【人物访谈】黄小珊 | 2026留声机国际音乐比赛管乐组评审、西安音乐学院单簧管副教授

黄小珊/Xiaoshan Huang

西安音乐学院单簧管副教授，硕士研究生导师

陕西省交响乐协会副秘书长

个人经历

西安音乐学院单簧管副教授，硕士研究生导师，西安音乐学院致公党党员，校党支部副主委，陕西省交响乐协会副秘书长，法国VANDOREN公司艺术顾问，法国BUFFET乐器公司青年艺术家。于1992年考入西安音乐学院附中。1994年荣获全国首届单簧管比赛少年组一等奖及中国作品演奏奖。1995年考入中央音乐学院附中。1996年参加第三届罗马尼亚国际青少年单簧管比赛（3rd Romanian International Youth Clarinet Competition）并取得第三名的成绩。2016香港国际职业青年单簧管比赛第二名。1998年考入中央音乐学院本科，2000年获得第八届欧洲音乐大赛（The 8th European Music Competition）单簧管二等奖。曾于中国师从于原西安音乐学院教师杨天翼，星海音乐学院管弦系主任，著名单簧管演奏家，教育家席伟泷、中央音乐学院教授、原中国文化部教育科技司司长、教育部艺术教育委员会委员、中国音协表演艺术委员会单簧管学会会长陶纯孝，三位老师。1998年赴法国留学,师从巴黎歌剧院首席演奏家,巴黎高等音乐学院老师Jean-Francois VERDIE。2001年考入法国巴黎高等师范音乐学院学习,师从法国著名单簧管大师Guy DANGAIN。于2005年毕业于CNR de Paris，获得硕士学位。教学期间带领学生参与各类国内外演出及比赛，如美国、德国、意大利等国的赛事，国内如香港国际青年职业单簧管比赛，中央音乐学院及上海音乐学院等专业院校组织的单簧管比赛，以及陕西省，广东省，四川省等地区组织的省级比赛，中国管乐网全国线上大赛等各类赛事并获得优异成绩，个人获得优秀指导教师奖若干。。在任期间曾多次受邀参加国内外各类艺术节及比赛并担任评委，如中央音乐学院国际单簧管艺术节，法国布菲杯国际青少年职业单簧管比赛等。

访谈录

（以下内容根据访谈整理。组委会简称Q，黄小珊简称A）

Q ：您国内先后师从杨天翼老师、席伟泷教授、陶纯孝教授，少年时期就在全国、国际赛事斩获大奖，之后远赴法国留学多年，跟随巴黎歌剧院首席Jean‑Francois VERDIE、Guy DANGAIN等法国单簧管大师深造。国内体系扎实的基础教育与法国的演奏教学，带给您哪些截然不同的艺术养分？

A：国内的学习给我打下了极其牢靠的技术地基。杨天翼老师、席伟泷教授、陶纯孝教授三位前辈，非常重视手指基本功、吐音、音准、节奏这些底层能力，要求严谨细致，不允许音符上有半点马虎，让我养成严谨对待乐谱、严谨对待练习的习惯，这是一辈子的财富。

去到法国之后，我感受到最大的不同，是教学更看重“人”和音乐本身。法国大师不会一味追求难度，他们会不断追问你：你想表达什么？这个乐句你听到了什么？Jean‑Francois VERDIE和Guy DANGAIN两位老师，特别强调音色的层次、呼吸的自然，讲究和乐团、室内乐的融合，不鼓励炫技式的独奏。国内教会我“把音吹对”，法国教会我“把音乐讲活”。二者不是对立，而是互补，扎实技术为音乐表达服务，音乐审美反过来指引技术练习，这也是我现在教学一直坚持的思路。

Q ：您少年时期就参加罗马尼亚国际青少年单簧管比赛、欧洲音乐大赛等国际赛事，如今身份转换，成为大量国内外赛事的评委。对比自己当年作为参赛选手，现在以评委视角看待青少年管乐赛事，心态和关注点发生了怎样的变化？

A：当年做选手的时候，我的全部注意力集中在自己身上：我有没有吹错音，速度够不够快，高音能不能稳定完成，心里更多是紧张、比拼，总想把最好的技术全部展示出来。

成为评委之后，视角彻底打开了。我不再只看难度和有没有失误，我更愿意看见孩子身上的潜力。有些孩子会出现小失误，但是音色有灵气、乐句有歌唱感，对音乐有自己的理解，我会格外欣赏；反过来，有的孩子音符零失误，但演奏没有情绪，只是机械完成乐谱，就会很可惜。

现在我看待比赛，不再是“分高下”，更多看成是青少年学习路上的一面镜子。比赛不只为拿奖项，是给孩子一个登台历练、看见同行、找到自身不足的机会。我更包容失误，更看重孩子的音乐天性，这是身份转变之后最大的心态变化。

Q ：作为法国VANDOREN弯德林艺术顾问、BUFFET布菲艺术家，深度参与国际管乐行业。乐器、笛头、哨片对于单簧管演奏至关重要，在您看来，对于青年学习者，应当如何理性看待乐器硬件与演奏技术二者之间的关系？

A：硬件是辅助，永远不能替代人本身的技术。好的乐器、笛头、哨片，可以放大你的优点，让演奏更省力，却无法弥补气息、嘴型、基本功的漏洞。很多学生会陷入误区，吹不好就第一时间换乐器、换哨片，不断追求更贵的设备，忽略每日长音、气息练习。

当然我们也不能完全否定硬件。不同阶段要匹配适合自己的装备，初学不用盲目追求顶级专业乐器；到中高级阶段，可以选择适配自己嘴型、音色审美的笛头与哨片。我常常跟学生讲：同样一套哨片，基本功扎实的人可以吹出丰富的音色，基本功薄弱，再好的哨片出来也是虚薄的声音。硬件是锦上添花，真正的核心，永远是你的嘴、你的气息、你的耳朵。

Q ：您现任西安音乐学院硕士生导师，培养大批学生考入法国、德国、美国、比利时、瑞士等海外知名音乐学院。在申请欧美顶尖音乐院校时，除演奏技术之外，您认为学生最需要具备哪些核心综合能力？

A：国外音乐学院招生，绝不只看你独奏吹得多难。第一是室内乐与重奏能力，欧美非常看重倾听与协作，很多院校考试直接设置重奏、乐团片段考核；第二是视奏能力，课堂排练、乐团排练每天都要面对陌生乐谱，视奏差会直接跟不上学习节奏；第三是独立研读作品的能力，需要自主查阅史料、研读总谱，理解作曲家时代背景，而不是只依靠老师给的处理；第四是音乐思辨，能够讲出来自己对作品的理解，而不是照搬录音；最后是语言能力，能听懂专业课，和教授、同学沟通，才能真正吸收海外的教学资源。技术是入场券，综合能力决定你在海外能走多远。

Q ：作为陕西省交响乐协会副秘书长，常年参与国内单簧管艺术节、各类管乐活动。结合您的观察，国内单簧管青少年学习如今的发展现状是什么，面临哪些机遇与现实挑战？

A：机遇非常喜人。现在学习单簧管的青少年数量大幅增长，乐器资源、线上大师课、各类艺术节、比赛越来越多，孩子接触国际资讯非常方便，很多地方中小学管乐团建设越来越好，学生可以拥有合奏平台。

同时挑战也客观存在。一部分学习者过度追逐比赛、追逐高难度曲目，忽视基础训练；社会教学水平参差不齐，部分老师重技术轻审美；很多孩子只练独奏，缺少重奏乐团排练机会；还有，我们本土单簧管作品的普及演奏，还有很大提升空间。另外，地区之间教育资源不均衡，西北地区相比一线城市，高水平线下交流机会还是相对有限。但整体来看，国内单簧管发展是向上的，只要找对学习路径，青少年的成长空间非常大。

Q ：回顾从附中、国际赛场、法国留学，回到国内高校教学的职业道路，演奏技术、音色审美、合奏素养、艺术思辨能力，您如何看待这几项能力对单簧管人才的权重关系？

A：演奏技术是底座，没有稳固技术，一切音乐表达无从谈起；但技术是工具，不是终点。其次是音色审美，单簧管这件乐器灵魂就是声音，审美决定你的演奏有没有温度。

合奏素养是很多人容易忽略的，哪怕立志做独奏家，合奏训练也会教会你倾听呼吸、理解声部，会极大丰富你对作品的理解。最高一层是艺术思辨，也就是独立思考，读懂乐谱、读懂时代，形成属于自己的表达，而不是复刻别人。

权重上，少年时期优先筑牢技术，同步建立音色审美；到本科、研究生阶段，要大幅加强合奏训练，重点培养艺术思辨。四者层层递进，缺一不可，只练技术会沦为机器，空有想法没有技术也无法落地。

Q ：在评审与教学当中经常发现，很多青少年一味追求高音、速度与炫技，却忽略单簧管最珍贵的歌唱音色。日常练习当中，应当如何平衡技术难度与音乐表达，充分发挥单簧管这件乐器的抒情特质？

A：我会要求学生，哪怕是练习技巧性段落，也要带着歌唱去练。不要把练习分成“技术片段”和“音乐片段”，每一行乐谱都有乐句、有呼吸。

很多学生练习时，快段落只练手指，慢段落才考虑音乐，这是误区。我的方法是，再难的华彩，先放慢速度，用长音思维吹，把每一个音的音色连贯起来，想好乐句走向，再逐步提速。选曲目也要量力而行，不要过早挑战远超自己驾驭能力的高难度作品。一首中等难度作品，如果音色动人、乐句完整，远比一首吹得磕磕绊绊的炫技作品更打动人。单簧管最动人的就是歌唱性，这是这件乐器与生俱来的魅力，不能为了技巧丢掉灵魂。

Q ：音准是单簧管演奏的一大难点，管乐受气息、嘴型、哨片状态影响很大，慢板段落尚可，快速跑动、大跳音程、高音区很容易出现音准偏移。结合您的教学经验，有哪些行之有效的训练方法，又要规避哪些练习误区？

A：音准训练首先要训练耳朵，不能只依赖调音器。长音练习，每个音稳住之后，脱离调音器，自己听和声泛音；可以练习大小调音阶、琶音、大跳音程，两个音来回跳转，仔细听音高变化，感受嘴型、气息细微调整。另外多做重奏练习，和钢琴、其他管乐一起练，在和声环境里训练耳朵，这比单独对着调音器效果好很多。高音区练习，切忌嘴部挤压，挤压嘴型会直接拉高音准。

要避开几个误区：第一，全程盯着调音器演奏，耳朵得不到锻炼，一离开机器音准就失控；第二，只练慢板音准，跳过快速音阶、大跳的音准训练；第三，音不准一味靠咬嘴去压，不去调整气息支撑。气息才是稳定音准最重要的武器。哨片也要提前筛选，不稳定的哨片，会凭空增加音准负担。

Q ：气息是单簧管演奏的根基，很多学生手指机能很好，但是气息支撑不足，音色虚薄、长音维持不稳。日常练习中，应当如何科学训练气息，获得稳定且富有层次变化的声音？

A：单簧管的气息不是蛮力吹气，而是有控制的持续支撑。日常长音是核心练习，不要追求吹得越长越好，重点追求声音均匀，从弱到强再到弱做渐强渐弱练习，一个长音里面做出音色层次。很多学生长音一味求时长，后面声音完全虚掉，这种练习是无效的。

平时可以做无声的呼吸练习，感受腰腹扩张，吸气不要抬肩膀，肩膀抬起来气息就浅了。演奏中，腰腹持续保持张力，不是一次性把气全部推出去。很多学生手指练得很勤快，却每天省略长音，本末倒置。音色虚薄，绝大多数问题根源不在嘴，而在气息。坚持每日定量长音，慢练，感受强弱变化，慢慢声音厚度和稳定性就会出来。

Q ：单簧管文献涵盖巴洛克、古典、法国浪漫派、俄派以及现当代作品，法国学派更是独树一帜。很多学生曲目视野相对局限。如何引导学生研读总谱，把握不同时代、不同学派的作品风格，建立属于自己的音乐理解？

A：首先不要只看单簧管独奏分谱，一定要看总谱。协奏曲里面，钢琴或者乐队是什么声部，伴奏的节奏、和声走向，直接决定独奏乐句怎么处理。演奏巴洛克，就要了解时代装饰音、呼吸句法；古典时期讲究克制均衡；法国浪漫追求柔美细腻的音色；俄派更浓烈厚重。

练习一首作品之前，先做功课：作曲家生平，作品创作年代，时代音乐审美。可以多听不同学派演奏家的录音，不止听一个版本。听完之后回到乐谱，对比乐谱标记和演奏家处理，分辨哪些是谱面要求，哪些是演奏家个人演绎。不能把某一份录音当成标准答案。大量接触不同时期作品，不要常年只练两三首比赛曲目，曲目积累多了，对风格的感知力自然就建立起来。

Q ：舞台紧张是参赛选手普遍的困扰，加上哨片、场地温湿度都会直接影响单簧管演奏，经常出现台下练习状态极佳，上台嘴型、气息失控。结合大量国内外舞台实战，对于选手赛前准备、日常模拟舞台训练与心态调节，您有哪些实用建议？

A：紧张是所有人都会有的，哪怕职业演奏家，上台也会紧张，完全消除紧张并不现实，我们要学会和紧张共处。

日常就要模拟舞台环境，不要只在琴房安静练习。可以给家人、同学演奏，站着完整演奏全曲，不中断、不纠错，复刻赛场状态，习惯被人聆听的压力。赛前一定要筛选、多准备几片状态稳定的哨片，提前到赛场场地试吹，适应温度湿度，乐器提前调试。

心理上，不要把目标定为“零失误”，目标改为完整表达音乐。越害怕错音，越容易出错。上台前做缓慢深呼吸，把注意力放在乐句、呼吸，不要放在“我会不会吹错”。就算台上出现失误，不要慌乱停顿，继续顺着音乐往下走。赛场评委更看重整体音乐呈现，一处小失误，不会全盘否定你的演奏。

Q ：如今网络音频、各类大师演奏范本非常容易获取，不少学生直接照搬录音的速度、表情处理。我们该如何引导学生，以乐谱为本，参考版本但不盲从，完成属于自己的二度创作？

A：录音是参考，不是标准答案。我会建议学生，拿到新作品，先看乐谱，读谱，把作曲家标记的力度、速度、表情记号全部吃透，先形成自己初步的构想，再去听录音，而不是上来就反复播放大师版本，模仿所有细节。

不同演奏家所处时代、审美、乐器条件不一样，同样一首作品处理本就各不相同。听完录音要学会分辨：哪些内容是乐谱上明确写出来的，哪些是演奏家个人的即兴处理。可以吸收别人的优点，但是不能全盘复制。乐谱是第一位，二度创作建立在尊重原作的基础之上。一味照搬录音，你的演奏就没有自己的灵魂。

Q ：单簧管的颤音是塑造情绪的重要手段，不少学习者全程保持一模一样的颤音频率幅度。面对不同情绪、不同流派作品，颤音的速度、幅度应当如何做出层次变化？

A：颤音是表达情绪的工具，不是每一个音都必须加一模一样的颤音。巴洛克很多段落，少用甚至不用颤音；古典时期颤音克制内敛；法国浪漫派柔美，颤音幅度适中；俄派悲情热烈段落，颤音幅度可以更大。

安静忧伤的乐句，颤音慢、幅度柔和；情绪激昂高潮段落，可以适度加宽加快颤音；快速的技术段落，不要叠加很重的颤音，会扰乱清晰度。很多学生从头至尾颤音频率不变，所有乐句听感千篇一律。练习的时候，可以刻意练习不同速度幅度的颤音，根据乐句的情绪，灵活切换，让颤音服务音乐，而不是变成固定习惯。

Q ：很多单簧管学习者只练习独奏曲目，缺少交响乐团、管乐重奏的排练经验。乐团与重奏训练，能够弥补独奏学生哪些短板，又如何反哺独奏演奏？

A：只练独奏的学生，很容易只会突出自我，缺少倾听的耳朵。重奏乐团会教会你听别人的声部，懂得平衡音量，懂得跟随集体呼吸，读懂总谱和声，训练你的节奏稳定性。很多孩子琴房独奏节奏自由随性，一进乐团就跟不上。

合奏训练会反过来滋养独奏。当你听过乐团各个声部，演奏协奏曲的时候，你就明白乐队在说什么，你的独奏乐句就懂得呼应、对话，而不是只顾自己演奏。乐团片段还会训练视奏、快速读谱能力。哪怕未来立志做独奏家，重奏、乐团的训练，也是必不可少的，会让你的音乐理解更加完整丰满。

Q ：西方单簧管作品宝库十分丰厚，国内也诞生不少优秀中国作品。在演绎中国题材作品时，如何把民族音乐独有的润腔、呼吸、歌唱气韵融入单簧管这件西洋管乐？

A：演奏中国作品，不能完全照搬西方演奏逻辑。首先要多听民族声乐、民族器乐，感受我们民族音乐独有的滑音、润腔、语气，模仿人声歌唱的感觉。西洋乐器的技巧框架保留，但呼吸句法要向民族音乐靠拢。

中国音乐讲究留白，讲究气韵，不是一味追求饱满响亮。很多装饰音、滑音不能吹得生硬，要有婉转的韵味。同时不能为了模仿民族音色，破坏乐器本身正常发声。要做到乐器技术与民族韵味融合，用单簧管这件西洋乐器，讲好我们本民族的音乐语言。我也鼓励学生多演奏中国作品，这是属于我们非常珍贵的曲目宝库。

Q ：教学当中常会遇到两类学生：一类基本功扎实，音符完成度高，但音乐表达缺少个性；另一类音乐感受丰富，但是气息、嘴型等技术体系存在漏洞。面对这两类学生，您分别如何引导？

A：我常遇到这两类学生，引导方式完全不同。对基本功扎实但表达缺个性的学生，我会先肯定他们的严谨，再“撬开”他们的想象。让他们多听声乐、弦乐和不同学派版本，提问式引导：“这里你想让听众感受到什么？”鼓励他们先大胆做音乐上的夸张，哪怕过火，再慢慢收敛。这类学生往往怕“错”，要帮他们建立“有个性但合理”的安全感。

对乐感好但技术有漏洞的学生，我从不打压热情，而是用音乐需求倒逼技术。比如他想要一个绵长的渐弱，我会说：“要完成这个，气息支撑必须再深、再稳。”把技术问题嵌入他喜欢的乐句里，让他主动想解决。同时挑出关键漏洞，设计针对性小练习，录音回听，让他自己意识到“这里声音紧了，所以音乐断了”。保护乐感，补上技术，两者才能匹配。总之，技术是舟，音乐是水，缺一不可。

Q ：除每日乐器练习之外，您建议单簧管青少年学习者，还可以通过哪些方式提升综合音乐素养，例如总谱阅读、聆听交响乐、重奏排练、音乐史学习？

A：我常跟学生说，乐器练习只是学音乐的一部分，耳朵和脑子也要一起练。首先，多听交响乐和室内乐，但别当背景音乐，最好带着总谱听，看指挥怎么处理声部，听单簧管什么时候出来、和谁对话。其次，尽量参加重奏和管乐团，在合作中练听觉、节奏和平衡，这是一个人关在琴房得不到的。第三，学点音乐史和曲式，知道莫扎特时代的句法和德彪西时代为什么不一样，演奏才有依据。第四，多听声乐和弦乐作品，模仿歌唱家的呼吸、弦乐的弓法，对单簧管的歌唱性特别有帮助。第五，有条件的话摸一点钢琴，哪怕只会基础和声，也能帮你理解作品全貌。这些事情其实都在帮孩子建立音乐大脑，最终都会回到乐器上，让演奏更有底气。

Q ：本次担任留声机国际比赛管乐（单簧管）组评委，结合国际参赛经历、法国留学、高校硕导教学、乐器品牌艺术顾问多重身份。在您看来，面向青少年的国际管乐赛事，真正的价值体现在哪里？

A：作为评委，我更看重孩子赛后眼里的光。国际赛事真正的价值，在于让孩子跳出日常考级和琴房练习的框架，真正面对音乐本身。它像一面镜子，照出技术之外的很多东西：台风、心理素质、对作品的理解，还有面对不同文化背景选手时的自我定位。很多孩子第一次在国际舞台听到同龄人吹出完全不同的音色和句法，那种触动比老师讲一百遍都管用。备赛过程也逼着学生把一首曲子磨到极致，这种深度打磨的习惯会受益终身。哪怕忘谱、失误，也都是宝贵的抗压训练。所以我不太在意名次，而是看孩子赛后有没有更清楚自己是谁、想往哪里走。这份自我认知，才是国际舞台最难得的馈赠。

Q ：在评审单簧管参赛选手时，您重点关注哪些评判维度：音准、节奏、气息支撑、音色品质、吐音清晰度、时代风格把握、乐句歌唱性、音乐诠释、舞台状态；重奏组别额外关注互相倾听、声部平衡、团队呼吸默契。对于备赛参赛选手，您有哪些打磨作品与心理建设方面的建议？

A：我坐在台下最先感受到的不是技巧，而是声音的“质感”——音色是否松弛、集中，气息有没有真正沉下去。音准和节奏是底线，但很多选手一紧张就容易赶拍、音准偏高，所以我会特别留意稳定性。接下来看音乐有没有说服力：句法是否清晰，风格是否准确，尤其在古典和浪漫派里，装饰音、弹性速度的分寸感很见修养。吐音不能只求快，要有方向和乐句感。重奏时我更看重他们是否在用耳朵演奏，能否互相让位、共同呼吸，这比个人炫技更重要。

备赛上，我建议选手别只埋头练独奏，多和伴奏合排，录下来听整体平衡与音准。心理方面，把比赛当成一次公开课或分享会，别把评委当“审判者”。赛前一周减少无效重复，多想象音乐画面，保持新鲜感。上台前深呼吸，告诉自己“我是来传达音乐的”，这样反而更稳。

Q ：请为本次留声机国际比赛单簧管组全体参赛选手，以及全国广大单簧管青少年学习者送上寄语。

A：我想对这次参加留声机国际比赛的单簧管选手们说：舞台上的几分钟，背后是无数个日复一日的长音、音阶和与乐句较劲的夜晚。请相信，你们已经准备好了。别把评委当成打分机器，把我们当成第一批听众，把音乐里最打动你的部分坦诚地吹出来。失误不可怕，失去表达的勇气才可惜。对全国广大的单簧管青少年学习者，我更想说：别急着成为“别人家的孩子”。多听一次现场，多感受一个乐句的起伏，多和伙伴排一次重奏，这些看似平常的瞬间，才是音乐真正在心里生根的时候。技术会随着时间成熟，但那份对声音最初的好奇与喜爱，请一定好好保护。

愿你们在音乐里，始终遇见更真实、更自由的自己。