯性，转向纵向深耕的方向寻求突围——这其实和经济学中的 “梯度理论” 不谋而合：立足自身已有的资源禀赋与能力基础，从低附加值环节逐步向高附加值领域攀升，从传统业态向创新形态升级，通过梯度式的跃升打开新的增长空间，实现从红海到蓝海的跨越。这对于上美影厂而言，可能是一条很值得探索的路径。

城市更新同样遵循这一逻辑。物理空间的翻新只是“横向”的改造，而真正能够穿越周期的，是“纵向”的内容深耕与体验升级——让空间承载故事，让故事链接情感，让情感转化为持续的消费与传播。物理空间的翻新只是外壳，内容体系的更新才是灵魂。

一、历史的高度：刻进几代人 DNA 里的经典

上美影厂的IP陪伴着几代人——尤其是80后群体——一起成长，是那个时代最好的见证。这样的口碑，这样的历史高度，在动画片领域是绝对的霸主。

《黑猫警长》中机智、勇敢的森林守护者，“请看下集”的定格画面，是无数人童年最深处的等待；《葫芦兄弟》里七兄弟各怀绝技、团结一心，其故事和角色是中国剪纸动画的杰出代表；《大闹天宫》更是将中国动画推至世界级高度，成为东方美学的视觉符号。

文化、智慧、经典——它们曾是几代人心中的灯塔。但不知不觉间，它们不知何时走丢了。万航渡路上的老厂，也陷入了沉寂。这种沉寂不仅是空间层面的，更是精神层面的——一个承载了集体记忆的场所，一旦失去了与当代生活的连接，就会从“文化地标”退化为“建筑遗存”。

而城市更新的核心使命，恰恰是让这样的空间重新开口说话。但让它开口说什么、怎么说、对谁说——这比拆改重建要难得多。

二、现实的困境：手握经典 IP该如何接住当下市场？

当我们提起上美影厂，除了《葫芦兄弟》《西游记》《黑猫警长》等经典IP，这些东西更多是存在于脑海与记忆之中，似乎没有更多现实的映照。用现代的话来说，就是缺乏周边和文创——没有能够承载IP、加深IP的实体，其延续性自然受到大大的挫折。

即使电影再好看，我们也不可能反复观看，观影次数一般以三次为上限。看完离场之后，最多是内心的感受，却未能通过痛包、手办、书签、玩具等实物固化下来。

与之形成鲜明对比的，是《哪吒》影片的大火。本文抛开它们成功的原因不谈，重点在于剖析影片大卖之后的一系列操作与市场巩固。

在《哪吒之魔童降世》（2019年7月26日上映）火爆之后，时隔六年，第二部《哪吒之魔童闹海》于2025年1月29日上映，实现总票房约154亿元（中国内地），成为中国影史首部破百亿影片、全球单一市场票房冠军，再次引爆市场。卡片、积木、盲盒等衍生产品风靡一时，展览、商场、网站随处可见。

石家庄街头的哪吒彩绘墙 图源：纵览新闻

当然，上美影也交出了自己的突破答卷。《浪浪山小妖怪》拿下中国内地约 17 亿元总票房，以仅 6500 万元的制作成本撬动数十倍市场回报，登顶中国影史国产二维动画票房榜，成为行业公认的 “小 IP、大共鸣” 标杆案例。它真正打破了年龄与性别的圈层边界，实现了全民向的观影共鸣：职场人从中读出日常的奔波与不甘，普通人能看见平凡生活里的光亮，不同处境、不同年纪的观众，都能在故事里找到自己的影子。

然而，《浪浪山小妖怪》仍然脱胎于《西游记》，是《西游记》在新时代新场景下的新生。这可以说是“吃老本”——并非负面的说辞，因为我们知道迪士尼从创造IP开始就一直在吃老本，始终围绕着核心IP运营。但二者的不同在于，除了动画片，迪士尼早已将重心拓展到了乐园和周边，实现了无国界、无年龄的超级模式。美国有加州迪士尼乐园度假区、华特迪士尼世界度假区；亚洲有东京迪士尼度假区、中国香港迪士尼乐园度假区、中国上海迪士尼度假区；欧洲有巴黎迪士尼乐园度假区。迪士尼成为了一种文化、一种现象、一种标签。

上海迪士尼乐园海报

从文化底蕴和国民情感基础来说，上美影无疑有着得天独厚的优势。只是在品牌定位落地、IP 长线运营的维度上，还有不少可以探索和进阶的空间。

国内同行里，华强方特的发展路径就很有参考意义。这家由军工业转型而来的民营企业，一步步构建起了“内容创作+主题乐园”的全产业链运营模式，业务既覆盖影视动漫等内容端的生产孵化，也延伸到主题公园的研发建造、运营管理等下游环节，把 IP 的价值从屏幕里拓展到了线下的沉浸式体验中。

图源：狗熊岭扛把子

所以说，市场一直都在，消费者也一直都存在，只是需要商家主动抛出橄榄枝。城市更新也是如此——空间本身不会自动产生吸引力，能够持续吸引人的，永远是空间里不断生长的新内容、新体验和新情感。

浪浪山的成功证明了另一件事：老本不但可以吃，而且可以吃得很有营养。问题在于，上美影厂需要建立一套从“吃老本”到“养新本”的循环机制——让经典成为土壤，而非天花板。而城市更新语境下，这套机制的落地载体，正是万航渡路所在的物理空间本身。

三、现状的破局：用 “三层梯度” 完成从红海到蓝海的跨越

某种程度上，上美影厂要超越的是曾经的自己，唯破方能立。上美影厂要勇于超越已有的成就，突破已有的禁锢，更加开放地去市场上捕捉机会，借助浪浪山的东风，了解现代人的生活、心理、情绪，借助于动画，表达当下的情绪和情感，真正地走入现代人的内心。

具体而言，梯度跨越可以从三个层面推进：

第一层：产品梯度——从“内容”到“体验”。 传统的动画片是线性的观看体验，而今天的消费者需要的是可进入、可互动、可分享的沉浸式体验。这不只是增加周边商品，而是将IP转化为空间语言——让观众走进动画的场景中，成为故事的一部分。

如可以在园区内设置AR导览，手机扫一扫墙绘即可触发动画角色的动态交互与语音解说，让原本静态的墙绘成为叙事入口，成本不高但趣味陡增。同时，可利用内部空间打造主题化的限时体验，让观众不再是旁观者，而是剧情推动者，如《大闹天宫》XR沉浸式展。

第二层：人群梯度——从“怀旧”到“圈层”。 80后的怀旧消费是基本盘，但不足以支撑长期增长。Z世代追求的是身份认同和社交货币。上美影需要将经典IP转化为符合当代审美的表达方式——无论是视觉风格的刷新，还是叙事主题的年轻化，都要让新一代觉得“这是我的故事”。

这不是要抛弃经典，而是要为经典寻找新的翻译官。对于怀旧客群，以固定展陈、经典放映、手稿特展满足其情感回溯，是空间的基本盘与情感底座；对于亲子家庭，以互动工作坊、动画原理体验（如手绘赛璐珞片、配音体验）打开儿童的好奇心，让家长愿意将这里视为“第二课堂”；对于Z世代打卡族，则需要高频更新的视觉装置、与潮牌联名的快闪店、可供二次创作的数字内容，让他们有内容可拍、有话题可传、有社群可晒；对于二次元圈层，可引入同人创作展、声优见面会、限定周边首发等垂类活动，将园区打造为国风动画爱好者的线下聚集地。四类人群不必同时满足，但要有节奏地交替运营，让不同人群在不同时间找到属于自己的到场理由。

图源：解放日报

第三层：空间梯度——从“厂区”到“场域”。 万航渡路的改造不仅是物理空间的翻新，更应是一个文化场域的再造。这个场域应当兼具创作生产、公共展示、社群互动、消费体验等多种功能，成为城市中一个持续生长的“文化发生地”，而非一次性的“网红打卡点”。只有当创作者、居民、访客在同一空间中产生交集，文化才不是展品，而是生活。

在这方面，一个值得参照的案例是东京的三鹰之森吉卜力美术馆。这座由宫崎骏亲自设计的动画主题美术馆，与上美影厂有着相似的起点——同样以经典动画IP为核心，同样依赖于创始人的艺术风格，同样面对“经典如何与当代持续对话”的命题。吉卜力没有常规的“禁止触摸”规则，核心理念是“美术馆的主角不是作品，而是参观者”；每日仅接待2400人，通过“稀缺感”维持体验品质与品牌溢价；空间设计处处埋藏叙事细节，让人步入其中便如同走进动画世界。这条“控制规模、深耕体验”的路，证明了经典IP不必走迪士尼式的全球扩张路径——小而美的“文化场域”同样可以穿越周期，前提是体验设计足够精致、不可替代。

四、崭新的起点：“美影源” 的落地只是开始

今年6月，承载着上美影辉煌历史的原厂址，历经整体改造与业态升级，在新时代焕发全新生机。上海美术电影制片厂将原厂址焕新升级为“美影源”园区，这是一个集动画创制、影视科技、文化消费一体化发展的动画产业生态园。

目前，包括“IP+AI智能硬件”合作、超高清内容实验室在内的多项产业项目，也已签约落地“美影源”园区，构建起涵盖优质内容孵化、AIGC创作制作、XR沉浸式体验的全周期个性化产业服务集群。这些布局，让“美影源”不再只是一个展示过去的博物馆，而是一个生产未来的实验室。

值得称赞的是，在展览方面亦有所动作。在“美影源”园区里，“帧·源——上美影‘中国动画学派’特展”展出了《大闹天宫》等经典动画的诞生过程和设计稿，百余件展品完整梳理了我国动画产业的发展历程。同步亮相的还有《大闹天宫》XR沉浸式体验展——佩戴VR头显后，骑上“天马”或坐上“龟背”，便可以第一视角亲身参与大闹天宫的经典剧情。从二维银幕到三维空间，从被动观看到主动参与，这不仅是技术的升级，更是城市文化空间中“叙事方式”的根本转变。

图源：青春上海

但欣喜之余，我们也不得不面对一些尚待回答的问题。从目前的园区呈现来看，厚重的历史积淀更多还集中在展厅的展陈之中，还没来得及渗透进园区的每一处日常角落。老厂房承载的几代人集体记忆，也还没完全转化成可触摸、可沉浸的空间感受。随处可见的墙绘、角色雕塑固然用心，但更多属于一次性的静态展示，缺少周期性更新的内容运营机制。游客第一次来打卡拍照之后，很难找到第二次到访的理由。多重因素叠加下来，展览的引流效应难以持续转化，园区的人流复购和消费闭环也还没完全跑通。整体而言，上美影深厚的历史家底，现阶段更多是被 “陈列” 出来，而非被 “体验” 出来 —— 这也是这次转型里，最值得我们一起探讨的成长空间。

在把静态 IP 变成动态体验这件事上，横店影视城的实践很有参考价值。2026 年 8 月，横店正式面向普通游客推出“单人短剧拍摄体验”项目，主打零门槛、快交付、带剧情的轻参与感：非专业游客也能在专业团队指导下，出演专属微短剧，题材覆盖宫斗、重生、武侠、谍战、民国等多种类型，还支持角色定制、剧情魔改、男女反串，部分场次还能和热门 NPC 搭戏，把传统的 “看景” 变成了 “入戏”。而上美影厂具有众多的IP形象，是否也可以让经典 IP 从屏幕里走出来，变成游客能亲身参与的故事，也让园区的亮点更鲜活、更有复访的吸引力。

图源：央视财经

五、真正的更新是让老故事一直长出新记忆

我们该如何唤醒记忆，又该如何链接现实，同时触碰未来？唤醒记忆所能吸引和挽留的，最多是80后群体。而我们真正需要的，是在传承的同时培养和吸引新的年轻一代。

看起来只是时间问题，深层次却是理念与运营的交锋。"啃老本"不是绝对的坏事，有底蕴才有底气。但要贴近潮流、看准长远，避开简单的嫁接，找到坚定而开放的方向。根深方能叶茂——对于上美影厂而言，根是那些穿越了时间依然闪光的故事，而叶，则是在城市更新的土壤中不断生长出来的新场景、新体验、新连接。

城市更新最终更新的不是房子，而是人与空间的关系。它也不只是空间的更新，而是时间感的再造——让过去不被遗忘，让未来值得期待。

图源：上海静安

“美影源”的下半场，考验的已经不再是如何讲好一个“老故事”，而是能否在城市更新的长周期里，建立起一套故事持续生产、体验持续迭代、社群持续生长的系统能力。这座城市需要的，不只是一个博物馆式的纪念地，而是一个真正"活着"的动画文化生态场——让创作发生，让对话发生，让新的记忆一层一层叠加在旧的记忆之上。而第一步，或许就从改造那条一眼望到底的路开始——让它变成一条可以反复走、每次都有新发现的“故事之路”。

当这一切发生时，那个“请看下集”的约定，才会真正被兑现——不是在一部电影的结尾，而是在一座城市的日常里。

原创作者：“上海城市更新”特约撰稿人 舒卓

责任编辑：胡珊毓

策划审核：夏 雨