NAFI2025南京国际艺术季全新启幕：直击现场佳作

NAFI2025南京国际艺术季 现场图，图片来自NAFI2025南京国际艺术季

昨日，NAFI 2025南京国际艺术季在四方艺术湖区美术馆盛大启幕。此次艺术季实现了从“博览会”到“艺术季”的全面升级，以更开放、多元、灵活的姿态回应艺术展陈与公共文化的新趋势。展期自9月19日持续至11月16日。

本届艺术季以“叠影”为主题，既回应影像媒介本身的视觉特性，也意在探讨记忆、技术、身份与观看之间的关系。策展团队由张莉娸、贺潇、孟宪晖组成，在“策展+影像+在地联动”的框架下，以“双轴结构”展开：一方面围绕特定主题组织来自全国各地的年轻艺术家群展，呈现新生代创作的精神图谱；另一方面，各参展画廊则受邀在独立展区中呈现单个艺术家的影像个展，以影像为媒介，穿梭于现实、虚构与历史的多重叙事维度。

接下来，让我们走近部分精彩作品，感受“叠影”下的视觉震撼与思想碰撞。

香格纳画廊丨曹澍

曹澍的艺术实践聚焦于记忆、梦境与技术媒介的交互关系。他通过3D渲染动画、电子游戏装置、多屏影像与雕塑等多元媒介，构建出虚实交织的叙事迷宫，塑造数字化的“记忆考古现场”。近年的创作进一步延伸至社会主义科幻、加密技术与集体潜意识等议题，以审视技术对人类精神世界的重塑。此次参展的影像装置《无限和无限加一》讲述了一则海边寓言：在某种无限延宕的时间里，“无限”和“无限加一”被视为相等，这或许正揭示了理念世界与现实世界的巨大鸿沟，也暗示现实被理念不断引导至悲剧的可能。

曹澍《无限和无限加一》截帧，2020，装置，8 通道 3D 渲染影像与实拍影像结合，13'12'' ，图片来自香格纳画廊

曹澍《无限和无限加一》，展览“共同的 ____”现场，2020，图片致谢OCAT上海馆，图片来自香格纳画廊

千高原艺术空间丨冯冰伊

冯冰伊擅长以介于录像艺术与电影之间的影像语言作为表达媒介，用诗性的方式构建自我意识的叙事空间。她关注从文本到图像的转化研究，通常以一段文本作为引子，在对其注解中寻找逻辑的断裂点进行改写与重组，将内容置于特定空间中抽丝剥茧，并融合独特的世界观进行再编织。此次参展作品《混合演绎》将跳入火山口的哲学家所看到的世界、科幻片中穿越黑洞的宇航员所能看到的世界、日常生活的世界，以及动物与人能够交流的世界混合在一起。在上述世界中，人物在影像构建的暂时空间里相聚。这个世界虽然虚构，却跨越不同维度，因此某种意义上，它或许又是最真实的。

冯冰伊《混合演绎》（作品静帧），2019，单通道影像，时长：5分钟，©艺术家冯冰伊及千高原艺术空间

马刺画廊丨王加加、叶凌瀚

叶凌瀚在2016年受纪录片《人类的起源》启发，把人类的祖先“Lucy”设定为系列创作的潜在主角，通过不同媒介表达他对于技术、未来主义美学以及艺术史的思考。他的作品明显体现了后网络时代的美学。他用手机截屏大量收集网络中的数据素材，提出了“屏幕写生”这一概念，使用数字技术和网络图像进行创作。于是，“LUCY”系列发展出愈加繁复的面貌，作品中破碎的、扭曲的、炫目的视觉特征回应着数字景观社会。在最新系列“羿·爱丽丝”中，叶凌瀚转而大量采集身边的人手机里的信息与图像作为绘画的素材，他运用了阴阳的宇宙观与东方美学，将其融入到对后网络时代生活与社会关系的挖掘。

叶凌瀚《羿·爱丽丝·敦01》，2024，布面丙烯，200 x 100cm，图片来自马刺画廊

王加加的实践植根于儿时的传统国画训练，在动漫、游戏、音乐、网络现象等流行文化的广泛影响下，他以家族记忆为对照，持续推进个体的实验性探索。从早期作品中的文字拼贴，到隐藏于笔触中的书写；从现成品图像的有意选择，到画面中破坏性的注意力对抗；从童年卧游式的观看体验，到非写生式的风景描绘……艺术家所处理的是那些最基本的、最普遍的经验：脉络与链接、家与自我，以及关于成长的文化记忆。他综合数码图像拼贴、行动绘画笔触与丝网印刷等技术，以绘画过程与结果博弈形成作品面貌的方法，展现了当代元素与经典制式矛盾之下多元文化庞杂交融的精神图谱。

王加加《Tree 》，2022，喷漆、布面油画，90 x 120cm，图片来自马刺画廊

天线空间丨汪晓芙、尉洪磊、周思维

周思维聚焦于人对于文化的理解以及文化对于人的作用这两方面话题。在周思维的画面中，他将几种视觉和文化惯性糅合在一起，让画面自己发展出新的意图和暗示，同时体现出熟悉感和陌生感，并具有开放式解读空间的可能性。

周思维《OPPO大厦》，2019，布面油画，150 x 100 cm，图片来自天线空间

汪晓芙通过绘画、绘画装置、写作和表演，探讨事物的存在、个体认知及其边界，并呈现它们之间的重叠、折叠、溶解与遮盖。在持续创作与思考中，她认为绘画作为二维平面，通过色彩、形式、材料与运动趋势的组合，能够表达观察者与创作者所处世界的关系。在这些带有风景暗示的作品中，艺术家创造出接近抽象的环境，以可识别元素为线索，引导观者进入更深的现实，感知生命的生成与环境在时间中的消融。

汪晓芙《丛之深处》, 2024，亚麻布面丙烯，139 x 195 cm，图片来自天线空间

尉洪磊的录像和雕塑实践中带有特别个人的视觉语汇，混合了网络流通的图像以及来自中国城市纹理中无序生长着的视觉文化。他感兴趣的是所有可感事物以及文字作为一种思考形式的可塑性。这种可塑性呈现在艺术家于作品的视觉形式和名称两者之间进行创造式的跳跃，而结果是这些作品以一种带有隐士风格的方式呈现在观众面前。

尉洪磊《螺旋雨 - 隧道里的踢踏舞者》，2025，布面丙烯，220 x 170 cm，图片来自天线空间

常青画廊丨庄辉

旅行、研究与探索是庄辉艺术创作的核心，其活动方式常以身体为媒介。自1990年首次骑行穿越中国西北地区以来，他便建立起对这种最接近行走的交通方式的偏好，并一直坚持这一实践。庄辉在作品中对个人生活经验的强调于2014年得到高度体现：他回到西北地区，将工作室中的所有大型装置交付给了荒野、沙漠，而这一地点本身作为艺术家的出生地亦成为隐喻。

庄辉《祁连山系-08》，2014，7路视频 彩色 有声，图片来自常青画廊

neugerriemschneider丨

Sharon Lockhart

莎伦·洛克哈特（Sharon Lockhart）以装置、摄影、电影、绘画和雕塑为创作媒介，致力于探索景观与居于其中的人。她的创作实践建立在对合作对象长期而深入的互动基础上，通过多层次的历史与多面向的当下，凝练出简洁而严谨的作品。这些作品以细腻的构图微妙审视人们的关注点与注意力。洛克哈特常开展长期项目，创作出一系列跨媒介的互文作品。她采用高度研究型的工作方法，沉浸于社群之中，在此过程中逐步建立信任与联结。

Sharon Lockhart,

EXIT (Bath Iron Works, July 7-11, 2008, Bath, Maine)

万一空间丨八木良太

八木良太的创作涉猎声音艺术、雕塑、影像和互动装置。在创作中，他通过使用辩证思路模式，致力于打破人类局限的感知方式和学习态度，主张发掘常态以外的内容。他将现成物和既定系统重组并形成新的秩序，启发观者的知觉和机能体验。八木的作品以五感为媒，时间为题，近年甚至将视野维度拓宽至“地质时间”的领域，并将媒体间的关系并置和重构。

八木良太《蝉》，2008，黄铜、数字音频播放器、耳机，尺寸可变，图片来自万一空间

逸空间丨胡恒铭

胡恒铭的作品以一种孩童般的视角，充满好奇地观察并记录世间之物，围绕光与影的缠绵，依附氤氲色彩的童话，诉说呈星状散射的梦境。他的画是不设视觉中心的“漂浮物”。这种无法对焦的呈现让观者在观看时摆脱理性的思维分析路径，而是以一种亲历的方式进入画面，使观看体验转化为一种个人化的经历感。而他自己，像是这些场景的守望者，等待、守候着这些微小的不舍之物。他特地为每个片段保留了模糊的空间，使之成为似洪流般的记忆的集散地，任何人都可以在其中找到对一切“不忍释怀”的眷恋。

胡恒铭《我们等待春天的时候》，2024，布面油画，30×24cm×2，图片来自逸空间

阿拉里奥画廊丨王晨

王晨的创作从手绘、戏服与雕塑形式的手工材料开始，并将其转化为数字化、扭曲的视觉元素，最终重构成虚拟景观。这种模拟与数字技术的融合，将碎片化的记忆和生活体验转化为不断生长重构的虚拟场景，映射出两个世界中身份认同固有的不稳定性。

王晨《破碎的愉悦》，2023，单屏影像，5'23"，图片来自阿拉里奥画廊

弥金画廊丨武雨墨、郑毅

武雨墨的作品重新检视摄影本体，通过对其中元素的调整、⼲扰、突破，展开对摄影中既定概念的不同想象。她提出以精确性的模糊切⼊摄影体系，邀请观者回归单纯的观看状态。艺术家按照自己的设想将现实中摄影器材的构造拆分重组，这些造型复杂诡异的器材拼贴组合在暗黄绿色的虚拟透明底片上，陡生出某种军事视角无孔不入的森严感。作品将我们笼统感知中的生活表层图像与示意其生成机制的科学图示加以融合，两者的深度纠缠让我们意识到这一观看机制的内化早已无法摆脱，并正在重新构建着现实。

武雨墨《无题，(选自不存在的摄影器具系列)》，2023，铝板UV印刷，100×140 cm，图片来自弥金画廊

郑毅的创作呈现出对“中心”与“边缘”的多重思考——那些在原有语境中被忽视或边缘化的物件与材料，宛如从既定审美与制作规则这一传统舞台上剥离的“边饰”。它们曾经或许只是结构的附属或视觉点缀，如今在郑毅的作品中被重新赋予位置与角色。经过解构与重组，这些边饰不再是依附性的存在，而是化身为舞台上的关键“表演者”，直接参与作品主体的构建，并推动情境展开。

郑毅《阿亚华斯卡》，2024，木材、铝材，77.5 x 52 x 15 cm，图片来自弥金画廊

魔金石空间丨黄安澜

黄安澜游走于诗歌、哲学与地下文化之间，携一系列角色掠过巨大的悲悯。她的复调叙事交织过去与未来、虚构与现实、崇高与荒诞、纯真与暴力，通过流动影像、装置、表演等多种媒介，将个体生命经验注入宏大叙事或批判理论的缝隙，以此转译时常共生的爱与伤害。《Her Love is a Bleeding Tank》是一首影像诗。虚拟叙述者“思明”从未作为真实实体存在，却投射了艺术家所有关于纯真而热烈的回忆，是一切不适应二十一世纪的浪漫主义的化身。她似乎只是一个柔弱的小女孩，不够大胆，常感张惶，也从未真正踏出梦想中成为少女偶像的那一步。艺术家以“她的眼睛为剧场”，重播她的一生，并通过这一身份试图回溯真实与虚构、爱与克己的关系。

黄安澜《Her Love is a Bleeding Tank》，2020，高清单屏影像，彩色，有声，5分31秒，图片来自魔金石空间

红树林画廊丨方凯、厉槟源、林科

方凯从西方传统绘画中汲取养分，利用媒介间的相互作用关系，不断拓宽绘画语言的边界。通过对肖像与景物的刻画，方凯表现了生命及其所处的幽暗深沉的环境，闪烁于画面中的个人情愫极具气质与感染力。

方凯《我们不如聊聊虫鸣和夜晚》，2025，布面油画，水彩，200x150cm，图片来自红树林画廊

从2010年开始, 林科将自己变成自己的实验对象，投身于计算机时代的行为艺术之中。林科将笔记本电脑作为其艺术工作室，从计算机软件和互联网中提取素材作为其艺术作品的素材与形式。日常互联网的探索和对应用软件的操作催生出他的艺术创作和自画像。他使用屏幕截图和屏幕录制软件记录操作行为和概念图像。

林科《截屏 2024-07-2114.56.41》，2024，UV油墨在纳米海绵，53x40cm，图片来自红树林画廊

厉槟源通过行动、录像和行为艺术表演进入日常社会的不同领域，探索身体、物质、观念认知和社会价值。其艺术实践占据了城市和农村空间，包括公共空间，自然环境或偏远的后工业区；他利用身体做为雕塑材料进行创造性的研究，以及利用断裂和重复来展现雕塑和表演如何交织在一起。在审视我们每天的经历的同时，重新确立了社会行为。

厉槟源《共振》，2012，行为纪录 单频录像，2'45"，6+2AP，图片来自红树林画廊

空白空间丨李燎

通过那些基于日常的半虚构式自传体创作，李燎的实践常常将真实境遇与艺术行为混为一谈。通过时常颇具寓言意味和自嘲式的行动策略，他主动设局或因势利导，践行着对社会现实问题的关注，并将“社会介入”落实到微观社会系统及具体条件下的身体力行，对家庭生产、社会生产及艺术生产的评价机制及规则进行观察与质疑，并尝试提供一套应对压力的戏谑策略，由此引发经验上的再认识。

李燎《厕所在前边，右转》，2024，单频道高清录像（4K，黑白，有声），01'46"，图片来自空白空间

户尔空间丨陈丹笛子、Lea von Wintzingerode

陈丹笛子的作品涵盖视频、装置、摄影和文学等多种形式，以独特视角揭示自然与人类景观中的私人瞬间，并将这些瞬间反映出的更大社会结构与个人心理呈现出来。她运用自然意象，构建叙事与情感的纽带，引领观者在混合现实中进行更深入的探索。作品以缓慢而深入的方式，将关注点置于易被忽略的事物之上，诗意地探讨不确定性作为当代生活的基本状态，并回应人类学家安娜·洛文豪普特·辛格所指出的：不可预知的相遇及其脆弱性不仅有能力改变我们，也有能力重新塑造我们。

陈丹笛子《贪吃蛇》，2025-，单频影像，⽼式DV磁带转数字格式，时长可变/持续更新，图片来自户尔空间

莱亚·冯·温琴格罗德（Lea von Wintzingerode）的画作将个人经历与集体记忆融合，穿插地下音乐、流行文化偶像及女性写作的影响。她的声音与装置作品使用模块化合成器、钢琴及作曲软件，反映当代社会动态，探讨个体身份与集体结构之间的张力。通过梦幻般的构图，她描绘人物在高度互联、过度曝光的世界中游走于孤立与社群渴望之间，抗拒社会规范，呼唤团结、希望与自我重塑。绘画、声音与装置的结合营造沉浸式环境，引发对时间性、社群及身体脆弱与坚韧的思考。

Lea von Wintzingerode，

byshire (part 3)

Tong Gallery+Projects丨于航

于航的创作多以影像、雕塑与装置呈现。其近期作品关注地质改造与技术化进程对当下人类生存体验的重塑与衍生，并从周遭现实中截取素材展开实践。作品《抛山填海》的灵感，源自一座因多种原因修建十余年仍未完工的填海机场，其沙石取自周边山体。在虚拟动画中，艺术家通过建模还原了机场南岸被挖空的山体，并在软件中再次切开，呈现出与现实不同的空壳结构，失去了填充作用。虚拟山体被抛向大海，从右侧屏幕飞入左侧屏幕，随之沉入或漂浮于海面。同一场域中，艺术家则抱着3D打印的空壳山体走向海边，将其投入海中。整部影像循环播放，在虚拟与现实之间切换，山体在双屏中不断被投掷与漂浮。

于航《抛山填海》，2024，视频截帧，双频影像装置，尺寸可变，4k影像，左右声道，时长：6分19秒循环，图片来自Tong Gallery+Projects

ZIAN Gallery丨郭天天

郭天天构建了一场指向空无的冥想。风中沙沙作响的竹林、斑斓流转的棱镜、摇曳如呼吸的油纸——在音乐中穿梭、交错。《无人可爱（No One to Love）》结合自然中发出的声响，利用电子编曲将鼓点与旋律在空间中组建动态结构，如线穿针般地充盈整个环境。而悬挂于墙上的金箔油纸，则以它们的结构与重量宣告着物质本身的存在，将流动的声音凝固、升华，使其步入永恒。郭天天利用图像和感知放大身体对于声音的感受，从而在同一时刻占满观者的所有感官，以一种共鸣的方式完成多维、重叠而精微的交感体验。

郭天天《无人可爱（No One to Love）》，2023，金箔、油纸、电子编曲，3'19"，1+1AP，图片来自ZIAN Gallery

以是空间丨Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė

多洛塔·加文达（Dorota Gawęda）与艾格勒·库尔博凯特（Eglė Kulbokaitė），自2013年合作以来，她们以影像、表演、装置、气味等多媒介创作，探讨神话、性别、生态与技术的交汇点，也是长期共读项目“年轻女孩读书会”的创办者。在她们的实践中，民间传说与流行文化、科学与魔法、生态与技术彼此交织，构成一次次既惊悚又诗意的实验：复调的歌唱与AI生成影像交错叠合，身体与感官在虚拟与现实的缝隙中重塑。她们以斯拉夫神话中拥有双重灵魂的吸血鬼“乌皮尔”（upiór）为线索，展开针对“居间者”与“双重身份”的探究，把创作转化为多重的感知实验。

Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė《移植景观 (b563304ac836a78128f5022f5864)》，2024，亚麻布上石膏、数码转印，180 × 180 cm，图片来自以是空间

就在艺术空间丨张徐展

气候危机与能源灾害交织，谱写出人类世的一则荒诞幻想曲。张徐展的《白蚁喂食秀》灵感源自真实事件——“白蚁啃咬能源电线导致山城大停电”，构建出一场关于未来昆虫饮食生存的科幻寓言。因气候骤变，白蚁不得不改变饮食习惯，转而啃噬人造电缆；在幽暗潮湿的蚁道餐厅中，乐手弹奏烹煮之曲，刽子手处理“肉票”，施展“缆线三吃”的厨艺。这既像是向生态之神献祭的仪式，又似一场向人类复仇的行刑。

张徐展《白蚁喂食秀》，2024，2 single channel , color, sound videos 16:9 projection：14'44"，Round projection：5'19"，Edition：3/6，图片来自就在艺术空间

THE SHOPHOUSE丨余淑培

余淑培专注探索⾝体、记忆与⽂化翻译之间的脆弱交界。她的创作游移于理论性探索与个⼈脆弱之间，结合批判视⾓、幽默感及温柔的⽇常细节，构筑出多层次的叙事空间。她的项⽬“基因发廊”（Genetic Salon）以⼈类基因⼯程为主题，利⽤推理⼩说来重建对性别、⾝体和⾝分历史论述的看法。近年来，她开始与不同社群合⼒制作影⽚，以此探索⾝份建构在不同⽂化背景和群体的变化。透过交织半虚构叙事，余淑培描述了记忆和认同的经验。

余淑培《基因发廊-等候室》，2021 ，4K，高清，彩色，5.1声道，16:9，图片来自THE SHOPHOUSE

OM画廊丨江一帆、焯雄

江一帆的作品通常从一个概念，一个想法开始，用一种诙谐的视角去探索科学、感性和哲学之间的交叉点。她从日常生活的琐碎出发，将看似毫无关联的文化与学科碎片并置，建立起独特而错位的视觉逻辑。《邻居》的创作灵感源于疫情期间艺术家于新墨西哥州沙漠中独居时的思考；影像中，两个分居对窗的角色在黑暗里相互窥视与评判，“窥视者终将成为被观者，而被观者亦会化作窥视者”。艺术家通过影像的对峙探讨人精神世界的矛盾结构，并揭示人与自我经验的博弈关系：当自我言说时，那个倾听内心絮语的"我"究竟是谁？他们与做梦者共享同一个名字，抑或只是寄居在同一颅骨中的陌客？

江一帆《邻居》，2023，时长：13' 15''，双通道高清录像，配乐：James J.A. Mercer，图片来自OM画廊

作为成长于游牧地区的少数民族，焯雄的创作实践深受游牧生活方式与蒙古传统文化的影响，又敏锐地回应了高速城市化与文化融合所带来的断裂与重构，其绘画语言持续调和着诸如毛毡、矿物颜料、兔毛、羊皮、牛皮、牛奶等与牧区生活息息相关的物质媒介，并将它们融入作品中。这些材料超越了其物理属性，成为承载了集体记忆和文化韧性的隐喻。

焯雄《À lèvres》，2024，蒙古毛毡, 酪蛋白, 油画棒, 铅笔，142 x 91 cm，图片来自OM画廊

ARR GALLERY丨李琢恒

李琢恒的创作聚焦于技术迭代中的人性困境和科技悖论，探索人类与未来科技的内在关系，作品呈现原始诗意的撕裂感。早期，他常以人物形象作为符号，揭示科技冲击下感官的遮蔽与身份的模糊，追问人类与非人类、虚拟与现实之间脆弱的界限。近年，他逐渐让人物淡出，转而以几何体作为对未来科技的抽象化呈现。在他看来，未来不可被具体设想，唯有通过抽象的形式语言，才能传达其不可预测与难以把握的特质。

李琢恒《丛林的逻辑·断电》，2024，丙烯、木炭作于布面，160 × 130cm，图片来自ARR GALLERY

清影艺术空间丨宾雅

宾雅的创作将行动与空间的运动转化为符号。在作品《烛光行走》中，她将蜡烛固定于鞋尖点亮，并在城市中行走；而在《分叉的树枝》中，她采用接触式印相法，让收集到的树枝在相纸上成像，形成如同岔路口般穿过画面的图像。

宾雅《烛光行走》, 2025，行动录像记录，20分34秒，带蜡烛的鞋子，图片来自清影艺术空间

出品人： 董瑞、吴双

撰文、 版式设计： Tina

审校：王欣然