对话郑光旭丨守鲁艺根脉，创时代新篇

日前，鲁迅美术学院迎来新院长——此前担任副院长的郑光旭正式就任院长。国庆前夕，郑光旭接受《团结报·艺术专刊》专访，回溯从列宾美院求学归国的艺术求索之路。访谈中，他追忆恩师教诲，剖析俄罗斯现实主义与中国写意精神相融的创作路径，复盘二十载创作由“学”入“融”再至“化”的蜕变历程；立足鲁美办学实际，阐释习近平文化思想指引下艺术教育的内核要义，解读鲁艺红色根脉与新时代“以人民为中心”创作导向的内在联结，围绕学科建设、人才评价改革、高等美术教育瓶颈等议题，提出“守鲁艺根脉，创时代新篇”的发展命题，勾画鲁美追求“不可替代”的未来图景。寄语青年创作者守真诚、扎生活、立大志，以笔墨传递真善美，为新时代美术教育发展、文艺创作繁荣带来深刻启示。专访全文如下。

——编者按

谈留学积淀与现实主义创作：

把艺术当成生命，走中西融通的现实主义道路

《团结报·艺术专刊》：您2005年公派赴列宾美术学院深造，师从叶列梅耶夫教授，毕业作品《西藏组画》获得了学院最高奖。回顾那段岁月，最大的收获是什么？

郑光旭：我最大的收获是——真正明白了什么叫“把艺术当成生命”。留学前，我一直在长春从事水彩、油画的教学与创作。2005年被国家留学基金委公派留学圣彼得堡列宾美术学院。在列宾美院与恩师叶列梅耶夫教授的相遇，彻底改变了我的人生。叶老当时已经八十多岁，仍然坚持每天工作至少八个小时，读书领域涉猎广泛，除了艺术类还有俄罗斯诗歌、小说、童话等文学作品。我紧随他的脚步，尽力记录他的观点和言谈，保存了大量珍贵的笔记。

归国后，我把跟叶老所学的宝贵笔记和学习感悟，整理成为一本书——《点画砌构》，这是钟涵先生的赐名，非常贴切；因为跟随叶老所学习传承的绘画艺术风格，点画色彩冷暖交替，融汇砌造多元构成。那段宝贵的学习时光让我明白，要想成为真正的艺术家，最重要的就是热爱，要把艺术当成生命。

在列宾美院的三年，收获很大：我第一个破格升入列宾美院油画系攻读硕士研究生，是十多年来唯一获得列宾美院学院奖的外国人，也是入选了俄罗斯国际双年展的中国画家，2007年还在多位老师的力荐下在列宾美院举办了个人展览。这些都离不开叶老教会我的三件事：第一是创作态度——每天要坚持工作，像吃饭喝水一样热爱绘画；第二是治学态度——做学问要较真、要刨根问底；第三是做人态度——要秉持善良、真诚、无私的品质。

这不仅是我最大的收获，也是我至今仍珍视的宝贵准则。

《团结报·艺术专刊》：叶列梅耶夫先生强调“画家应承担起社会责任，艺术创作要真实地反映生活本质”。这一教诲在您后来的创作中是如何体现的？

郑光旭：叶老的理念对我影响至今。2008年藏历新年，我走进藏区跟牧民同吃同住，以纯粹的感动完成了很多写生工作，后来创作出《西藏组画》作为毕业作品。那批作品呈现的是藏族同胞真实的生活状态——他们的眼神、他们的劳作、他们的信仰。叶老很满意，认为表现出了非同寻常的执着。这批创作是典型的例证：不靠照片，不靠想象，到生活里去，面对面地感受，一笔一笔画出来。

郑光旭毕业作品《西藏组画》之一《南杰卓玛和她的孩子们》

现实主义创作，是我对叶老艺术理念的传承，更是自己坚守的艺术方向；优秀的现实主义创作从来不是为了自娱自乐。好的作品要让人思考，要传递真善美，要回应时代。比如历史题材作品《晋察冀烽火》，是首届国家艺术基金创作项目，我深知这件作品是要给人民大众看的，是为了传达在苦难中不屈的精神、在平凡中伟大的力量。这些宝贵的精神，值得用画笔去记录、发扬、留存。叶老说过，绘画的目的不在于复制自然，而在于表现自然。我理解的表现，就是画家用真诚的心去感受生活，然后用作品架起一座桥，让观者通过这座桥去感受真实、体验美好、思考时代。这应该就是画家所应承担的社会责任。

郑光旭《阳光下的女孩》2008年

郑光旭《新年的祭拜》2008年

谈中西艺术的融会转化：

一画为本，无问东西

《团结报·艺术专刊》：您曾谈到石涛《苦瓜和尚画语录》中“一画者，众有之本，万象之根”对您的深刻影响。从俄罗斯现实主义传统到中国写意精神的融合，您如何描述自己艺术风格的形成路径？有没有某一幅作品或某一次创作经历，让您真切感受到这种融合的突破？

郑光旭：一名画家的艺术风格路径，是慢慢走出来的。

我在列宾美院跟随叶老所学，是自科罗温、约干松到叶列梅耶夫一脉相承与发展出来的马赛克色彩镶嵌体系——讲究色彩的冷暖对比、笔触之间的交响关系。但作为中国人，骨子里也蕴含着东方审美的基因。回国之后，我在写生与创作中逐渐明白：用油画颜料画中国风景，只是换了题材，材料不同，美学原理是殊途同归的；我真正要做的是让两种美学体系在画布上不断碰撞，探寻本质，找到真正符合原理的“一画”之道。

石涛说“一画者，众有之本，万象之根”，意思是这一笔下去要有天地万物的气韵。我从俄罗斯学到的是科学的观察方法——约翰松说绘画的本质是画区别，通过冷暖、明暗的对比来塑造形象。中国画论讲的是气韵生动、骨法用笔，强调线条本身的审美价值和意境营造。我的创作一直在探寻这两者的完美融合。

郑光旭《阳光下的白桦》2019年

谈到突破，不是某一幅作品顿悟，而是一个逐渐思考和领悟的过程。我画雪景比较多，比如《冬日白桦》《小河边的白桦》等——俄罗斯的雪景传统重色彩冷暖，讲究在白色中找微妙的色差；中国画对雪的处理重意境、重留白。我在画的时候，既用西方的色彩观察去捕捉雪地上的冷暖变化，又用中国式的写意笔法去表现那种空灵与静谧。无论是王仲先生所评“深得老师真传”，还是吴为山先生所评“融西方技艺于东方诗情画意”——其实这就是我一直追求的那条路：以西方油画的色彩科学做骨架，以中国写意的精神意境做灵魂，一画为本，无问东西。

郑光旭《南杰卓玛》2013年

郑光旭《新年歌声稿图》2024年

《团结报·艺术专刊》：2025年举办的“时序有光”油画作品展，精选了您留学归国二十年的80余幅作品，以“春、夏、秋、冬”为序。回看这二十年，您觉得自己的创作经历了哪些重要的阶段性变化？

郑光旭：首先，“时序有光”这个展名我很钟爱。二十年的创作以四季为序，不是刻意安排——我是一位写生画家，我的写生确实在跟着自然的节奏走，跟着生活的节奏走。

重要的阶段大致有三。第一阶段是学。刚留学回国的几年，脑子里全是俄罗斯的原理构架——色彩怎么用、笔触怎么摆、构图怎么安排。画得很认真，但还是在学中摸索，属于入门的阶段。

第二阶段是融。随着写生与创作，我发现，西方油画的体系不能机械地往中国题材上照搬。我开始自觉思考：怎么在油画语言里融入中国人的审美感受。范迪安先生曾评价我作品的色感是一种超越了观与看的色彩感性——我想就是这个道理。画家不只用眼睛看颜色，而是用心去感受颜色。足够优秀的画面里不仅有光色而且有情感，得能把景色中的境界提炼出具有诗意的美感——这是我在第二阶段“融”的重要收获。

第三阶段是化。近些年我的创作中不再强调是俄罗斯的还是中国的，好的画家，下笔就是自己。我画《晒佛》小稿的时候，用俯瞰视角把蜿蜒的人群处理成流动的色带——这种形式创新既源于我对色彩交响形式的把握，也暗合了中国画经营位置的布局理念。正如德米特连科先生所说：画家可以准确地感受地域色彩——这不但存在于绘画调色中，更见于创造出非同一般的所见事物的氛围。

从学，到融，到化，这二十年，就是我从学别人到找到自己的过程。

郑光旭《冬日白桦》

郑光旭《农家院》

谈理论著述对创作的反哺：

理论是实践的镜子

《团结报·艺术专刊》：您先后出版了《点画砌构——向列宾美术学院叶列梅耶夫教授学油画》和《构图艺术》。作为一位创作实践者，为什么如此重视理论著述？理论写作对您的创作产生了什么反哺作用？

郑光旭：很多人问过我：一位画家为什么花那么多精力写书？

其实这与我的创作理念是相辅相成的——理论是创作中的原理体系，是实践的镜子，没有这面镜子，就没有准绳和客观视角，就无法看清和判断自己画的是好是坏。我的每一本理论著述都与每个阶段所关注与研究的创作原理有关。

在列宾美院的时候，叶老的言传身教让我受益匪浅，每天记录大量笔记。回国后整理出版《点画砌构》，初心就是要让好的创作理念被更多人看到。王仲先生说这本书把叶列梅耶夫关于色彩、构图、创作、技法等方方面面所讲的东西系统地介绍到国内，很有学术研究价值。中央美院李天祥教授认为这本书让油画艺术有了具体可感的样式和参照精神。这都让我很受鼓舞，同时也让我有了更多信心去持续研究与探究这些原理性的内容。

后来出版的《构图艺术》，是因为我在教学和创作中发现，国内在构图研究上缺一本既讲原理又能指导实践的书。我整整花了十一年时间，以大量实践经验印证理论体系，形成理论可参照、案例可比较的文本。这本书入选了国家社科基金项目，并在2023年出版。

理论写作对我的创作反哺影响深远。第一，只有写清楚，才能画清楚。把构图的整体性法则、对比法则、创新法则一条条梳理出来以后，我再看自己的画，哪里松散、哪里不到位，一目了然。第二，有理论定力，才不会走错路。当代艺术界各种思潮交织，没有理论定力就容易跟风。写完了《构图艺术》，我对整体性法则有了更深理解——画面上的所有元素都应当相互联系、相互依存，服从画家的统一意志，多一分则余、少一分则亏。这个认识直接提升了我的创作质量。第三，理论著述能帮助更多人。我不断地从实践中感知艺术原理，又在著作里清晰地呈现艺术创作的脉络——这正是我一直想做的，让艺术的规律被更多人掌握。

谈新时代艺术教育的价值遵循：

艺术性与思想性必须辩证统一

《团结报·艺术专刊》：您曾明确提出艺术专业博士培养必须深入学习贯彻习近平文化思想。在您看来，习近平文化思想对艺术教育和艺术创作最核心的指引是什么？

郑光旭：习近平文化思想对艺术教育和艺术创作最核心的指引，可以归纳为三个方面：以人民为中心的根本立场、守正创新的方法路径、精品力作的价值标准。

第一是以人民为中心。习近平总书记强调，文艺创作最根本、最关键、最牢靠的办法是扎根人民、扎根生活。在艺术教育中，意味着我们不能只教技法，要让学生真正理解“人民”二字的重量——走进田野、走进工厂、走进社区，去感受有血有肉的生命，去体验真实质朴的情感。我在中国艺术研究院研究生院主持教改时，大力推动建立实践教学基地，组织学生深入生活，就是这个道理。思政不是外加的任务，它是创作的底色，要春风化雨、润物无声地融在每一次写生、每一张草图里。

第二是守正创新。习近平总书记提出要努力提高文化原创力、推出更多精品力作。守正是守住中华优秀传统文化、革命文化和社会主义先进文化的根脉；创新是在这个基础上进行创造性转化和创新性发展。我在《创新是绘画创作的首要问题》一文中强调过，创新不是为了创新而创新，盲目模仿西方流派那不叫创新。真正的创新，是立足于中国文化土壤，在继承传统的基础上融会贯通。

第三是精品力作的标准——思想精深、艺术精湛、制作精良。这给艺术创作和教育指明了方向：不能只堆技术不讲思想，不能只要形式不要内容。艺术性与思想性必须辩证统一，才能产生真正的好作品。

《团结报·艺术专刊》：习近平总书记强调“追求真善美是文艺的永恒价值”。您曾说过“通过艺术把真善美传递给学生”。在具体的教学和创作实践中，真善美如何不流于口号，真正落地？

郑光旭：真善美要扎实落地，得讲究方式方法。

首先是真。教学上，我要求学生写日记——记的不是流水账，主要是训练批判性思维，学会用自己的语言表达观点。创作上，真诚地面对生活和对象。我在藏区写生，跟牧民住在一起，画出来的东西才有真诚的温度。我也跟学生说：不要靠照片画画，得到现场去感受。只有真听真看真感受，才会有真正的艺术生发出来。

然后是善。善不是道德说教，而是选择画什么、怎么画的问题。我鼓励学生多画那些能给人们带来希望、温暖和力量的作品。罗中立画《父亲》，农民饱经沧桑的面孔，既没有拔高也没有丑化，让人看了就心生敬意，这就是善——对劳动者最朴素的尊重。在我自己的创作里，不管画家乡的白桦、雪景还是人物，都希望传达一种积极向上的生命力。

最后是美。这个最实在——就是要把基本功打扎实，要具备表现美的能力。构图、色彩、造型、线条，每一个环节都要过硬。我让学生坚持经典临摹，体会大师的创作意境；坚持搜集素材，提升艺术感知力；坚持基本功训练，掌握构图、色彩、结构。没有扎实的技艺，美就是空谈。但美也不只是技术堆叠，是通过形式要素的合理组织来实现视觉形象的审美价值。

真善美三者不能割裂。真是根基、善是方向、美是表达。得有以传世之心打造传世之作的愿望——有了这颗心，真善美自然就在里面了。

谈鲁艺红色根脉的当代赓续：

以艺术唤醒民众、以创作记录时代、以匠心传承文脉

《团结报·艺术专刊》：鲁迅美术学院诞生于延安鲁艺，有着鲜明的红色基因。您如何看待鲁美“艺术为人民”的红色根脉与习近平文化思想中“以人民为中心”的创作导向之间的内在联系？鲁美在新时代如何将这一根脉转化为具体的创作方向和育人实践？

郑光旭：鲁美的前身是1938年毛泽东、周恩来等老一辈革命家在延安成立的鲁迅艺术学院。从延安窑洞里走出来的鲁艺精神，核心就是“艺术为人民”——战斗精神、民族精神、奋斗精神，归根到底是以艺术唤醒民众、以创作记录时代、以匠心传承文脉。

习近平总书记提出的“以人民为中心”的创作导向，跟鲁艺精神一脉相承——这是从延安出发、经过近九十年实践检验、在新时代有了新内涵的根本遵循。鲁艺的根和新时代的路，是紧密相连的。具体怎么做？鲁美的实践用三句话可以概括：走出去、沉下去、画出来。

走出去——组织师生走进老工业基地、城乡之间、红色遗址，开展实景写生与田野调研。比如围绕红山文化，鲁美十七个院系形成了多项主题创作选题，中国画学院、雕塑学院、跨媒体学院等都深度参与进来——把考古研究、艺术转化、产业融合、全球传播这个链条完整打通。

沉下去——让学生深入生活，不只简单地走马观花。王盛烈先生创作《八女投江》，花了八年时间查阅史料、走访亲历者、数易画稿。这是鲁美的传统——创作必须扎根真实的生活。在教学与实践中，新一代的鲁美人仍然秉持这个传统。

画出来——把黑土地的厚重、老工业基地的奋斗、人民群众的坚韧，转化为可感知、可共鸣、可传播的艺术语言。我们一直推动“一手伸向经典、一手伸向生活”的创作理念，让每一幅作品都带着泥土的芬芳和时代的温度。

无论是走出去、沉下去，还是画出来，我们还要面向国际。比如吴为山先生创作《神遇——孔子与苏格拉底的对话》，将雕塑作品立于希腊雅典，不仅是个人艺术创作实践的巨大成就，更为世界美术交流作出了卓越的贡献。这才是在新时代不断探寻、发展与创新根脉的根本之道。

郑光旭在鲁迅美术学院2026级新生开学典礼上致辞。

《团结报·艺术专刊》：您到鲁美任职后，在学校2026年重点工作部署中提出了十个方面的重点任务，涵盖党建引领、学科攻坚、人才引育、主题创作、国际合作等。如果让您用一句话概括当前鲁美发展的核心命题，会是什么？在资源约束条件下推进“双一流”建设，您的工作逻辑是什么？鲁美如何形成区别于其他美院的差异化竞争力？

郑光旭：要是用一句话来概括鲁美当前的核心命题，就是：守鲁艺根脉，创时代新篇。

守根脉——是鲁美从延安走来，艺术为人民这个根本绝不能丢。创新篇——时代变了，科技变了，艺术生态变了，鲁美必须不断校准，找到自己精准的发力点。

在资源约束条件下推进建设，工作逻辑是：不搞大而全，要搞强而特。鲁美不是综合类大学，不可能在每一个赛道上跟人拼资源拼力量。我们的策略是——聚焦优势、错位竞争、特色引领。

具体来说，鲁美的差异化竞争力在于三条线。

第一条线：红色根脉加上现实主义创作传统。全国有很多所美院，但像鲁美这样直接从延安走出来的没有第二家。王盛烈《八女投江》、全景画《辽沈战役》——这些都是鲁美的标志性成果。在重大历史题材、现实主义创作方面，鲁美有不可替代的传统优势。而这种立足国家主题和民族精神的创作领域，也将是鲁美不断发力、持续深耕的重要阵地。

第二条线：全学科美术体系加上东北地域文化。鲁美是东北地区唯一的高等专业美术学府，全部学科入选辽宁新一轮“双一流”建设学科，拥有十二个国家级一流本科专业建设点。我们依托国油版雕、艺术设计等全学科体系，围绕红山文化、工业文化、冰雪文化打造特色创作——这个综合融汇的方向，其他美院很难复制。

第三条线：产教协同与艺科融合的平台化创新。鲁美与上汽集团等头部企业深度合作，从赛事共建、课题共研到人才共育，实现高校创意资源与企业产业优势精准对接。第十四届上汽设计国际挑战赛落地鲁美，就是最好的证明。未来，鲁美已经做好规划布局，致力于打造出横向纵向协同的创新平台，更全面地发挥鲁美的特色优势，培养更多元的能力。

谈人才评价体系和队伍建设：

核心是培养有思想、有担当、能创新的艺术领军人才

《团结报·艺术专刊》：在人才队伍建设方面，学校提出“实施‘领军人才支持计划’，打造结构合理的人才梯队”。作为一位从创作一线成长起来的管理者，您对艺术院校人才评价体系的改革有什么思考？

郑光旭：当前艺术院校人才评价最大的问题是一把尺子量所有人——不管你是搞创作、做设计还是做理论研究，都用论文数量、项目级别、获奖情况来衡量。这对创作型人才尤其不公平。画得好不好，不是几篇论文能证明的。我的思考主要有三点。

第一，分类评价，让搞创作的回归专业。对创作型教师要看作品的质量、展览的层次、社会的影响力，不能刻板强求他们去发论文。我以前曾推动建立分类培养体系——对于学术型硕博和专业型硕博各有不同的培养目标和评价标准，这个思路也应该用在教师评价上。

第二，五重三不唯。我在《以精品力作创造活力赋能文化强国建设》一文中提出过“五重三不唯”的评价导向——重原创、重生活、重人民、重社会效果、重国际传播；不唯展览、不唯奖项、不唯流量。好的评价体系不是看教师拿了多少奖，而是看他的作品是否真正走进了人民心里。

第三，搭建以人才育人才的良性循环。鲁美要实施的领军人才支持计划，核心就是培养一批有真才实学的学术带头人，然后让他们去带学生、带团队，要相信人才育人才的力量。关键是要给这些领军人才足够的空间和支持，让他们能够心无旁骛地创作和教学。

《团结报·艺术专刊》：您提出“以人才育人才”的良性循环理念，强调艺术博士培养要通过系统化改革培育德才兼备的高水平艺术人才。在您看来，当前中国高等美术教育最需要突破的瓶颈是什么？

郑光旭：当前中国高等美术教育最需要突破的瓶颈，我认为是创作与实践的脱节、传统与创新的断裂。

先说创作与实践的脱节。我在2026年上海论坛发言中曾谈到这个问题：没有美术教育就没有精品力作，没有精品力作就没有文化强国。美术教育是精品力作的发动机。但现实是，不少院校的课堂教学和创作实践是两张皮——课堂上讲一套，学生创作是另一套。学生学了很多技法，但不知道怎么把技法用在真正的创作里。怎么突破？我在以往的教改工作中曾提出做中学、行中悟、创中立的模式，建立实践教学基地，让学生走进田野、走进现场——只有在真实的生活中，技法才能变成被掌握的能力。

再说传统与创新的断裂。现在有两种极端：有的教学过于守旧，固守一套几十年不变的体系，对新技术、新媒介、新思潮反应迟钝；有的又盲目跟风，今天人工智能火就全转AI，明天新媒体热就全做新媒体，传统的东西丢得干干净净。我始终强调：守正为本、创新为要。没有传统的根基，创新就是无源之水；不拥抱时代的变化，传统就会变成化石。

针对艺术博士培养，我主张系统化改革——教育不是速成，要有完整的体系。我在制定美术专业博士培养方案时，提出过四个核心目标：掌握坚实宽广的艺术理论基础和系统深入的专业知识；能够解决艺术创作中的复杂问题；保持艺术创作的连续性；挖掘个人的艺术潜力和艺术个性。

核心是培养有思想、有担当、能创新的艺术领军人才，不光是会画画的人。

谈发展愿景：

做不可替代的事，育不可替代的人

《团结报·艺术专刊》：从艺术家到艺术教育管理者，这个角色转换过程中，您遇到过最大的挑战是什么？您如何看待“创作型院长”这一身份？

郑光旭：最大的挑战是时间和精力的分配。作为画家，我需要安静、整块的时间去面对画布、去写生；作为管理者，每天要处理大量的行政事务、会议、文件、接待。没有大段时间画画，我只能利用早晚的时间尽量去创作。

创作型院长，我认为首先是极大的优势。第一，我懂创作，所以知道教师和学生真正需要什么——哪些是真问题，哪些是假问题，一听便知。第二，我在一线画了这么多年，知道艺术创作的规律是什么，做决策的时候不会脱离实际。第三，在国际交流中，我的创作经历和国际艺术交流背景能打开很多发展途径。不论是列宾美院还是上合组织等项目合作——这都是作为创作型管理者所带来的信任基础。

当然，需要警惕的张力不容回避。做行政和做创作是两套思维方式。创作需要深扎、需要专注、需要任性地追求完美；而管理需要权衡、需要妥协、需要在各种约束中寻找最优解。我最担心的就是杂务消磨了对艺术的敏锐度。所以我给自己定了一条原则：再忙也要保持写生，再累也要面对画布。写生对我来说就像充电，面对自然、面对色彩，心就静下来了。只有画着画，我才觉得自己还是那个虔诚的画者。

从长远看，创作型院长对学校一定是有利的——因为一个懂艺术的院长，更能精准把握艺术院校发展的方向与未来。

郑光旭在鲁迅美术学院举行2026届学生毕业典礼上致辞。

《团结报·艺术专刊》：鲁迅美术学院正处于“十五五”开局的关键节点。五年之后，您希望看到一个怎样的鲁美？如果用一个关键词来描述您对鲁美未来的期待，会是什么？

郑光旭：五年之后我希望看到一个——立足东北、辐射全国、对话世界的鲁美。

在作品创作上，鲁美要能产出更多拿得出手、立得住、传得开的精品力作——像《八女投江》那种，过多少年提起来依然让人肃然起敬的作品；在学科建设上，鲁美的特色学科——油画、版画、雕塑、设计——在全国叫得响，在国际有影响力；在人才培养上，鲁美的学生走出去，别人一看便知这是鲁美出来的，有造型功底、有创作能力、有文化底蕴；在服务社会上，鲁美能为东北振兴作出实实在在的贡献——红山文化的国际传播、老工业基地的文创转化、冰雪经济的视觉品牌、国家主题和民族精神构建的创新协同平台，这些都是鲁美的用武之地。

如果用一个关键词来描述我对鲁美未来的期待，那就是：不可替代。全国美院有很多，但鲁美必须是不可替代的那一所——不可替代的延安鲁艺传承，不可替代的东北地域文化根基，不可替代的现实主义创作力量。鲁美的未来，就是——做不可替代的事，育不可替代的人。

谈参政履职：

最大的优势是能用专业说话

《团结报·艺术专刊》：作为一位艺术家参与民主党派工作，您如何理解文艺工作者在参政党文化履职中的独特角色？结合您个人的双重身份（高校管理者和民盟中央文化委员会副主任），您认为民盟在文化领域的建言献策，应该聚焦哪些关键问题？

郑光旭：文艺工作者参加民主党派工作，最大的优势是能用专业说话。我们的建言献策是从创作一线、从教学一线、从美术界最真实的问题出发，带着基层的真情实感。

民盟成立八十五年来，始终以文铸魂、以文化人，费孝通、吴冠中、吴为山等名家大师都以民主党派的角色为国家与民族精神的构建与文化传播作出了巨大的贡献。例如吴为山先生所作的侵华日军南京大屠杀遇难同胞纪念馆组雕，就为国家公祭日主场馆树立了令人震撼的不朽丰碑，以文化悼念的方式祭奠逝者、铭记历史。以文铸魂、以文化人，值得我不断学习与践行。

作为民盟中央文化委员会副主任，双重身份让我能在两个方向上发力：一是用艺术创作为民盟的文化使命服务，二是用教育管理经验为民盟的文化建言提供参考。我认为民盟在文化领域的建言献策应该聚焦三个关键角度。

一是美术教育的体系改革。艺术专业博士培养刚刚起步，还处于摸着石头过河的阶段。民盟有一大批教育界和文化界的专家，应该在这一领域提出系统性的建议，推动建立更加科学合理的艺术人才培养体系。

二是文化强国的基层实践。鲁美在红山文化国际传播、东北农民画推广等方面的探索证明，地域文化大有可为。民盟可以推动更多高校和政策资源向基层文化倾斜。

三是传统艺术的当代传承。在人工智能时代，传统艺术如何不被边缘化，反而借助新科技焕发新生？民盟应当在这一议题上发出声音，提出守正创新的具体路径。

谈媒体的时代功用：

向世界讲好中国故事

《团结报·艺术专刊》：从媒体传播的角度看，您认为艺术类媒体在推动中华优秀传统文化传承和当代艺术传播中，应该发挥怎样的作用？对《团结报·艺术专刊》有什么期待或建议？

郑光旭：艺术类媒体的作用，是架起三座桥：一座桥连接创作者和观众，一座桥连接传统和当代，一座桥连接中国和世界。

具体来说：第一要把艺术说清楚。很多好的作品、好的展览，普通观众看不懂、进不去，媒体要做那个翻译的人，用老百姓听得懂的语言把艺术的价值讲明白，做好公共美育的传播推广。第二要把好作品推出来。现在的艺术生态信息过载，艺术作品良莠不分，混在一起，观众很难辨别。媒体要有专业判断力，把真正有分量、有温度的作品推到大众面前。第三要把中国故事讲出去。中华优秀传统文化和当代中国的艺术创新，需要媒体以专业的方式向国际传播。

对《团结报·艺术专刊》有四点期待。

一是做好民主党派与艺术的特色文章。《团结报》和民主党派渊源很深，要深入挖掘民主党派艺术家以画笔为时代画像、以丹青为人民抒情的故事，这是《团结报》的优势。

二是关注基层和青年。不只是传播北京、上海的大展，还要多关注地方美院、基层画家的创作生态，多给青年艺术家展示的平台。甚至很多优秀学生的作品，也值得被看见。

三是做深学术梳理。可以围绕一个专题深入展开，比如新时代现实主义绘画、艺术与科技融合等，形成有深度、有分量、可留存的学术成果积累。

四是强化国际艺术视野。多介绍国际艺术动态，同时把中国艺术家的海外成就报道出去，做到视野开阔、家国情怀并重。

《团结报·艺术专刊》：读者中有许多文化艺术领域的从业者和爱好者。如果用一段话向这些读者表达您对当代青年艺术创作者的建议，您最想说什么？

郑光旭：我想对青年艺术创作者说三句话。

第一句话：手要勤，心要诚。艺术没有捷径。要像每天吃饭睡觉一样去画画、去创作，让艺术变成你生活的一部分——它才会回报你。同时要有真诚的心，不要为了流量、为了参展、为了获奖去创作。真诚是艺术的底线。

第二句话：扎根生活，扎根传统。所有伟大的艺术都来自两个根——生活的根和传统的根。走出去，到田野、到生活、到街头去感受真实的中国；沉下来，把中外美术史上的经典作品好好临摹、好好研究。一手伸向经典，一手伸向生活，两手都要硬。

第三句话：立大志，做有信仰有文化的艺术践行者。不要满足于做一个画匠，要立志做一个有信仰、有文化的艺术工作者。什么叫有信仰？就是相信艺术的力量，相信真善美的力量，相信艺术为人民、为时代服务的力量。什么叫有文化？就是你的作品背后要有根——知来处，明去处。

新时代的年轻人正处在中华民族走向伟大复兴的时代，有最丰富的素材、最广阔的舞台。希望年轻朋友全身心投入去吸收知识、释放潜能，不安于平庸，用你们的画笔和创意，去创造属于新时代的精彩世界！

文/韩金伟来源：团结报艺术专刊）

画家简介

郑光旭，1970年12月出生于吉林。2008年硕士毕业于列宾美术学院油画系，师从叶列梅耶夫教授，主要从事油画创作及理论研究。

现任鲁迅美术学院院长，民盟中央文化委副主任，中国美术家协会理事，中国艺术教育促进会理事，俄罗斯艺术科学院荣誉院士，列宾美术学院荣誉教授，博士生导师，一级美术师。曾任中国艺术研究院艺术与文献馆馆长。国家艺术基金评审专家，中国博士后科学基金评审专家，国家留学基金管理委员会评审专家，中国美术馆评审专家，中国艺术研究院教师指导委员会副主任。