【图解西方艺术史】⑤专制时代：巴洛克与洛可可

巴洛克时代

16世纪后期，欧洲陷入持续数十年的动荡。对外，随着科学革命和新航路开辟，欧洲国家从认知和经济两方面不断向外扩展，对内，愈演愈烈的宗教改革运动将人群分化，点燃了波及全欧的三十年战争。为了承担高昂战争开支，一批欧洲国家建立了高效的专制政权，新的艺术面貌也随之出现。

以巴洛克珍珠为主体制作的吊坠，约1860年

大体来说，相较文艺复兴，这一时期的艺术更加写实，追求宏大和戏剧化。我们常以“巴洛克”（Baroque）形容这种风格，这个词可能来自葡萄牙语，也可能来自意大利语，往往和复杂、动感、夸张、不规则这些略带贬义的形容相关，与注重理性和秩序的古典艺术形成鲜明对比。但简单的概括，并不能够还原当时各国的艺术风貌。

意大利：天主荣耀

16世纪下半叶，罗马维持着意大利艺术中心的地位。为了和新教争夺信徒，天主教会迫切需要一种足够壮丽炫目，充满情感，能让信徒拜倒在其下的艺术。继承文艺复兴和样式主义的探索，巴洛克风格应运而生。

贾科莫·德拉·波塔，罗马耶稣堂立面，意大利，1580年

卡洛·马代尔诺，罗马圣苏珊娜教堂立面，1603年，可以对比下上图德拉波塔的设计

建筑领域的巴洛克风格是最典型的。1564年，时任圣彼得大教堂设计师米开朗基罗去世后，样式主义建筑师贾科莫·达·维尼奥拉接替了他的工作，同时负责耶稣会主堂的修建。维尼奥拉有个叫贾科莫·德拉·波塔的学生，他在老师死后修改了耶稣堂立面，以涡卷形扶壁连接上下两层建筑，用大型壁柱装饰立面，这座立面被誉为第一座巴洛克建筑立面。随着耶稣会的发展，德拉·波塔的设计迅速传遍全欧，甚至来到美洲和亚洲。

卡洛·马代尔诺设计的圣彼得大教堂正立面

从圣彼得大教堂穹顶望向贝尼尼设计的广场和罗马城

1596年，卡洛·马代尔诺为罗马圣苏珊娜教堂重新设计了立面，突破了德拉·波塔的样式，将涡卷扶壁拉长，突出建筑的垂直感。马代尔诺的设计深得教皇喜爱，于是教皇委托他负责圣彼得大教堂的改建。大教堂改建负责人几经辗转，最后落到贝尼尼手上。他为大教堂添加了延伸的椭圆广场，以此强调教堂正立面的高度，平衡宽度，凸显了圣彼得大教堂的宏伟。

贝尼尼，圣彼得大教堂的青铜华盖，高达30米，1624—1633年

贝尼尼，圣特雷莎的狂喜，1645—1652年

就像米开朗基罗那样，贝尼尼更以其雕塑闻名，他早年有编写剧本，设计舞美的经验，深知如何融合建筑、雕塑和绘画元素来营造戏剧氛围。在接手大教堂总体设计之前，贝尼尼已将大部分创作生涯投入到圣彼得大教堂的装饰中。他为大教堂制作了一系列体量巨大，充满动感和戏剧性的雕塑，把自己的雕塑和建筑结合在一起，这奠定了他作为巴洛克雕塑之父的地位。

阿尔加迪，教皇利奥一世与阿提拉会面，1646—1653年

贝尼尼的主要竞争对手阿尔加迪的雕塑不像贝尼尼那么激烈而有戏剧性，风格相对克制。他接手了贝尼尼经常回避的浮雕装饰，通过浮雕深浅的变化，融合了巴洛克风格的戏剧性和古典艺术的内敛。

弗朗切斯科·博罗米尼，四泉圣嘉禄堂外立面，意大利，1665—1676年

弗朗切斯科·博罗米尼，圣依华堂穹顶，意大利，始建于1642年

17世纪中叶，建筑师弗朗切斯科·博罗米尼将巴洛克建筑推向新的高度。他为四泉圣嘉禄堂设计了波浪形的外立面，通过深入墙体的壁龛强化了墙体的立体效果。在罗马圣依华堂的设计中，博罗米尼突破了传统穹顶外形，引入了复杂的凹凸结构，使穹顶成为建筑的有机组成部分。

瓜里诺·瓜里尼，卡里尼亚诺宫，1679—1692年

瓜里诺·瓜里尼，都灵神圣裹尸布小堂穹顶，1668—1694年

教士出身的瓜里诺·瓜里尼继承博罗米尼衣钵。他借鉴博罗米尼的波浪外立面，将都灵卡里尼亚诺宫外立面分为3部分，这种设计后来被许多巴洛克宫殿模仿。瓜里尼曾研究过伊斯兰建筑，为基督教堂设计了不逊色于中东清真寺的复杂穹顶。之后几十年里，瓜里尼和博罗米尼的设计风格传播到奥地利和德国南部，在美洲尤其是巴西，他们的建筑风格也很流行。

卡拉瓦乔，马太的召唤，意大利，1599—1600年

和建筑相比，巴洛克绘画特色并不那么鲜明。卡拉瓦乔和卡拉齐三兄弟，一个开启了注重明暗和戏剧性的风格，一群创立了世界上最早的美术学院，是意大利巴洛克时代绘画的两大代表。

卡拉瓦乔，朱迪斯斩首荷罗孚尼，意大利，1598—1599，或1602年

真蒂莱斯基，朱迪斯斩首荷罗孚尼，意大利，1614—1620年

卡拉瓦乔性格暴躁，蔑视权威，被人批为“绘画界的反基督分子”。他将高高在上的宗教场景拉到凡间，以自然主义的写实笔触，用身边真人的形象描绘传说中的人物，通过平实甚至粗俗的场景表现神圣的宗教故事，仿佛那一幕幕宗教故事就发生在自己身边一样，以此调动观众情绪。

卡拉瓦乔，基督下葬，意大利，1602—1604年

卡拉瓦乔，抱水果篮的男子，意大利，1593年

卡拉瓦乔精通用光，善于通过明暗之间的强烈对比，营造出身临其境的参与感。他的画作大多色调黑暗，富于象征意义，被称为“暗色调主义”（Tenebrism）。虽然卡拉瓦乔生命短暂，并未授徒，但他的艺术风格启发了拉图尔、伦勃朗等后辈，还有真蒂莱斯基这样的优秀女画家，对17世纪的西班牙和荷兰绘画有突出影响。

安纳巴莱和阿戈斯蒂诺·卡拉齐，法尔内塞宫天顶画：众神之爱，1597—1606/07年

安纳巴莱·卡拉齐，出埃及记，意大利，约1604年

和卡拉瓦乔正相反，卡拉齐三兄弟是文艺复兴艺术的忠实追随者。比起写实或戏剧性的画面，他们更热衷表现自然的秩序和人类的理性。三兄弟立志向拉斐尔学习女性的优雅线条，向米开朗基罗学习肌肉的力量，向提香和柯勒乔学习艳丽或柔和的色彩，融文艺复兴诸家于一炉。

安纳巴莱·卡拉齐，吃豆者，意大利，1580—1590年，风俗画的增加是巴洛克时期的普遍特征

圭多·雷尼，屠杀无辜者，意大利，1611年

卡拉齐三兄弟在家乡创办了启迪学院（Accademia degli Incamminati），也就是博洛尼亚美术学院的前身。学生可在学院学习解剖、描绘裸体，接受专业的美术教育。启迪学院培养出了圭多·雷尼等优秀学生，它的诞生标志着学院派风格的开端，也象征着艺术家将要摆脱匠人的地位。

科尔托纳，巴贝里尼家族的胜利，意大利，1633—1639年

乔凡尼·高利，耶稣之名的胜利，意大利，1676—1679年

安德里亚·波佐，圣依纳爵的荣光，意大利，1691—1694年

壮观的天顶画是意大利巴洛克建筑装饰的一大特征。炫目的天顶画结合巴洛克式的建筑和雕塑，塑造出超越建筑本体的夸张错觉，带着强烈的精神感召，迎合了教会吸引信徒、抵制新教改革的需求。科尔托纳、波佐、高利都是这一时期著名的天顶画艺术家。

提埃波罗，行星和大陆的寓言，1750—1753年

卡纳莱托，威尼斯大运河入口，意大利，约1730年

辉煌一时的威尼斯画派在巴洛克时代停滞不前，直到18世纪的洛可可时期，才出现了一批有国际声誉的艺术家，其中最具影响力的是提埃波罗和卡纳莱托。他们一个发展了意大利的幻觉天顶画传统，在欧洲各地绘制了许多带有洛可可色彩的大作，被誉为当时最优秀的装饰艺术家。另一个则专注描绘威尼斯风光，用照相般的精确度，自然的光影和大气透视，记录下18世纪中叶的威尼斯。

伊比利亚：黄金时代

巴洛克时代的开端，是西班牙历史上最辉煌的年代。1580年，由于葡萄牙国王绝嗣，西葡两国结为共主邦联，据有大半个美洲和世界各地的殖民地，成为史无前例的海权强国。这也是西班牙文化的黄金时代，欧洲的文化艺术经由西班牙传入美洲殖民地，使西方艺术的范围大为扩张。

胡塞佩·德·里贝拉，圣菲利普的殉道，1628年，和卡拉瓦乔一样，胡塞佩·德·里贝拉也过着不规律且带有暴力色彩的生活

牟利罗，年轻的乞丐，西班牙，约1650年

作为天主教势力的堡垒，宗教在西班牙巴洛克艺术中扮演着重要角色。西班牙人尤其崇尚带有殉道精神的死亡和殉难场景，正和卡拉瓦乔的画风不谋而合。旅居那不勒斯的胡塞佩·德·里贝拉就是卡拉瓦乔的追随者，他后半生一直住在那不勒斯，但其画作影响了许多西班牙画家，比如委拉斯凯兹和牟利罗，后者受尼德兰绘画影响，创作了许多描绘市井小民的风俗画，在卡拉瓦乔的暗色调上加入了柔和明亮的高光，赋予画面一丝温情。

Juan Sánchez Cotán，飞鸟、蔬菜和水果静物，西班牙，1602年

苏巴朗，带果盘的静物，西班牙，1633年

苏巴朗，圣塞拉皮翁，西班牙，1628年

黄金时代的西班牙同时统治着尼德兰和南意大利，在尼德兰人启发下，16世纪末，西班牙画家也开始绘制静物。早期代表Juan Sanchez Cotán回避带有异国风情的华丽尼德兰趣味，开创了深色背景、对比强烈的静物风格，其风格被苏巴朗继承。苏巴朗青出于蓝，长于描绘宗教生活和静物，其作品有着肃穆的宗教氛围，明暗对比强烈，因此得到了“西班牙的卡拉瓦乔”的称号。

委拉斯凯兹，布雷达的投降，西班牙，1634—1635年

委拉斯凯兹，宫娥，西班牙，1656年

深得国王宠爱的委拉斯凯兹是西班牙巴洛克时代最伟大的画家。他早年热衷风俗题材，年仅20岁就已具备极其高超的写实技巧。作为宫廷画师，委拉斯凯兹为国王创作了许多作品，如王室肖像、历史画等。他的代表作《宫娥》人物众多，构图精妙。画家本人站在图中画布面前，后面的镜子扩充了画面内容，画中人、镜中人、画中画、画中画中人，多重视角相互缠绕，究竟主角是谁，数百年来一直令观者着迷。

委拉斯凯兹，教皇英诺森十世像，约1650年

委拉斯凯兹，煎鸡蛋的妇人，西班牙，1618年，画这幅画的时候，画家还不到20岁

委拉斯凯兹游历过意大利，和鲁本斯、普桑等同时代名家都是好友。他的绘画自成一格，既不同于鲁本斯的富丽堂皇，也不像卡拉瓦乔那样对比强烈。他擅长以不多的颜色，大胆的笔触，营造丰富影调和带有棕色调的写实画面，19世纪后，委拉斯凯兹的现实主义画风对马奈产生了强烈影响，这让他有了“画家中的画家”之称。

Fernando de Casas Novoa，圣地亚哥德孔波斯特拉大教堂的超巴洛克风格外立面，西班牙，1725年

Narciso Tomé家族，托莱多大教堂的超巴洛克风格祭坛“El Transparente”，西班牙，1729—1732年

委拉斯凯兹晚年，西班牙在三十年战争中落败，失去了富庶的荷兰；葡萄牙则已于1640年恢复独立。这时，巴洛克建筑取代了腓力二世时严肃方正的Herrerian风格。由Churriguera家族引领的超巴洛克风格（Churrigueresque）是西班牙独特的建筑风格，以极端、富有表现力的华丽装饰为特征，在1680年—1750年流行于整个西班牙及其殖民地。

Diego Martínez de Oviedo，库斯科耶稣会教堂立面，秘鲁，1668年，这座教堂是安第斯巴洛克风格的典范

墨西哥萨卡特卡斯大教堂装饰细部，这是新西班牙超巴洛克风格的典型案例

巴西萨尔瓦多圣方济各教堂和修道院内部装饰，始建于1686年，这座教堂使用了5.5万块大型葡萄牙锡釉瓷砖，其华丽程度甚至引发了欧洲耶稣会士的吐槽

在美洲，巴洛克建筑与本土艺术结合，发展出更多样的地域风格。如以热带动植物、印第安符号和前文艺复兴基督教元素装饰的安第斯巴洛克风格；爱用瓷砖画（Azulejo）装饰的巴西巴洛克风格；擅用灰泥，装饰极端华丽的新西班牙（墨西哥）巴洛克风格；以及为了应对频繁地震，相对低矮结实的地震巴洛克风格等。

Calamarca大师，火绳枪天使，玻利维亚，17世纪，火绳枪天使是当时南美流行的天使形象

Manuel Chili Caspicara，圣诞，厄瓜多尔，18世纪中叶，作者是克丘亚人，其作品曾受到西班牙国王称赞

在西班牙统治下，美洲艺术融合了本土和欧洲传统，别具风情。印加帝国故都库斯科是美洲第一个系统教授欧洲艺术的中心。17世纪末，随着越来越多克丘亚混血艺术家的加入，逐渐形成色彩鲜艳、缺乏透视，以红、黄、大地色为主色调的库斯科画派（Cuzqueña）。北方的基多是殖民时代安第斯另一大艺术中心，以制作精美的彩绘雕塑而闻名，相对来说，基多学派（Escuela Quiteña）的艺术风格与欧洲更为接近。

阿兹特克工匠，圣格雷戈里弥撒，墨西哥，1539年，这是阿兹特克人传统的羽毛工艺品，结合了基督教的宗教形象

一幅Casta群像，带有墨西哥人崇拜的瓜达卢佩圣母，约1750年，作者不详

人口稠密的墨西哥保留了更丰富的本土艺术遗产。西班牙人统治初期，墨西哥中部的羽毛工艺颇受西班牙人重视，原住民的抄本制作也延续了一段时间。殖民风格的艺术起初由西班牙出生的移民创作，之后逐渐本土化。

墨西哥总督府大屏风，墨西哥，1676—1700年，这幅屏风还带着和风色彩

印第安人婚礼折叠屏风，墨西哥，约1690年，可以看到中间的托托纳克空中飞人表演

描绘种族和阶层区分的Casta画（可以理解成和种姓类似的东西）是墨西哥独特的艺术形式。往来于亚洲和美洲之间的马尼拉大帆船则激起了墨西哥精英阶层对折叠屏风的兴趣。早期的墨西哥折叠屏风大多模仿东方风格，之后加入了越来越多本土和欧洲元素。

尼德兰：一分为二

腓力二世对新教徒的压制激起了尼德兰长达80年的独立战争，最终，这块当时欧洲最富饶的土地被一分为二，南方是信仰天主教的佛兰德斯，依旧被西班牙统治，北方是信仰新教的荷兰，未来将以海上马车夫闻名于世。宗教和政治的分裂使尼德兰绘画走向分叉，以鲁本斯为代表，南方的佛兰德斯风格一度风靡欧洲宫廷，而北方的荷兰则发展出独树一帜的市民绘画，两者泾渭分明。

鲁本斯，下十字架，1612年，这幅作品还没体现出后期的鲁本斯式色彩

鲁本斯，抢夺留基伯的女儿，1618年，这幅画可以看出鲁本斯的色彩风格，以及对女性脂肪和肉体的描绘

鲁本斯是佛兰德斯绘画的代表，他从小接受人文主义教育，精通多国语言，博学有礼，处事周全，深受欧洲各国王室青睐。和拉斐尔一样，鲁本斯手下也有许多助手，还擅长营销，堪称人生赢家。鲁本斯早年游学意大利多年，受米开朗基罗、卡拉瓦乔和威尼斯画派熏陶。他早期的作品有卡拉瓦乔的强烈对比，米开朗基罗的结实人体、威尼斯画派的鲜明色彩和巴洛克式的戏剧性画面，充满力量和激情。

鲁本斯，猎狮图，1621年

鲁本斯，Susanna Lunden肖像，1622—1625年

鲁本斯始终保持着对壮硕（女）人体和肉感的追求，他留下了数千幅画作（助手功不可没）。鲁本斯善用轻盈阔大的笔触描绘高光和反光，色彩明快鲜艳，不沉闷。生前，鲁本斯的作品受到统治者和教会的一致欢迎，影响了整个欧洲。死后，浪漫主义者德拉克罗瓦推崇鲁本斯的激情和色彩，普桑一路注重结构的古典主义者则对其多有批判。

安东尼·范戴克，查理一世出猎图，约1635年

约尔丹斯，酒鬼之王，比利时，约1638年

安东尼·范戴克是鲁本斯最出色的弟子，不到20岁就已经是老师最得力的助手。他在英国待了很多年，缔造了结合风景背景和优雅人像的贵族肖像画传统，对英国产生了一个多世纪的影响。曾是鲁本斯画室一员的约尔丹斯专注描绘欢乐的宴会和宗教场景，更具朴实的平民色彩，是继鲁本斯、范戴克之后的佛兰德斯绘画领军人物。

Clara Peeters，奶酪、杏仁和脆饼的静物，1615年

Frans Snijders，鸟类音乐会，1629—1630年

17世纪初，尼德兰出现了一批以静物画为主的画家。女画家Clara Peeters开创了以早餐为主题的静物画；鲁本斯的合作者Frans Snijders则以动物为主题，成为欧洲最早的专业动物画家之一，可以说是欧洲的花鸟画之父。

老扬·勃鲁盖尔，瓶花，1600—1625年

老扬·勃鲁盖尔和Hieronimus Franck，阿尔布雷希特和伊莎贝拉大公参观收藏家的珍宝馆，1607—1623年

上一时代大师老彼得·勃鲁盖尔的两个儿子和孙子也是知名的画家，他的儿子老扬·勃鲁盖尔是欧洲第一批绘制花卉静物的画家，开创了描绘风景和动物的“天堂风景”题材，还是描绘房屋艺术收藏的“珍宝馆”绘画的开创者之一。

特尔·布吕根，二人组，荷兰，1628年

佛兰德斯艺术家主要依赖政府和教会的订购，北方的荷兰则兴起了以中产阶级市民为主、活跃且高度成熟的艺术市场。这是艺术史上的一场革命，艺术家大量面向市场创作，而非仅依赖主顾委托。为了满足市民需求，荷兰画家将目光对准风景、静物和风俗画，深耕垂直领域，通过缩小尺幅降低时间成本，促进艺术品的销售。

洪特霍斯特，红娘，荷兰，1625年

荷兰实行宗教宽容政策，大多数人信仰加尔文宗，但也有乌得勒支这样天主教气氛浓厚的城市。住在这里的特尔·布吕根曾游学于意大利，是北方首批追随卡拉瓦乔的画家之一，他的风格比卡拉瓦乔柔和，色调比较丰富。另一位去过意大利的画家洪特霍斯特的风格更加卡拉瓦乔，擅长描绘明亮烛光照耀下对比强烈的暗夜场景。

哈尔斯，快乐的酒鬼，荷兰，1628—1630年

朱迪思·莱斯特，男孩女孩，荷兰，约1635年

随着荷兰中产阶级规模的扩大，对肖像画的需求逐渐增加。加尔文宗崇尚简朴，大多数人穿着款式类似的深色衣服，很难从服装和配饰上做出区分，只能通过姿态和表情刻画被画者的个性。生活在哈勒姆的哈尔斯是其中的佼佼者，他擅长以轻快的笔触描绘人物，表情生动又轻松。同时代的哈勒姆女画家朱迪思·莱斯特，是当地圣路加行会的第一批女会员。她的画风与哈尔斯类似，过去很多作品被误以为出自哈尔斯之手。

哈尔斯，1627年圣乔治民兵连的宴会，荷兰，1627年

伦勃朗，杜普医生的解剖课，荷兰，1632年

当时荷兰流行群像画，既要描绘一群人，又要表现每个人的个性，还要兼顾买方出价，不厚此薄彼，这并不容易。哈尔斯突破了先前群像画严肃的构图，抓住其中每个人生动的瞬间，为群像画注入生动和谐的气氛，不过更大的突破来自伦勃朗。他在群像画《杜普医生的解剖课》里选择了医生讲解的情形，突破群像画横向构图的传统，营造了生动而带有故事性的场景。

伦勃朗，浪子回头，荷兰，约1668年，这是画家晚年的作品，笔触更加不羁

伦勃朗是荷兰巴洛克时代（甚至荷兰历史上）最重要的艺术家，他年少成名，晚景凄凉，数百年来影响着一代代艺术家。和其他加尔文宗画家不同的是，伦勃朗绘制了许多宗教画作。他对圣经理解独到，其宗教画饱含朴实细腻的人性，真实不做作，不像同时代其他巴洛克宗教画那么富丽堂皇。有意思的是，他对莫卧儿的细密画也很感兴趣，这是早期全球化艺术交流的见证。

伦勃朗，基督传道，荷兰，约1649年，蚀刻版画

伦勃朗，自画像，荷兰，1659年

伦勃朗一生画了近百幅自画像，坦荡真诚地剖析着自己的内心。光与影是伦勃朗一生挚爱的主题，通过微妙的光线差异，他发现了光影对画面层次和人物情感的烘托作用，两者和谐巧妙地融合在一起，塑造出沉静平和的氛围，甚至启发了当代电影和摄影艺术。伦勃朗的蚀刻版画同样体现着对光影和精神世界的探索，在一开始甚至比他的油画更有影响力。

扬·范·霍延，有渡轮的傍晚海景，荷兰，1643年

鲁伊斯达尔，有风车的风景，荷兰，约1670年

霍贝玛，林间小道，荷兰，1689年

从西班牙人手上独立后，荷兰人大规模围海造田，培养了对土地与风景画的深厚感情。早期荷兰风景画家，如扬·范·霍延，多以灰褐色作画，通过有限的色彩和尺幅，创造出宁静简约的氛围（同时降低成本，提高产量）。哈勒姆的雅各布·范·鲁伊斯达尔是这个时代最著名的风景画家，以诗意而带有象征的风景闻名，他的学生霍贝玛则专注林荫和水流场景，两者都深受浪漫主义画家的推崇。

维米尔，代尔夫特风景，荷兰，1660—1661年

维米尔，戴珍珠耳环的少女，荷兰，约1665年

荷兰风景画中的宁静氛围也可以在维米尔的室内画中找到。维米尔传世画作不多，尺幅都不大，他的画作有和广角镜头般的透视效果。一些学者推断他可能用了当时刚发明不久的便携暗箱辅助作画。作画用的便携暗箱，大约在1620年前后，由荷兰人Cornelis Drebbel发明。通过小孔成像原理，使用者可以在毛玻璃屏幕上看到投影的图像，以此辅助作画。

维米尔，画家与少女，荷兰，1666—1668年

扬·斯丁，新婚之家，荷兰，1668年

对光线和色彩的生动表现是维米尔的拿手好戏，他意识到相邻色彩的相互作用，准确再现了色彩和阴影。维米尔可能还注意到了光学成像的弥散斑和景深效果，这可以从其画作中发现。不同于维米尔作品中静谧、温馨的气氛，同时代另一个风俗画家扬·斯丁擅长以欢乐甚至有点混乱的场面，描绘戏剧化的世俗生活，也别有乐趣。

使用暗室作画的艺术家

法国：帝王品味

雅克·卡洛，战争的惨状，法国，1633年

巴洛克时代的法国是欧洲专制君主国的象征。尤其是在路易十四的漫长统治期间，法国成为欧洲大陆最强大，人口最多的国家，形成了一套以国王为中心的宫廷礼仪和审美。也正是在这一时期，法国取代了意大利，成为欧洲文化和艺术的中心。

乔治·德·拉·图尔，烛光下的木匠约瑟，法国，1642年

乔治·德·拉·图尔，打牌作弊者，法国，1630—1634年

17世纪初，许多法国艺术家都受卡拉瓦乔的影响，其中风格最鲜明的当属来自洛林的乔治·德·拉·图尔。拉·图尔起初以风俗画为重，后来转向宗教画。他擅长描绘烛光照耀下对比明显的黑暗场景，画中形象简化，带着虔诚而神秘的氛围，格外有吸引力。另一位洛林艺术家雅克·卡洛是闻名欧洲的版画家，也是第一批以现实主义视角描绘战争灾难的艺术家。

西蒙·武埃，财富的寓言，法国，1630—1635年

17世纪上半叶，文艺复兴和古罗马的辉煌文化吸引了许多法国艺术家，和乔治·德·拉·图尔同时代的西蒙·武埃就在意大利待了很多年。他吸收卡拉瓦乔的明暗法和卡拉齐兄弟的学院派风格，形成了色彩鲜亮、带着性爱暗示的画风，后来被路易十三召回国内，引领了法国的宫廷绘画。

尼古拉·普桑，阿卡迪亚的牧人，1637—1638年

尼古拉·普桑，波吕斐摩斯风景，1649年

另一位待在意大利的画家，尼古拉·普桑，大半生都在罗马度过，深受意大利历史古迹和拉斐尔、提香等文艺复兴大师的熏陶。他热衷古典审美，形成了宏大、庄重、理性的古典主义画风。虽然人不在法国，但普桑的古典主义风格却对法国产生了深远影响，与武埃的华丽画风相互竞争，此消彼长。

尼古拉·普桑，应时而舞，约1640年

普桑系统总结了自己的艺术理论，认为艺术就应该选择战争、英雄、宗教这些宏观叙事，就算风景画也要致力表现理想、和谐的美感，讲究平衡与适度。他的理论受到路易十四最欣赏的艺术家——武埃的徒弟夏尔·勒布伦的推崇。

夏尔·勒布伦，亚历山大进入巴比伦，法国，约1664年

勒布伦的表情研究，夸张的表情便于学生理解情感和表情的关系

夏尔·勒布伦在路易十四时参与了法国皇家绘画与雕塑院的创建，他为学院设定了严格的实践和理论课程，并制定了一套打分标准，以古典艺术家为最高，拉斐尔一派次之，普桑再次之，强调色彩的威尼斯画派排名很低，鲁本斯一派和荷兰画家排名则更低。题材方面，勒布伦推崇历史和宗教叙事主题，贬低静物，肖像画则居于中间。这套对艺术风格和题材的评价标准，基本延续到了19世纪初的法国画坛。

克劳德·洛兰，向自然学习的艺术家，1639年

同在罗马的风景画家克劳德·洛兰是巴洛克时代风景画的代表。他是已知最早在户外绘制油画习作的艺术家，不过正式作品还是在室内绘制的。洛兰善于表现阳光和空气，他的画作大多取材于历史遗迹，并不追求画面精确，而是力图表现美，塑造带有古韵的诗意氛围。他用历史和神话装点自己的风景，成功提高了风景画的地位。

勒南兄弟，幸福之家，法国，1642年

专注描绘农民生活的勒南三兄弟，在热衷英雄主题的巴洛克法国艺术家中显得独树一帜。兄弟三人用现实主义的笔触，描绘法国农村的艰苦生活，和荷兰风俗画中欢乐的群众对比明显。勒南兄弟笔下的农民虽然贫穷，却很坚定，其作品受到现实主义画家库尔贝推崇。

弗朗索瓦·芒萨尔，拉斐特之家城堡，法国，1630—1651年

巴洛克时代的法国审美推崇古典主义，建筑领域也不例外。弗朗索瓦·芒萨尔是法国古典主义建筑的先驱，他的设计强调直线结构，既带着帕拉迪奥的古典风范，也有意大利引入的巴洛克特征。法国各地常见的折线形屋顶也是由芒萨尔推广的。

亚森特·里戈，路易十四像，法国，1701年

俯瞰凡尔赛

法国的古典主义审美在路易十四时代得到确立。路易十四和他倚重的科尔贝尔都深知艺术的宣传力量，他推动建立国家主导的艺术学院，组织了由著名画家组成的专业团队。路易十四时代的代表性工程是庞大奢华的凡尔赛宫。这项工程由宫廷画家夏尔·勒布伦统一管理指挥。这座建筑是法国巴洛克风格的集中展示，也是路易十四权力和野心的象征。

凡尔赛宫著名的镜厅，长达73米，装饰着数百面独立镜面，绘制了由勒布伦创作的30幅画，描绘了路易十四统治时期历史事件

Antoine Coysevox，勒布伦半身像，法国，1676年

凡尔赛宫的室内装饰由勒布伦设计，虽然没有贝尼尼的作品那样有戏剧性，但非常富丽堂皇。宫殿的花园绵延几千米，布局对称严谨，闪烁着理性和国王权力的威严。宫殿的雕塑由Antoine Coysevox、Pierre Paul Puget等人负责，能够看到贝尼尼的影响。

英国：造个房子

英国人从巴洛克绘画和雕塑的发展中获益良多，但当时的英国宫廷艺术家大多来自尼德兰和意大利，本国贡献无足挂齿。1666年，伦敦发生大火，在城市的重建中，建筑成为英国巴洛克时期艺术的最重要代表。

伊尼戈·琼斯，国宴厅，英国，1619—1622年

英国的巴洛克艺术没有意大利、荷兰那样明显的风貌，在建筑领域，这一时期的英国建筑大量吸收古典元素，形成了独特的英国风格。威尔士人伊尼戈·琼斯是英国建筑的奠基者，他在意大利待了很久，非常崇拜帕拉迪奥的古典风格。琼斯将古典罗马和意大利文艺复兴建筑引入英国，其简约古典的建筑设计，对英国产生了2个世纪的影响。

克里斯多佛·雷恩，圣保罗教堂，英国，1675—1705年

百科全书式的学者克里斯多佛·雷恩是胡克的朋友，他从法国和意大利巴洛克建筑中汲取灵感，又受到琼斯的帕拉迪奥式建筑影响。雷恩精通几何，认为建筑必须符合自然理性，他为火灾后的伦敦设计了许多建筑，包括宏伟的圣保罗教堂。这座教堂结合了意大利和法国巴洛克风格以及古典建筑元素，是伦敦著名的地标。

约翰·凡布鲁，布伦海姆宫，英国，1705—1722年

圣保罗大教堂完工后，英国政府为名将马尔伯勒公爵修建了规模庞大的布伦海姆宫。这是英国晚期巴洛克建筑的代表，由建筑师兼剧作家约翰·凡布鲁设计。这座建筑轮廓生动，带有巴洛克建筑的夸张和戏剧性。

中欧：音盛画衰

巴洛克时代，中欧神圣罗马帝国（德国、奥地利、捷克等地）境内没有出现像文艺复兴时代丢勒、霍尔拜因这样声誉卓著的造型艺术家。巴洛克建筑于三十年战争期间传入德奥，绘画方面的风格改变更晚。当时法国宫廷建筑对德奥影响很大。总的来说，除了瓷器（迈森瓷）和灰泥装饰等少数领域，巴洛克时期德奥在造型艺术方面的贡献乏善可陈。

不过在音乐领域，巴洛克时代的中欧却崭露头角，诞生了巴赫、亨德尔这样名垂后世的大音乐家，渐渐有成为欧洲古典音乐中心之势。

中国风图案的迈森瓷器，德国，1735年

巴洛克风格的音乐，最早也发源于意大利。16世纪末，翡冷翠的Giovanni de' Bardi伯爵身边汇聚了一群人文主义诗人、音乐家和学者。他们觉得当时音乐已经堕落，主张回归古希腊的风格与形式。古希腊音乐注重演唱和叙事，以戏剧为主要形式，这推动了意大利歌剧的诞生。

最早的歌剧主要用文森佐·伽利略（科学家伽利略之父）推广的宣叙调演唱。逐渐地，歌剧成为推动巴洛克音乐诞生的催化剂。蒙特威尔第被誉为推动文艺复兴音乐向巴洛克转型的重要人物。他大胆采用不协和和弦，利用序曲、重唱、间奏曲加强音乐表现力和戏剧性，并通过弓弦乐器的震音、拨弦奏法，充分发挥了乐器的性能。

诞生于意大利的歌剧和芭蕾舞随后传入法国宫廷。教会和国家的赞助扩大了对室内乐和公共音乐的追求，将巴洛克音乐推入新阶段。此时巴洛克音乐的中心是法国和意大利，在中欧也出现了迪特里希·布克斯特胡德等有影响力的音乐家。

Balthasar Denner，亨德尔像，德国，1727年，就用这张作为巴洛克时代德国绘画的例子好了

17世纪下半叶，巴洛克音乐进入最繁荣的晚期，最著名的3位巴洛克音乐家：巴赫、维瓦尔第和亨德尔都活跃于这一时期。其中巴赫的创作范围非常广，被誉为巴洛克音乐集大成者，和巴赫同年出生的亨德尔晚年定居英国，是个多产的音乐家，神父出身的维瓦尔第以协奏曲闻名，留下了名垂千古的《四季》协奏曲。

*.一个有意思的发现，巴洛克时代前，著名音乐家的维基词条语言数量一般不如同时代美术家，巴洛克时代开始，著名音乐家的维基词条语言数量持平甚至超过同时代美术家。

法式趣味：洛可可艺术

路易十四死后，法国贵族摆脱了国王的严格控制，形成了一种及时行乐的柔媚艺术风格，后人常以洛可可（Rococo）形容这种风格。洛可可一词源自法语“Rocaille”，原本是种用小石子和贝壳的室内装饰手法，类似的贝壳或贝壳状纹样是洛可可装饰中的重要元素。

Germain Boffrand，苏比斯府邸公主厅，法国，1737—1740年

Charles Cressent，抽屉柜，法国，约1730年

洛可可风格影响了绘画、雕塑、室内装饰、音乐和戏剧等领域。和巴洛克建筑相比，洛可可建筑看似外观简单，内部却别有洞天，装饰得非常华丽。洛可可装饰爱用曲线，色调温暖柔和，常以贝壳形外框分隔装饰，鲜花和异国风情的中国或日本风图案在洛可可装饰中很常见。Germain Boffrand设计的苏比斯府邸公主厅是洛可可装饰的典型代表，繁复的装饰，精心制作的瓷器、雕塑、挂毯等，无不体现着这个时代的贵族趣味。

华托，热尔桑画店，法国，1721年

华托，发舟西苔岛，法国，1717年

洛可可绘画的源头可以追溯至17世纪末。当时法兰西学院出现了关于注重素描和结构的普桑派，与注重色彩和感官的鲁本斯派的争论。来自尼德兰南部的华托是鲁本斯的粉丝，洛可可绘画的奠基者，擅长绘制带有幻想色彩的田园生活场景。华托开创了游乐图（Fête galante）这一形式，画中的人物身穿华服，色彩柔和，宛若置身于戏剧般的梦境，很好地迎合了贵族们的趣味。

布歇，蓬巴杜夫人像，法国，1756年

克劳德·米歇尔，宁芙和萨提尔狂欢，法国，约1780年

洛可可时代是女性崭露头角的年代，法国的蓬巴杜夫人，奥地利的玛丽娅·特蕾莎皇后、俄国的叶卡捷琳娜女皇，无不是当时响当当的人物，她们既掌控着政权，也支配着上层的审美趣味。17世纪兴起的沙龙在洛可可时代非常流行，有教养的女士们往往借此吸引名流光顾沙龙，通过高超的语言和社交手段，成为社交圈的明星。

布歇，戴安娜出浴图，法国，1742年

弗拉戈纳尔，秋千，法国，1767年

华托的追随者布歇深受蓬巴杜夫人宠爱，成为法国绘画界最重要的人物。布歇是出色的肖像画家，以其优美柔和，带着肉体诱惑的寓言题材著称。他的学生弗拉戈纳尔青出于蓝，笔触自由，色彩明丽，影响了之后的印象派画家，体现了后期洛可可艺术的风格。雕塑家克劳德·米歇尔将布歇和弗拉戈纳尔的画作转化为立体的雕塑，是洛可可雕塑艺术的代表。

巴尔塔萨·诺伊曼，维尔茨堡住宅，德国，主体建筑完成于1744年，可以看到巴洛克风格的外立面

巴尔塔萨·诺伊曼，十四圣教堂内部，德国，1743—1772年

洛可可风格兴起后，很快传播到欧洲其他地区，尤其是中欧、北意大利和俄罗斯（正好是几个女性统治者的国度）。在中欧和意大利，洛可可风格和博罗米尼、瓜里尼的巴洛克风格结合，这些地区的洛可可建筑受到统治者资助，比法国的规模更大，更繁复，而且和绘画、雕塑等场景结合得更紧密。

多米尼库斯·齐默尔曼，施泰因豪森朝拜教堂，德国，1754年

洛可可时代兴起了以小瓷人摆件装饰的风潮，这件小瓷人表现了法国人幻想中的东方趣味

建筑师巴尔塔萨·诺伊曼是德奥洛可可（或巴洛克晚期）建筑师的代表，他设计的维尔茨堡住宅被誉为欧洲最美丽的宫殿之一。泥瓦匠出身的多米尼库斯·齐默尔曼是德奥洛可可建筑的另一代表，他设计的施泰因豪森朝拜教堂外表平平无奇，内部富丽堂皇的装饰却令人震惊。

Antonio Corradini，面纱女士，1722年

意大利的洛可可艺术家大多在国外工作，除了上面提到过的提埃波罗，雕塑家Antonio Corradini的作品也值得一提。他在俄国、奥地利和意大利都留下了自己的作品，特别善于描绘面纱遮蔽下的人体形象。

洛可可之外

洛可可艺术深受贵族欢迎，但并不能涵盖这一时期的所有艺术风格。18世纪是启蒙运动繁盛的时代，也是工业革命萌芽的时代，启蒙思想家提倡理性和批判，也强调自由与平等，工业革命则为人类认识和利用自然开辟了新的可能。技术、社会和思想巨变之下，一个新的时代即将到来。

夏尔丹，饭前祈祷，法国，1740年

夏尔丹，鳐鱼，法国，1728年

18世纪的法国，活跃着一批难以用洛可可或新古典主义归类的画家。当时的启蒙思想家推崇自然主义以及真诚、富有同情心的情感，青睐带有道德劝喻的主题。以静物和风俗画著称的夏尔丹是其中的佼佼者。他的画风朴实平静，情感细腻，和当时流行的洛可可风格几无共通之处。

格瑞兹，破壶，法国，1771年

维瑞·勒布伦，自画像，法国，1790年

风俗和肖像画家格瑞兹善于创作带有叙事和道德劝喻的画作，颇受启蒙思想家和中产阶级欢迎，但他一直想成为被上层接纳的历史画家，可惜并未成功。比他小一辈的女画家维瑞·勒布伦事业就比较成功了。勒布伦是当时欧洲各国贵族的宠儿，尤擅绘制女性肖像。她的画作结合了洛可可和新古典主义风格，人物柔美，自带美颜。

威廉·荷加斯，婚姻模式：梳妆（组画之一），英国，1743年

威廉·荷加斯，卖虾姑娘，英国，1740—1745年，这幅画的笔触非常自由洒脱

洛可可艺术传入英国后，并未产生非常大的影响。不过当时英国的画家倒是借用了一些洛可可元素，形成了自己独特的风格。威廉·荷加斯是自希利亚德以来的第一个著名英国本土艺术家，他最初从事版画创作，不久涉足油画和讽刺漫画题材。荷加斯最大的贡献是开创了一种新的绘画形式，专注道德主题，氛围轻松，成套发售，相互关联，受到英国中产阶级的喜爱。

庚斯博罗，蓝衣男孩，英国，约1770年

雷诺兹，纯真年代，英国，1785或1788年

18世纪初，肖像画依然是英国最具销路的画种。皇家艺术研究院的两位主要创始人，庚斯博罗和雷诺兹都是当时享有盛誉的肖像画家。庚斯博罗早年主要创作风景画，他尝试将自然风光与人物的魅力结合在一起，虽然借鉴了洛可可艺术家的作品，但风格较为庄重。他的主要竞争对手雷诺兹则取法古典大师，秉持和勒布伦类似的学院派观点，是英国学院派艺术的开创者。

俄罗斯的西方化

17世纪前的俄罗斯艺术主要以东正教堂和圣像画为主，在欧洲各国文艺复兴的年代，俄国还延续着中世纪的艺术路线。随着和中欧、西欧国家接触的增加，这一趋势终于在17世纪被打破。

西蒙·乌沙科夫，救世主圣像，俄罗斯，1658年

17世纪下半叶，受西欧艺术影响，一些俄国圣像画家开始拒绝传统的圣像画规范，引入西欧绘画的透视和明暗法，赋予宗教人物以个性，发展出名为Фряжское的艺术风格。圣像画家西蒙·乌沙科夫是这一风格的代表，他和约瑟夫·弗拉基米罗夫共同发展了这种风格，还是俄国的第一批版画家。

佚名作者，沙皇阿列克谢·米哈伊洛维奇，俄罗斯，约1670年

佚名作者，主教和教士们，俄罗斯，1660—1665年

与此同时，俄国出现了描绘世俗人物的Парсуна，即世俗肖像。许多Парсуна以油彩绘制，借鉴了圣像画和欧洲的绘画技法。Парсуна并不试图表现人物的个性，而是致力于描绘人物的面部特征、身份以及等级。不管怎么说，这种新的绘画预示着未来俄罗斯艺术的变化。

莫斯科波克罗夫卡圣母升天教堂，俄罗斯，1699年，现已被毁

建筑方面，17世纪末的俄国受西欧巴洛克建筑影响。产生了被称为纳雷什金（Нарышкинский стиль）或莫斯科巴洛克的风格。这种建筑风格和纳雷什金家族（彼得大帝的母系来源）有关，结合了俄国传统的木制和石制建筑，样式主义的外部装饰元素和一些巴洛克建筑的特征，不过总体风格仍然是俄罗斯式的。

佚名艺术家，小丑系列，俄罗斯，1692—1700年

彼得大帝继位后，俄国艺术发生了翻天覆地的变化。新沙皇全面学习西方的一切，也包括西方的艺术。他一边派遣学生赴西欧留学，一边搜罗藏品，吸引外国专家前往俄国教学。在这短短的几十年里，俄罗斯艺术几乎跳过了文艺复兴，直接转向巴洛克风格。当然，由于文化转变过于迅猛，同一时期拜占庭、荷兰、意大利的艺术风格共存于俄国，难以归类。

伊万·尼基丁，加夫里尔·戈洛夫金伯爵像，俄罗斯，约1720年

安德烈·马特维耶夫，绘画的寓言，俄罗斯，1725年

彼得大帝时期，传统的Парсуна肖像依旧很流行。伊万·尼基丁是俄罗斯新绘画的奠基者，他早期的肖像画还是Парсуна风格，没有透视，不注重表达个性。彼得大帝时，尼基丁接受了荷兰画家的训练，他晚年游学意大利，回国后转变为完全欧洲式的风格。同时代的另一位艺术家，安德烈·马特维耶夫，是俄国第一位完全在国外受训的艺术家，他的作品包括俄国传统中没有的裸体和神话题材。

由意大利建筑师Domenico Trezzini设计的圣彼得和保罗大教堂，金色尖顶高达122.5米，是当时世界最高的东正教堂，算是彼得巴洛克风格建筑的例子

彼得统治时期，俄国迁都至圣彼得堡，形成了被称为彼得巴洛克（Петровское барокко）的建筑风格。彼得巴洛克抛弃了延续近千年的拜占庭传统，大多由国外建筑师设计。沙皇起初想按照阿姆斯特丹的模样建造新都，比较青睐当时的荷兰巴洛克风格，但他也派遣学生前往法国和意大利学习，并邀请意大利和法国建筑师为其工作。

伊万·维什尼亚科夫，Сарры Элеоноры Фермор肖像，俄罗斯，1750年

伊万·阿尔古诺夫，穿民族服装的农妇，俄罗斯，1784年

叶卡捷琳娜二世统治期间，俄国艺术的西化色彩愈发明显。女皇本人热衷法国文化，喜欢当时流行的洛可可风格。她在冬宫设立博物馆，广泛收集文物。1757年，圣彼得堡美术学院成立，后来改组为帝国艺术学院，负责监管整个俄罗斯的艺术体系，鼓励新古典主义艺术。在不长的时间里，西方艺术迅速在俄国精英中普及开来。

18世纪下半叶，俄国国内出现了一批艺术家，在技术方面达到了和西欧同行一样的水准。这一时期代表性的艺术家有伊万·维什尼亚科夫、阿列克谢·安特罗波夫、伊万·阿尔古诺夫等。总的来说，16—18世纪是俄罗斯上层向西方学习转型的阶段，尚未形成有影响力的独有风格。真正来自俄罗斯的新艺术流派，要到下一篇才会出现。