学员日记（十三）丨全国青年戏剧创作人才（音乐）研修班

全国青年戏剧创作人才

（音乐）研修班

学员日记

第十三期

编者按

2026年8月21日，由中央宣传部文艺局、中国戏剧家协会联合主办的全国青年戏剧创作人才（音乐）研修班在河北廊坊开班。本次研修班是中宣部文艺局与中国剧协继2024年“全国青年戏曲编剧研修班”、2025年“全国青年戏剧创作人才（编剧、导演）研修班”成功举办之后，三度携手推出的青年戏剧人才培育项目，聚焦戏剧音乐创作领域，旨在破解行业痛点、夯实人才根基。本刊将持续关注研修班进展，并推出学员日记系列专题，以飨读者。

守沪剧声腔之本 悟戏曲作曲之道

一组

代表

宋文杰

上海沪剧院作曲助理，二级演奏员。毕业于上海音乐学院双排键演奏与创编专业，文学硕士，上海音乐家协会会员。师从双排键演奏家朱磊教授及作曲家汝金山老师。曾荣获雅马哈双排键中国选拔赛成人组第二名。

主要双排键改编作品：交响乐《狂欢节序曲》《图画展览会》《鹅妈妈》组曲等，歌剧《费加罗婚礼》、沪剧《敦煌女儿》《邓世昌》《雷雨》《回望》《芦荡火种》《魂断蓝桥》《家·瑞珏》《挑山女人》、越剧《玉卿嫂》《舞台姐妹情》《甄嬛》《铜雀台》、锡剧《一盅缘》、瓯剧《橘子红了》、淮剧《半纸春光》等。

主要乐队编配作品：抗疫系列小戏《阿拉上海人》《一路有你》《城市温度》《凯旋》、沪剧小戏《探情》、沪剧《江姐》《临湖明月》《万馥香》，以及参与沪剧《罗汉钱》《陈毅在上海》《苏河十八湾》等部分唱段编配工作。

DATE：2026.9.2

这次培训既是思想认识上的提升，更是戏曲作曲专业认知的迭代更新。通过聆听多位行业专家的授课，我的创作视野得到全方位拓展，打破了以往相对固化的创作思维，也为我后续的沪剧音乐创作厘清了思路，收获良多。在此次培训即将进入尾声之际，我想将本次学习心得总结如下：

戏曲音乐拥有区别于其他音乐体裁的独有艺术特质。中国戏剧家协会分党组书记、驻会副主席陈涌泉以及多位作曲家和戏曲评论家都反复强调：唱腔是一个剧种的灵魂。

朱绍玉、朱维英两位当代著名戏曲音乐家，结合自身60多年的创作实践经验，为我们倾其所知。朱绍玉老师分享了乐队编配与戏曲音乐创作的心得。谈及主奏乐器托腔保调，朱老师提倡运用加花衬腔的处理手法，主奏乐器不必完全跟随唱腔。这一观点，为我今后处理沪剧主奏乐器申胡、琵琶、扬琴的旋律线条提供了新思路：在稳固唱腔的基础上，以加花衬腔赋予主奏乐器声部内在动力，使伴奏更富有张力。此外，在乐队编制上，朱老师主张从剧目本体出发，根据戏的题材、气质来确定乐队编制，切忌一概套用大乐队。沪剧的乐队资源丰富，拥有管弦、民乐、电声等多种乐器配置。对于作曲而言，多样的乐器音色意味着多样的选择空间，但同时也面临着更大的挑战——如何结合剧本内容合理选择乐队编制，充分释放乐队的表现力，是我今后创作中需要不断钻研的问题。朱维英老师则提出作曲要兼顾唱腔与音乐两方面的写作，两手都要抓，并总结了20条唱腔写作法则，这些法则同样适用于沪剧，这对我今后的唱腔设计极具指导意义。

尹晓东老师提出音乐是戏曲的灵魂，古人常说 “听戏” 而非 “看戏”，道出了音乐在戏曲当中举足轻重的地位。他系统讲解了戏曲音乐的特征、创作法则以及和舞台各要素之间的联系。这对于自幼学习西洋乐器的我来说，可谓如获至宝。让我对戏曲音乐的本质有了更清晰的理解，也明白了戏曲创作必须尊重其自身艺术规律，才能创作出真正动人的作品。

王文训老师立足自身丰富的戏曲创作实践指出，戏曲作曲必须兼备本剧种唱腔功底与西方作曲技法，只有把两者融会贯通才能创作出高质量的戏曲音乐。同时详细讲解了主题音乐的变奏发展及复调技法在戏曲中的实际运用。他指出，将剧种声腔和复调技法相融合，关键在于守正创新，即要以维护唱腔本体韵味为先，复调手法的选用必须贴合人物情绪与戏剧情感。恰当运用复调，能够有效改变伴奏织体单薄平面的状态，提升音乐的立体感。在今后的沪剧创作中，我会进一步探索复调技法与沪剧声腔的结合，发挥复调织体的优势，做到技法为唱腔服务、为情感服务，兼顾音乐的艺术性与戏剧表现力。

蓝天老师细致剖析了一个剧的主题音乐与音乐主题二者的概念区别，着重指出，主题音乐奠定整部戏的音乐气质，主题音乐立得住，整部戏的音乐创作便成功了一半。同时老师强调，创作旋律首先要贴合人物与剧目所需要的音乐形象，在音乐形象准确的前提下，再去打磨旋律的好听。这番见解令我深受触动。回顾自身过往创作，我往往一味追求旋律优美动听，却忽略了对音乐形象的揣摩与把握，脱离人物、剧情去写旋律，这其实是违背戏曲艺术创作规律的。

汪人元老师细致阐释了戏曲作曲所肩负的重要职责：既要高度重视本剧种唱腔的传承与创新发展，也要做好整体性、综合性的音乐设计。让唱腔具备独立的审美欣赏价值，使场景音乐达到可与独立器乐曲媲美的艺术水准，这是戏曲音乐未来的创作方向。我也将以此作为自己今后沪剧音乐创作的追求目标。

另外，孙建安、陈国良、刘建宽三位老师分别梳理了昆曲、越剧的发展史与音乐规律，拓宽了我的剧种知识面。罗新昌、孔培培两位老师则谈到，戏曲作曲要建立综合戏剧创作意识，具备导演、表演、舞台空间、乐队音效等多元思维。戏曲音乐不是纯粹的器乐写作，最终要服务于戏剧。过去我的创作常常聚焦音乐本身，忽略舞台整体呈现。经过这次学习，我认识到自身的不足，今后创作会跳出单一音乐视角，兼顾表演、舞台和音效等，让音乐真正服务于人物塑造与戏剧叙事。

本次研修班的授课老师，既有一线作曲家，也有戏曲评论家，课程内容丰富充实。通过这一阶段的学习，使我认识到动人的音乐来源于生活积累与文化底蕴，一味堆砌技法、套用套路的创作难以打动观众。这次学习班的结束，是我创作道路的新起点。作为沪剧音乐从业者，我既要深耕传统，吃透沪剧唱腔，也要面向时代，探索符合当代审美的表达。未来我将坚守初心，潜心钻研沪剧作曲，努力创作出有温度、有情怀、有格局的戏曲音乐。

淬炼思维，筑基守魂

二组

代表

汤中敏

湖南省湘剧院唢呐演奏员。主要作品有：湘剧《舟渡》《又见潇湘红》《虞美人·枕上》等。

DATE：2026.9.2

为期十多天的学习，每一天都充实而丰盈。各位专家老师以毕生所学为薪火，用一次次思维方式的碰撞与重构，将沉淀多年的知识化作智慧，给予我们一场深刻的精神洗礼。

老师们倾囊相授，恨不得在一堂课里把毕生经验悉数托出。课程覆盖面极广，整理笔记时方觉，任何一位老师的讲授都无法用一句话草草概括。从戏曲传统到现代探索，从中国戏曲到西洋技法的融会贯通，从各剧种个性创作技法到共性创作规律，老师们从各自深耕的领域出发，亮出“拿手绝活”，为我们铺展出全方位的创作图景。这让我对戏曲音乐创作有了全新的认知，初步构建起崭新的创作体系——昔日零星散落的“点”，连成了“线”，如今更有了从平面走向立体的雏形。

我深知，要传承好湘剧，守住湘剧的魂并非易事。需要我们不断深耕文学、音乐等综合素养，在艺术修为上持续精进，真正做到守正创新。

回到今后的湘剧创作实践中，我想从以下几方面踏实做起：

一是重新认识湘剧。从文学、音乐等多重维度重新审视这门艺术，既熟谙观众想听、爱听的那份熟悉韵律，也敢于中西贯通、为我所用。

二是强化协作意识。主动与编剧、导演深度沟通，让音乐语言与整体舞台语汇同频共振。

三是夯实基本功。平日里多研究优秀唱腔，自觉练习以“起承转合”为法、为不同人物写作音乐；坚持写好听、好学、好记的曲子。

四是在观戏中求解。多看戏、多琢磨，许多创作中的困惑，往往能在经典与传统中找到答案。

路虽远，行则将至。唯有守住湘剧的根与魂，方能不负这十几天里每一位老师倾注的心血与期许。

责任编辑 靳文泰

设计制作 孙竹

主管 中国文学艺术界联合会

主办 中国戏剧家协会