专访 | 肖骏：从吉他手到“造梦者”

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作者 | 赵大卓

如果把肖骏近几年的创作轨迹放在一起看，会发现吉他手这个身份正在变得越来越不够用了。

他依然是一个非常依赖吉他进行创作的音乐人，很多时候会使用Fender的 Telecaster，录音、上综艺都会带上一把。新歌《Mirror Hunter》的MV中，他手上的正是一把Telecaster。在2026阿那亚·虾米音乐节，肖骏又作为Telecaster诞生75周年特别活动的对谈嘉宾出现在现场。

肖骏

一边是一把已经75岁的经典吉他，一边是一个始终不愿意重复自己的音乐人。对他而言，这把琴既是熟悉的创作工具，也是一个不断把他推向未知的入口。

在新专辑中，当吉他需要承担旋律表达时，他依然会优先选择Telecaster。而他之所以长期依赖这把琴，也并不是因为它经典，而是因为它能够给他足够明确、足够有个性的声音，让他继续在爵士、摇滚、先锋音乐和个人表达之间寻找自己的位置。

2026年7月，肖骏发行了自己的第三张个人专辑《22:22》。10首作品、约42分钟的音乐里，他一边继续使用自己熟悉的吉他，一边主动减少传统意义上的吉他Solo，开始真正尝试唱歌，并且进一步把旋律、节奏、音色、文本乃至人物和场景都纳入自己的创作世界。

它延续了肖骏上一张个人专辑《Atypical Airship》以来的想象力，音乐在爵士、摇滚、电子、器乐与人声之间不断移动，搭建出一个梦境般的异次元世界。

最值得关注的地方，并不是肖骏又做了一张先锋音乐专辑，而是一个已拥有明确个人风格的吉他手，正在主动离开最擅长的区域。

《22:22》不像是肖骏对过去音乐经验的一次总结，更像是一次重新出发。一个以吉他手身份被认识的人，开始减少Solo、开始唱歌、开始用音乐构建一个更加完整的幻想世界。对肖骏来说，乐器从来不是边界，而是进入音乐世界的一种方式。

以下是肖骏关于《22:22》、创作、吉他以及音乐观念的对谈：

新音乐产业观察：作为第三张个人专辑，《22:22》有没有一个明确的目标，这个目标达成了吗？

肖骏：我其实没有设定目标，也没太去想目标有没有达到，我没有那么强的功利性。因为我觉得对于一个音乐人来说，作品本身就是目标，代表的是你的艺术生涯还在延续。

当然，现在这个年代做唱片是一件性价比最低的事情，没有之一。你做一张专辑花几十万元，但是通过这张专辑实际可能挣不到什么钱。

我就是还希望，不管是好的还是坏的，有更多人能够听到这张专辑，能够给我一些正反馈。这样我才可以继续写下一章，再下一章，再下一章，持续创作下去。这个对我来说是最重要的。

新音乐产业观察：《22:22》十首歌更像一个完整的世界，你为什么越来越重视专辑的概念？

肖骏：现在电影会通过音乐让画面变得更加丰满。那我觉得对于音乐人、创作者来说，反过来也可以去想这个问题。

我们应该有更多的概念，更多脑洞上的东西，可以是分镜、剧情，也可以是文本，让音乐能够承载更多东西。

所以这张专辑对我来说，不只是十首歌，而是有一个比较完整的世界。我希望大家进入这个世界之后，可以看到一些角色、一些场景，然后自己去想象这些东西到底是什么。我一直觉得，音乐不一定非得把所有事情都解释清楚

新音乐产业观察：你一直是非常典型的吉他手，但这张专辑为什么反而有一种“少弹一点”的感觉？

肖骏：我弹吉他出身，我就尽可能的让自己不站在吉他手的立场去思考，因为那很容易限制自己，我还是尽量站在一个制作人或者作曲人的角度看我需要什么，看需要的声音我能不能把它完成。

我现在越来越觉得，吉他Solo本身不是音乐的全部。以前所谓的吉他英雄时代，大家会特别强调你的技术、速度、演奏能力。那个时候很多乐队最有名的人甚至就是吉他手，大家会去追求谁弹得更快、谁的技术更好。

但是现在我觉得这个东西已经发生了很大的变化。其实现在国内有很多弹琴特别厉害的人，技术上完全不比国外大师差。但是这个东西慢慢没有土壤了，大家也不会像以前那个年代一样去听这些东西。

所以我现在反而会思考，爵士到底是一种音乐风格，还是一种思维方式。我学爵士这么多年，它对我来说越来越像一种思考音乐的方法，而不只是“我要弹爵士”。

肖骏

新音乐产业观察：但你依然还在探索新的吉他弹奏方式，寻找自己独特的风格。

肖骏：我自己发明了一个弹法。我不想单纯扫弦或者分解和弦，就想能不能把两种方式结合在一起，就琢磨出来这么一个弹法。但真的贼难，我也经过反复练习才熟练掌握，它确实还挺吃右手的功力，同时我还得唱。但出来的效果有种我很难描述的感觉。

探索这件事我从10年前就开始做了，当时就想着能不能在吉他上弹点不一样的。我就很不喜欢简单的分解和弦、扫弦，尽可能把吉他的存在感变得高一点，让它听上去比较有意思一点。

新音乐产业观察：你以前学习的是爵士吉他，现在却大量使用Telecaster，这种变化对你意味着什么？

肖骏：我从小虽然学的是爵士乐，但其实从小听的是摇滚乐。

学习的时候，我接受的是爵士音乐的体系，但总有一天你会意识到，爵士对你来说只是一个美国的音乐体系。到了某一个阶段，我必须跳出这个东西，去找到自己的声音，探索自己的音乐语言。

那我小时候受到的音乐审美，自然会进入我的音乐里面，其中就有很多摇滚的东西。所以我一直在寻找一个平衡：怎么把我学习的爵士语言，跟我喜欢的音乐语言结合起来。Telecaster对我来说就是一个很好的方式。

新音乐产业观察：那《22:22》里面，Telecaster具体参与了哪些创作？

肖骏：基本上，当我要用吉他作为旋律表达的时候，我都会选择Telecaster。

你拿到不同的琴，就会觉得有很大的新鲜感。同样一个人，在不同的琴上弹出来的东西，倾向都会发生变化。我觉得这就是乐器很有意思的地方。

新音乐产业观察：乐器究竟是工具，还是创作的一部分？

肖骏：乐器肯定会影响创作。比如我特别喜欢Telecaster低音弦的分解和弦，特别是那种低音弦的分解。我好多Riff其实都是在Telecaster上写出来的。不是我先写好了东西，再找一把琴去实现。

很多时候恰恰是我拿着这把琴，它的手感、它的声音让我产生了一个想法，然后这个想法再慢慢变成作品。我觉得每一把琴都会给你不同的东西。

新音乐产业观察：你提到“真正想要的声音”，这是不是现在创作最难的一件事情？

肖骏：我觉得是。你怎么确定这个声音就是你想要的？

如果你有一个非常明确的想法，很多问题反而很简单。但创造的过程本身，就是一边摸索、一边成长。有一半可能是在未知里面碰，另外一半是你有一个很模糊的、想要的声音。

这两部分混合在一起的时候，整个过程会非常美妙，但同时也很危险，因为你随时可能走丢。所以我觉得创作其实就是不断寻找。

新音乐产业观察：这张专辑里，你甚至开始真正唱歌。对于一个以吉他手身份被认识的人来说，这意味着什么？

肖骏：这是我人生中非常难的一个决定。唱歌跟我的吉他能力比起来，肯定不在一个维度。但我觉得迈出这步很重要，可以通过努力精进这个能力，就像弹吉他一样。我愿意花同样的时间在唱上，应该不会差。

当你一直作为吉他手的时候，你已经有一个很舒服的位置。你知道自己擅长什么，也知道别人为什么喜欢你。但是一旦开口唱歌，就相当于把自己重新归零。你需要重新面对自己的声音、自己的表达，而且这个东西没有办法像吉他Solo一样，用技术去掩盖。

但我后来觉得，这也是我必须面对的一件事情。因为如果我一直只在自己最擅长的地方做，我可能会越来越舒服，但不一定会越来越接近我真正想表达的东西。

新音乐产业观察：你怎么看现在音乐越来越容易被生产出来这件事情？

肖骏：我有时候会觉得，这个世界真的已经不需要那么多音乐了。

现在音乐太多了，选择也太多了。我们这一代人比较割裂，因为我们经历过把音乐当成信仰的年代，也经历了现在音乐逐渐没有那么重要的年代。

但不管这个世界怎么样，我还是得做我相信的事情。我觉得音乐人还是应该有自己的东西。

而且我越来越觉得，生活本身对创作特别重要。你看更多的东西，读更多的书，接触更多文化，你才能知道自己到底想输出什么。

新音乐产业观察：发现很多乐迷受你影响会谈到音色、和声、编曲，也会去听你推荐过的音乐，一定程度上你也普及了很多音乐文化。

肖骏：我的乐迷很多都是这样，这是我很大的荣幸，能让除了我以外的很多音乐家被大家喜欢，我觉得自己干了一件很积德的事。

音乐还是需要审美门槛的，音乐里面有专业性，还有演奏、和声、编曲这些东西。说白了你掌握的东西越多，或者是你站在一个更高角度去看作品，你听到的东西也越多。这不是为了审美霸凌别人，单纯是因为这样你获得的感受会越深入。

我觉得不只是音乐，任何艺术行业都是如此，这是对艺术的一种敬畏心。

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