【人物访谈】蔡双千 | 2026留声机国际音乐比赛钢琴组评审、中央音乐学院青年教师

蔡双千中央音乐学院青年教师、青年钢琴家

个人简介：

蔡双千

中央音乐学院青年教师、青年钢琴家、音乐会技师，国内唯一同时攻读钢琴演奏和钢琴调律与修复双专业的研究生。

他曾入围第64届意大利布索尼国际钢琴比赛全球决赛，演出足迹遍布国内各大城市，曾与四川交响乐团、深圳城市爱乐乐团合作演出钢琴协奏曲。国际钢琴家郎朗称赞其演奏：“充满无限的想象力，在演奏现代作品方面有杰出的才能。”

蔡双千同时还有着丰富的教学经验，从启蒙教育至专业学习阶段均有丰富经验，多年来已培养出数十名考入国内外各大音乐院校的专业学生。2021年曾前往延安市志丹县以钢琴演奏者、钢琴调律师、教师、音乐会导赏等多重身份开办数场音乐会及讲座，并深入乡镇小学开展音乐公开课。近年在广州、汕头开展的讲座与讲解式音乐会也广受好评。

蔡双千长期致力于中央音乐学院钢琴系施坦威钢琴的维护工作，作为音乐会技师参与学院及钢琴系诸多重大音乐会、比赛、考试等活动的钢琴整备与技术服务，同时有施坦威、贝森朵夫等世界顶级名琴的修复重建经验。2023年由学院派赴前往施坦威钢琴亚太总部参加施坦威技师培训项目，受到施坦威高级音乐会技师的高度赞赏。2024年前往意大利参加了佛罗伦萨早期钢琴修复研修班，同时与中央音乐学院技师团队共同赴法齐奥里钢琴工厂交流并担任翻译工作。2025年随中央音乐学院乐器修复中心团队前往德国贝希斯坦钢琴工厂参加技师培训项目并担任翻译。2026年5月，蔡双千于中央音乐学院策划并成功举办了首届“钢琴与钢琴家”钢琴修造技术交流周，该交流周受到各大高校及从业者的广泛好评。

访谈录

（以下内容根据访谈整理。组委会简称Q，蔡双千简称A）

Q ：您从潮汕启蒙起步，历经鼓浪屿钢琴学校，本科考入中央音乐学院，保送本校研究生，长期师从吴迎教授，同时还得到郎朗先生对您现代作品演奏的高度评价。一路走来，吴迎教授的教学理念，在音乐审美与演奏思维上带给您哪些深刻影响？

A：我始终认为自己十分幸运，从求学阶段直至今日，有幸得到众多优秀老师的指点。我的几位主课老师都经验丰富、责任心强，拥有极高的师德与艺德。

我最早在汕头学琴，跟随一位长期旅居当地的乌克兰退休钢琴教授。在考入鼓浪屿钢琴学校之前，我跟随他学习了两年。这两年里，我们一共学习了数百首作品，培养了我快速识谱与视奏能力，也为我的古典音乐审美打下初步而扎实的基础。这份基础不只是来自课堂讲授，更多是依靠老师科学规划、大量的曲目积累训练得来。

进入鼓浪屿钢琴学校之后，我的两位老师都曾是吴迎教授的研究生，他们对我影响深远。在走向专业、考入本科之前的数年里，他们为我的基本功带来更加扎实、考究的训练与打磨。

本科阶段，吴迎教授给予了我极大的帮助。他教学严谨细腻，要求严格。我印象很深，当时弹奏贝多芬《田园奏鸣曲》，仅仅开头 16 小节，我们前后打磨了四五节课。一点点推敲高低声部、左右手、前后乐句，细致研究如何聆听、如何弹奏、如何理解作品。短短 16 小节的深度处理，彻底更新了我对演奏的认知。

到本科三、四年级，我对演奏的理解逐渐成熟，吴老师会给予我很大的发挥空间。他尊重学生已经形成的个人音乐理解，不会单纯把自己的审美与要求强加于人。面对大量曲目，我们会一同探讨作品的风格处理。他既能给出一针见血、独到的细节建议，同时也尊重、保留我已经建立起来的个人音乐审美。

总而言之，我遇到的每一位钢琴老师，不仅塑造了我的演奏，也深刻影响了我的教学观念乃至为人处世。汕头的外籍老师、厦门时期的两位老师，还有吴迎老师，他们从不耽误学生的课时，只要学生有需要，愿意无私地额外投入时间授课，这点令我十分感动。如今我自己教学，也延续着从各位老师身上学到的品质，当然我也会融入自己新的思考与特点，但很多理念都源于老师们对我的熏陶。

Q ：您十分特别，钢琴演奏与钢琴调律修复双专业均以第一名成绩毕业。懂得乐器构造、机械原理，反过来会对钢琴演奏者的触键、音色控制带来哪些不一样的启发？结合您的双重专业背景，有哪些训练丰富音色层次的方法，又有哪些练习误区需要规避？

A：我从小就对钢琴机械结构很感兴趣。小时候调律师上门调琴，我总喜欢在一旁观察。在鼓浪屿钢琴学校，校内设有调律专业，我和该专业的同学交好，便请他们教给我一些基础操作与相关知识，一直对这个领域抱有浓厚兴趣。

中央音乐学院的调律与修复本科专业 2019 年才设立，在国内院校中开设时间相对较晚。但专业内的老师都是行业深耕数十年、经验丰富的音乐会技师与修复师，拥有多年教学经验。专业开设之初，我便申请辅修该专业，师从范希来老师。学习期间，我系统学习调音、机械调整维修，高年级进一步研习整音、钢琴修复与重建。跟随范老师以及校内其他老师学习，为我打下扎实基础，也让我建立起对钢琴与钢琴演奏更加全面、多元的认知。

不过刚刚接触乐器机械知识时，并非只有正向收获，我也曾陷入困惑。大概有半年时间，外出比赛演出，一上台，我的大脑会不自觉分心，开始感知、评判这台琴的手感存在哪些问题。这种状态对演奏非常不利，一旦分心，就无法专注投入音乐，甚至会引发不必要的失误。我花了半年多时间调整自己。最终我意识到：弹琴的时候，就要用演奏者的手和思维，把乐器当作自身的延伸，全身心投入音乐表达，无论乐器状态好坏，都不能被机械问题干扰；做调律工作的时候，再切换到调律师的思维，拆解乐器各个部件，以求精准、均匀、细腻地处理机件。

简单来讲：演奏时，把钢琴视作和人融为一体的整体；调律时，则在认知上将它拆解为无数精细的部件。当我能够把钢琴拆解理解之后，再回到演奏，我就更清楚该如何实现弱奏等效果。对大多数演奏者而言，琴键从按下到发声，大约 10 毫米的行程，是一个整体的感受。但从调律的视角看，这 10 毫米的行程中包含三到四个不同节点，每一处都对应复杂的机械联动。我更多是去感知这些环节的细腻变化，而非刻意控制，这份感知能力，反过来提升了我对触键、音色变化的理解。

学习调律修复，除了帮助我更好驾驭乐器，也让我分清演奏当中什么可为、什么不可为，认清乐器性能的边界。找准边界之后，反而可以在边界之内获得更自由、更广阔的发挥空间。同时也帮我规避很多练习误区：我不会试图依靠错误的发力方式，去强行追求某种特定音色，我可以清晰判断哪些演奏效果是乐器可以实现的，哪些是做不到的。

Q:国内同时兼具钢琴演奏与调律修复双重背景的演奏家并不多。站在演奏者兼调律学习者的视角，对于广大青少年琴童，在乐器选择、日常练琴维护方面，您有哪些建议？

A：结合我的经历，给琴童、老师和家长一些关于乐器选择与日常维护的建议。过去十多年学琴经历里，我发现国内不少老师、琴童和家长存在一种认知：家里要用按键很重、很难弹的钢琴练习，就像绑沙袋训练，等到舞台弹奏手感更轻的琴，就会发挥得更好。

我也见过一些极端案例，有人额外加装配重装置，人为把琴键做得过重、惯性过大。这种做法并不可取。在认知不足的情况下，盲目加装配重，刻意追求沉重的琴键手感，会让钢琴机械脱离正常工作状态。长期在非正常状态的乐器上练习，即便孩子不懂乐器原理，潜意识里也会形成错误的触键手感认知，不利于打磨演奏技术、精细化调整触键，甚至会增大演奏者身体受伤的风险。

因此，关于练习琴的选择，我的第一个建议：在预算范围内，尽量选择品质更好的钢琴。优质钢琴不仅材料、设计出众，音色与演奏可控性也会好很多。选到合适的钢琴之后，务必做好定期维护与调整，重点保障音准准确、机械手感各项参数正常。

孩子在机械状态健康的钢琴上练习，才能建立正确的触键感受，为后续追求丰富的音色层次打下基础。

人为加重琴键、加装配重，会增大琴键惯性，导致键盘灵敏度下降。看似在锻炼手指力量，实际上会破坏跑动的清晰度、轻盈度，形成错误演奏认知。还有一部分钢琴本身没有加装配重，但弹奏手感异常沉重，这大多是机械关节摩擦力过大、部件匹配失调造成。钢琴需要及时、准确反馈演奏者的手指力量。而摩擦力异常的钢琴，无法给出精准反馈，久而久之会造成演奏者触感迟钝，不利于培养细腻触键与多变音色。

Q ：踏板是钢琴演奏的灵魂，很多学生踏板使用比较笼统，不分作品时代风格。古典、浪漫、现代不同作品，踏板逻辑差异很大，应当如何训练精细化的踏板控制？

A ：踏板的运用，也和钢琴机械本身与演奏的关系紧密相关。想要掌握不同风格的踏板用法，最核心的前提是学会聆听。只有能够准确听见自己想要的音响效果，才能真正用好踏板。

教学中我发现，如果单纯告诉学生脚该如何动作，什么时候踩、什么时候抬、踩多深抬多少，对很多孩子来说很容易混淆。手上要弹奏十根手指，脚上还要执行一系列指令，负担很重。

反过来，从音乐听觉出发引导，效果会好很多。比如提醒学生专注听见右手旋律，或是聆听左手低音根音的延续、各个和声之间的连接。在听觉目标的引导下，学生会自然而然调整踏板，实现相对准确的踏板运用，前提是他们能够听见、感知目标音响。建立听觉意识之后，再细化讲解脚部动作，学生就更容易执行。踏板技巧和所有演奏技术同理，教学不应当只教操作，更要教会学生如何聆听，由聆听再延伸到演奏与踏板控制。

我那位乌克兰启蒙老师曾经说过：不要直接教学生技巧，教会他聆听，技巧自然会产生。这句话听起来比较绝对，但深刻影响了我近十几年的教学思路。我的教学也优先进行音乐审美引导，之后再讲授技术操作，先明确音乐目标，再学习实现目标的手段。当然教师自身需要储备大量教学方法，适配不同性格、不同接受能力的学生，教学当中要做到感性引导和理性讲解相结合。

Q ：郎朗评价您的演奏富有想象力，尤其擅长现代作品。在您看来，演奏现代钢琴作品和演绎古典浪漫经典，在演奏思维、触键审美上最大区别是什么？钢琴曲目浩瀚，巴洛克、古典、浪漫、近现代现代作品风格迥异，不少学生曲目涉猎相对狭窄。如何引导学习者读懂总谱文本，把握不同时期作品的风格，建立属于自己独立的音乐理解？

A ：随着学习不断深入，我越来越觉得，不必生硬地用音乐史时代标签去框定作品。莫扎特就是莫扎特，贝多芬就是贝多芬，即便同属古典时期，二者之间也相隔数十年，风格并不等同。贝多芬离世的时候，肖邦已经 17 岁。音乐史划分的时代、风格，只是后人归纳断代的工具。作为演奏者，我们面对的是具体的作曲家与具体的作品。无论是古典还是现代，核心是读懂作曲家本人与这一部作品，甚至可以说，读懂作品本身，就足以完成较好的诠释。

解读作品分为两个层面。第一，深度挖掘乐谱文本本身，获取作品技法、创作意图，包括作品结构、旋律与和声特点，篇幅大小，创作偏向精巧复杂或是简洁朴素，是偏向理性结构构建，还是偏向感性抒发。这些信息都可以从总谱当中读取。

第二，向外拓展背景认知：这部作品是谁创作的，作曲家的成长环境、创作历程、人生经历，他受到哪些人影响，又影响了哪些人，身处怎样的时代，受到怎样的社会审美熏陶。这些背景，能够进一步丰富我们对作品的理解。

想要建立良好的音乐审美，就必须多听、多看、多钻研。在认知尚且不足的时候，广泛阅读作曲家相关资料，聆听各类演奏版本，涵盖大师、职业演奏家、青年演奏者，包括该时代其他相关作品。审美正是在大量聆听、阅读的积累当中建立起来。接触的内容足够丰富之后，才会逐步形成自己的偏好与思考。如果只听过唯一的演奏版本，那么形成的认知不是属于自己的，更谈不上独特的理解。

Q ：本次担任留声机国际比赛钢琴独奏组评委，结合国际大赛经历、协奏曲舞台、演奏‑调律双专业背景、高校教学多重身份。在您看来，面向青少年的国际钢琴赛事，真正的价值体现在哪里？在评审钢琴独奏参赛选手时，您重点关注哪些评判维度：音准节奏、技术完成度、触键与踏板控制、音色层次、读谱严谨度、时代风格把握、音乐想象力、整体艺术诠释、舞台呈现；协奏曲项目额外关注与乐队的对话呼吸。对于备赛参赛选手，您有哪些打磨作品与心理建设方面的建议？

A ：青少年国际钢琴赛事最核心的价值，是给琴童、青年演奏者提供宝贵的上台实践机会。对于音乐表演学习者而言，舞台经验十分珍贵。在尚未拥有足够专业声望与实力的时候，比赛、展演是积累舞台经验、展示自我的重要途径。

所以我十分敬佩赛事的组织者。我自己参加过比赛、做过幕后策划，也担任过评委，清楚筹办一场比赛需要克服重重困难，从场地协调到各项细节，幕后大量工作，只为给选手带来更好的演奏体验与舞台历练。这样的机会值得青少年演奏者好好珍惜，站上舞台、享受舞台。

评判选手时，我会重点考察：音准节奏、技术完成度、触键与踏板控制、音色层次、读谱严谨度、时代风格把握、音乐想象力、整体艺术诠释、舞台呈现；协奏曲项目，还会额外关注选手和乐队之间的对话与呼吸。

给到备赛选手的建议：除了日常精细化打磨曲目，平时可以多创造模拟演出的机会，举办家庭音乐会，或是和朋友互相观摩演奏，积累模拟舞台经验。这样到正式赛场，就可以以更加放松、自信的心态去完成表演，享受舞台。